ИСТОРИЯ РИСУНКА | Путь к искусству
Сцена охоты.
Вероятно, история рисунка насчитывает столько же лет, сколько и сам род человеческий. Было установлено, что наскальная живопись появилась за 10 тысяч лет до нашей эры; вероятно, мы всегда были увлечены созданием изобразительных образов. Однако только в эпоху итальянского Возрождения художники смогли выработать изысканную технику изображения на бумаге.
Одной из причин, по которой искусство рисунка в этот период достигло подобных вершин, было то обстоятельство, что оно было напрямую связано с великой профессией художника. И скульптор, и живописец занимали тогда заметное место в обществе, и у хороших мастеров постоянно была работа.
Художники Возрождения, такие как Микеланджело (1475-1564), чтобы справиться со всеми заказами, нанимали многочисленных помощников и возглавляли больше мастерские. К сожалению, большая часть подготовительных набросков, которые эти художники выполняли для своих картин и которые сегодня мы считали бы чрезвычайно ценными, уничтожались по окончании основной работы.
Но, что более важно, завершенные рисунки представлялись заказчикам в качестве предлагаемых вариантов заказанного портрета. Хольбейну Младшему (1497/8-1543) однажды пришлось выполнить щекотливое поручение и сделать удачный портрет одной из претенденток на роль жены Генриха VI так, чтобы король Англии одобрил ее кандидатуру.
Северная Европа
Вдали от классической живописи Италии фламандский художник Питер
Питер Брейгель Старший. Лето
Брейгель Старший (1525/30) – (1569) обращался к технике рисунка, чтобы запечатлеть окружавший его мир, и его реалистические работы, изображавшие сценки из крестьянской жизни, снискали огромную популярность. Брейгель был одним из многих художников Голландии и Фландрии 16-17 веков, которые развили жанр, основанный на изображении жизни простых людей, а мастерство передачи человеческих фигур указывает на паломничество многих художников «золотого века» голландской живописи в Италию.
Одним из голландских художников, никогда не посещавших Италию, был Рембрандт (1606-1669), создавший шедевры не только живописи, но и графики. Как портретист, он с энтузиазмом и удивительным психологизмом запечатлевал всех, кто привлекал его внимание, — от старых нищих до представителей знати. Его излюбленными художественными средствами были перо, кисть и бистр (прозрачная коричневая краска, получаемая из древесной сажи).
Художники-современники.
Великим современником Рембранта был фламандский художник Рубенс (1577-1640), непревзойденный мастер, чьи графические работы отмечены виртуозным техническим исполнением. Рубенс имел обширную мастерскую, для которой создавал предварительные эскизы, а также собственноручно работал над многочисленными заказами. Интимным портретам мастера свойственна особая непосредственность, которая присуще рисунку.
Портретный рисунок.
Хотя в 18 веке и не появилось большого числа крупных мастеров, интерес к заказанным портретам сохранялся. Французский живописец Ватто (1684-1721) оставил великолепные зарисовки фигур, голов и драпировок в своей любимой манере: красным, черным и белым мелом.
Джованни Баттиста Тьеполо (1696-1770), возможно, величайший художник 18 века, для своих рисунков, которые и сегодня считаются непревзойденными шедеврами, использовал технику карандаша и поверх него прозрачного мазка кистью.
Карандашные рисунки.
Девятнадцатый век был свидетелем больших перемен в развитии техники живописи. В Англии он начался с работ Тернера (1775-1851) и Констебла (1776-1837), во Франции – с Делакруа (1798-1863) и Энгра (1780-1867).
К тому времени графитный карандаш уже получил широкое распространение, и именно им Констебл с особой утонченностью и выразительностью рисовал в своих альбомах множество маленьких деревенских видов Суффолка. В юности Тёрнер развил в себе почти невероятные способности наблюдателя и графитным карандашом создал непревзойденные рисунки соборов и других зданий.
Портреты все еще были в моде, и зарисовки, сделанные французским неоклассицистом Энгром, были столь реалистичными и живыми, что ни у кого не вызывало сомнений их сходство с моделью. Соотечественником и великим соперником Энгра был Делакруа, чье искусство – по сравнению с работами Энгра – было более свободным и романтичным. Он не только делал эскизы для масштабных исторических полотен, но и зарисовывал все, что привлекло его внимание. В эпоху, предшествующую появлению фотографии, рисунок для Делакруа был единственным способом запечатлеть этапы своего путешествия в Марокко, предпринятого им в 1832 году. Современники художника утверждают, что он рисовал день и ночь, боясь пропустить что-нибудь из своих арабских впечатлений.
Истоки современного искусства
Среди великих мастеров 19 века был художник – приверженец новых форм, чье искусство объединило в себе все предшествующие традиции. Это был Эдгар Дега (1834-1917), искусство которого на протяжении всей жизни опиралось на рисунок. Даже будучи уже немолодым и зрелым мастером, он копировал работы других художников, чтобы углубить понимание живописи и усовершенствовать свою технику. Дега оставил огромное наследие в виде рисунков, пастелей и гравюр, но ко времени его смерти в 1917 году в живописи стали прослеживаться модернистские тенденции, стремительно развивающие изобразительный язык, который он вряд ли бы принял.
С этого времени рисунок приобрел не только многогранность выражения, но и стал отличаться по разные стороны Ла-Манша. В то время как во Франции, вдохновленной успехами таких художников, как Анри Матисс (1869-1954), развился модернизм, Англия сохраняла верность традиции.
Во всех течениях, существовавших в искусстве Англии на рубеже 19-20 веков, неизменно подчеркивалась важная роль рисунка, который продолжал быть основой обучения живописи.
Мастером, считающим рисунок основой современной живописи, является Дэвид Хокни (р.1937). Вдохновленный работами Пабло Пикассо (1881-1973), обладавшего экстраординарным диапазоном творческих манер и «не ограничивающего себя “формализмом”, Хокни наслаждается лиризмом и силой простых линий. Предпочитая выразительную красоту рисунка «современным» подходам, Хокни завоевал громадную зрительскую аудиторию.
Источник: Р.Смит,М.Райт,Д.Хортон «Школа изобразительного искусства»
way-art.ru
История рисования
«История рисования».
Искусство – это величайший труд, и ценится он в наше время очень сильно. А особенно – художественное искусство. И это хотя бы потому, что раньше, много веков назад, искусство не так ценилось. Только самые талантливые были одарены и жили богато. А те, кто писал картины и творил своей личное, очень необычное искусство, не всеми воспринимались всерьез. Так как богатые люди, а также, аристократы думали лишь о том, что выглядит роскошно, и воспринимали только те картины, имеющие возможность быть восприняты другими, как символ богатства.
Первые рисунки – это всем известные странные, и поначалу непонятные наброски, иероглифы, начерченные на стенах пещер и скал. Именно в те времена, когда человек еще не был современным, а только начинал к этому путь. Эти первые рисунки были нарисованы, а если быть точнее – то нашкрябаны на чем-либо, имеющим твердую и устойчивую поверхность.
Также, были установлены специальные даты, говорящие о том, что человек стал рисовать наскальные рисунки за десять тысяч лет до нашей эры. Это были именно наскальные рисунки. Естественно, были произведены нужные раскопки и экспедиции.
Вообще, если углубиться в творчество известных нам художников, можно вскоре понять, что те самые знаменитые всему миру художники, никак не могли успевать сделать столько заказов, поступающих им от других людей, их заказчиков. А именно потому они создавали специальные мастерские, где нанятые ими люди должны были делать эскизы, а также самые различные наброски на тему, нужную тому самому знаменитому художнику, например, такому, как Микеланджело или же другому художнику эпохи Возрождения. Это не значит, что нанятые ими люди выполняли всю работу, они просто делали эскизы или же доделывали некоторые основные детали. Чтобы возможно было сохранить больше времени для их хозяина, так как он должен был успеть сделать все заказы.
Также, хорошо известные истории все о портретных рисунках. Это очень интересная часть в истории рисунка. Так как содержит в себе много известных фамилий, таких как Ватто, Джованни Баттиста Тьеполо и другие. Именно эти фамилии внесли просто незабываемый вклад в историю рисунка, да и вообще в историю целиком. Портретный рисунок впервые стал так известен и популярен только в восемнадцатом веке. Это время прославилось своими необычными творениями. Люди стали по-другому воспринимать свое лицо, а значит, и красоту в целом. Джованни Баттист Тьеполо прославился как художник, увлекающийся именно таким рисунком. Он умел несколькими штрихами закончить свое искусство, но сделать это так, что просто потом невозможно забыть.
www.istmira.com
статья на тему «История возникновения рисунка»
муниципальное бюджетное образовательное учреждение
дополнительного образования
городского округа Перевозский Нижегородской области
«Детско-юношеский центр г.Перевоза»
статья на тему
«История возникновения рисунка»
Автор-составитель:
педагог д/о высшей категории Пузрова Н.В.
г. Перевоз
2018 г.
История возникновения рисунка
Рисунок и отпечаток на листе бумаги (в древности – на папирусе, на пергаменте) называют графикой. Графика включает рисунок и печатные художественные произведения (гравюру, литографию и др.), основывающийся на искусстве рисунка, но обладающий собственными изобразительными средствами и выразительными возможностями. Термин «Графика» первоначально употреблялся лишь применительно к письму и каллиграфии. Новое значение он получил в конце 19 — начале 20 вв. всвязи с бурным развитием полиграфии и распространением каллиграфически чёткого, контрастного, линейного рисунка, наиболее удобного для фотомеханического воспроизведения в книге и журнале.
Такое понимание графики в дальнейшем было расширено. Кроме контурной линии, графика использует штрих и пятно, также контрастирующие с белой (реже цветной или чёрной) поверхностью бумаги — основного материала графики. Сочетанием тех же средств могут создаваться тональные нюансы. Графика не исключает и применения цвета. Наиболее общий отличительный признак графики — особое отношение изображаемого предмета к пространству, роль которого во многом выполняет фон бумаги, «воздух белого листа», по выражению советского мастера графики В. А. Фаворского. Пространственное ощущение создают не только не занятые изображением участки листа, но часто (например, в рисунках акварелью) и проступающий под красочным слоем фон бумаги. При этом связанное с плоскостью листа графическое изображение носит и в известной мере плоскостной характер(7, с. 5)
Рисование зародилось в глубокой древности во времена, когда человек начал запечетлевать на стенах пещер сцены охоты при помощи древесного угля и земляных пигментов. Древние египтяне первыми стали использовать ручки, изготовленные из заточенных тростниковых палочек и чернила из измельченной земли, чтобы рисовать иероглифы на листах папируса. Однако все эти ранние рисунки носили символический характер.
Так продолжалось до наступления периода греческого классицизма. Тогда художники начали изображать реалистические пейзажи, разрабатывать концепции пропорций, пространства и объема, которые до сих пор являются классическими основами искусства рисования.
В период Средневековья работа художников была тесно связана с Христианской церковью, которая требовала отказа от объемных и реалистичных изображений и одобрялла только символические образы. Всё изменилось с расцветом Ренессанса, в период между 14 и 16 веками. Термин «ренессанс» означает «Возрождение». В эту новую эру на смену догматам Средневековья вновь пришел интерес к классическим идеалам греческого и римского искусства. Рисование стало одним из основных направлений в искусстве. Предметом пристального и внимательного изучения стали анатомия, пропорции и видение перспективы, а учеников поощряли рисовать с натуры или копировать работы старых мастеров.
Всплеск художественной активности сопровождался появлением большого количества инструментов и материалов для рисования. Уголь и мел применялись при выполнении крупных изображений. Посеребреный стержень — прообраз графитового карандаша — использовался для создания набросков. Посеребреное перо представляло собой серебряную проволоку, вставленную в деревянную рукоятку. Им выводили изящные линии на бумаге, обработанной гипсом и мелом. Рисунки ручками и чернилами выполнялись на бумаге различных тонов, часто дополнительно оттенялись белым мелом.
В этот благодатный период творческого расцвета в мире появились величайшие художники, перед искусством которых мы преклоняемся и сегодня. Среди них Леонардо да Винчи (1452-1519), Микеланджело (1475-1564), Рафаэль (1483-1520), Альбрехт Дюрер (1471-1528), Ганс Гольбейн (1497-1543).
В период раннего Ренессанса (начало 15 века) рисунки были линейными, с четкими контурами, основное внимание уделялось точности исполнения деталей. Но к наступлению позднего Ренессанса (конец 15- начало16 века) художники постепенно отошли от строгих традиций — поиски новых форм самовыражения привели к большей свободе, и многие из них отказались от тщательной прорисовки деталей. Формы стали размытыми, порой преломленными, рисунки наполнились светом, пространством и воздухом.
К 17 столетию рисунок наконец-то стал самостоятельной и признанной формой художественного выражения, а не просто дополнением к живописи. Техники простой и перекрестной штриховки, а также яркой эффект чиароскуро (контраст темного и светлого), использование мастерами Возрождения, позволили привнести в этот художественный жанр свободу и смелость. Голландия подарила миру нескольких великих мастеров, в том числе Рембрандта (1606-1669) и Клода Лорейна (1600-1682), создавших множество прекрасных рисунков, выполненных ручкой и чернилами, а также кистью и акврельными красками.
В 18 веке центром художестенных инноваций стала Франция. Появление графитового карандаша способствовало увеличению популярности рисунков, поскольку позволило прорисовывать более тонкие линии и оттенки без необходимости обращаться к чернилам. Антуан Ватто (1684-1721) работал в светлой и утонченной манере, следуя идеалам рококо, требующим грации и изящества исполнения. Популярность приобрела и пастель. Ее наиболее известными почитателями стали Розальба Кариера (1674-1757), Жан-Батист Шарден (1699-1779) и Квентин де ла Тур (1704-1788).
Новый виток возрождения классических традиций произошел в первой половине 19 века во Франции. Жан Августин Доминик Энгр (1780-1867), бесспорно величайший мастер эскиза своей эпохи, выполнил карандашом множество портретов и эскизов.
И тем не менее к середине 19 века многие французские художники стали отходить от строгих канонов классицизма. Эжен Делакруа (1798-1863) стал лидером романтического движения. Его рисунки, выполненные ручкой и чернилами, наполнены энергией, стремительностью, а прерывистые линии передают его отношение к сюжету.
Оноре Домье (1808-1879) принадлежал к группе художников-реалистов, которые пренебрегли историческими сюжетами и обратились к изображению окружающей их обыденной жизни. Рисунки Дамьера наполнены юмором, сатирой и глубоким сопереживанием своим персонажам. Он использует уголь, ручку и чернила, чтобы усилить и подчеркнуть акценты, демонстрируя тем самым остроту своего восприятия окружающей действительности.
20 век стал символом прорыва в художественном творчестве и знаменуется огромным разнообразием способов художественного выражения. Стоит упомянуть хотя бы несколько ярких имен. Пабло Пикассо (1881-1973), чья продуктивная деятельность подарила миру множество стилей, сюжетов и техник. Анри Матисс (1869-1954), мастерски использовавший в своем творчестве каллиграфические линии. Джорджио Моранди (1890-1964), сумевший достичь вершины мастерства в использовании света и тени, создаваемых при помощи простой и перекрестной штриховки. Дэвид Хокни (род. в 1937 г.) под влиянием которого начал развиваться интерес к цветному карандашу, превратившемуся из детской забавы в необходимый для профессионалов инструмент. Применив техники простой и перекрестной штриховки, Дэвид Хокни отражает тончайшие оттенки и цветовые переходы.
Графика пейзажа очень изменилась. Она трансформировалась из простого наскального рисунка в полотна великих мастеров, которые ничуть не уступают действительности. Художники обращаются к непосредственному изучению натуры, строят пространство в картинах, основываясь на принципах научно разработанной линейной и воздушной перспективы, пейзаж у них становится реальной средой, в которой живут и действуют персонажи.
Неисчерпаемое многообразие природы породило в изобразительном искусстве различные виды пейзажного жанра. Рассмотрим их:
1. В сельском пейзаже художника привлекает поэзия деревенского быта, его естественная связь с окружающей природой.
2. Городской пейзаж отличается рационально организованной руками человека пространственной средой, включающей в себя здания, улицы, проспекты, площади, набережные.
3. Морской пейзаж — марина (от итальянского marina, от латинского marinus — морской) — произведение живописи или графики, изображающее морской вид, сцену морского сражения или иные события, происходящие на море. В качестве самостоятельного вида пейзажной живописи марина выделилась в начале 17 века, в Голландии.
4. Архитектурный пейзаж близко соприкасается с городским. Разница между ними заключается лишь в том, что в архитектурном пейзаже художник главное внимание обращает на изображение памятников архитектуры в синтезе с окружающей средой.
5. В индустриальном пейзаже художник стремится показать роль и значение человека-созидателя, строителя заводов и фабрик, плотин и электростанций, ажурных конструкций вокзалов и мостов, паутин железнодорожных линий.
6. Каждый пейзаж художник трактует по-своему, вкладывая в него определенный смысл. Так, пейзаж, в котором природа представляется величественной и недоступной для человека, можно назвать героическим.
В нем изображаются высокие скалистые горы, могучие деревья, спокойная гладь вод и на этом фоне — мифические герои и боги.
7. Пейзаж-картина, предназначенный для украшения здания, обычно выполняется так, чтобы дополнить архитектуру, сделать ее выразительнее. Эта служебная функция пейзажа заставляет художника сочинять и стилизовать природные мотивы, заботясь не столь о реалистической трактовке изображаемого, сколько о красоте группировки пейзажных элементов, о соответствии их формы стене. Естественно, что и цветовой строй такой композиции условный, отвечающий целям украшения, отчего пейзаж стал называться декоративным.
8. В пейзажном жанре находят свое косвенное воплощение исторические события, о которых напоминают изображенные архитектурные и скульптурные памятники, связанные с этими событиями. Такой пейзаж называют историческим. Он оживляет в памяти давно минувшее и дает ему определенную эмоциональную оценку.
9. Величавые картины природы, полные внутренней силы, особой значимости и бесстрастного спокойствия характерны для эпического пейзажа.
10. В пейзаже порой запечатлевается бунтарское начало, несогласие с существующим порядком вещей, стремление подняться над обыденным, изменить его. Грозовые тучи, клубящиеся облака, мрачные закаты, буйство ветра — мотивы романтического пейзажа.
Список литературы:
- Бесчастнов Н.П. Графика пейзажа: учебное пособие. — М: Гуманитар. изд. центр ВЛАДОС, 2012.-301 с.
- Ефанов В.П. Живопись. Рисунок. — М.: Союз художников РСФСР, 1989, 101с.
- Кирцер Ю.М. Рисунок и живопись: учебное пособие. – М.: Высшая школа, 2007. – 271с.
- Ли Н.Г. Рисунок. Основы учебного академического рисунка: Учебник. — М.: Изд-во Эксмо, 2005. — 480 с., ил.
- Материалы и техники рисунка: учебное пособие/Инс-т живописи, скульптуры и арх-ры имени И.Е. Репина; под ред. В.А.Королева — 2 е изд.- М.: Изобразительное искусство. 1984,- 96с
- Ростовцев Н.Н. Академический рисунок. — М.: Просвещение, 1995, -125с.
- Сенин В.П., Коваль О.В Школа рисунка карандашом. — ООО «Книжный клуб», 2007. — 110с.
- Фёдоров-Давыдов А.А. О нашей пейзажной живописи//Рисунок и советское искусство. – М, 1975.
nsportal.ru
§ 2. Из истории рисунка
Работы величайших мастеров прошлого и ведущих художников современности позволяют проследить историю развития рисунка, раскрывают его выразительные средства и возможности работы карандашом, тушью, углем, сангинно, пастелью и другими графическими материалами.
Начало теоретического обоснования правил рисования принадлежит египтянам. Они первыми стали устанавливать законы изображения, определенные каноны. Обучение технике рисования осуществлялось по двум направлениям. С одной стороны, отрабатывалось свободное движение руки, чтобы главные контурные линии легко наносились кистью на поверхность доски или папируса. С другой стороны, ученик должен был иметь крепкую и твердую руку, чтобы уверенно выцарапывать контур рисунка на стене для фрески, на камне для барельефа и др. Среди рисунков древ-
них египтян наряду с каноническими религиозными сюжетами можно увидеть рисунки, отражающие жизненные впечатления: кошка гуляет среди за- рослей папируса; девушка ловит рыбу; люди играют на музыкальных инструментах и др.
Древнегреческие художники разрабатывали свои каноны, исследуя тело человека. Они утверждали, что сущность прекрасного заключается в строй- ном порядке, в симметрии, в гармонии частей и целого. Художники Древней Греции старались изобразить реальный мир как можно точнее, поэтому в Основу метода обучения рисунку было положено рисование с натуры. Одна- ко рисунок использовался только в подготовительных и учебных целях, самостоятельного значения он еще не имел.
В эпоху Римской империи само изобразительное искусство, а значит, и Рисунок имели как бы прикладной характер. Поэтому при обучении рисованию преобладало копирование образцов, повторение приемов работы древних греков.
Средневековое изобразительное искусство отвергало реалистические тенденции, если они не отвечали религиозному сюжету. Рисунок был направлен не на точность передачи натуры, а на ее эмоциональное, духовное состояние.
В эпоху Возрождения искусство рисунка приобрело самостоятельную значимость. Под влиянием гуманистических принципов культ человека противопоставляется религиозным идеалам. Прогрессивное мировоззрение способствовало развитию науки, познанию природы. Изучение памятников античности обусловило новое содержание искусства. Сложил ась другая система художественного видения — изображение стало строиться как реальная картина. Особенно важным было формирование специфического языка рисунка. Линия обрела пластическую выразительность, способность в самом нажиме передавать объем и пространство. Для достижения объемности стали применять штриховку и светотень.
К этому времени художники владели практически всеми разновидностями технических приемов рисунка, дошедшими до нашего времени. Уже никогда в рисунке использовались свинцовые, серебряные и другие металлические грифели (штифты), графит, итальянский карандаш, сангина, уголь, мел, пастель, а также жидкие материалы — бистр, тушь, разноцветные чернила, акварель, белила. Рисовали гусиными и тростниковыми перьями, кистями на белой бумаге и бумаге разнообразных цветов, тонированной и грунтованной. Это значительно обогатило художественные и технические возможности изображения.
Техника рисунка, сложившаяся в эпоху Возрождения, оказала сильнейшее влияние на последующие поколения художников и стала основой для многих художественных школ, которые изобрели свои технические и художественные приемы работы теми же материалами.
В истории рисунка существовали два различных подхода к изображению, две системы передачи формы: объемная и живописная. При объемном изображении форма передается четким контуром и моделировкой объема, при живописном — контуры словно бы растворяются в окружающем воздушном пространстве. Все это расширило возможности рисунка, способствовало созданию присущей только ему художественной образности.
Строгой, линейной манере рисунка следовали художники Возрождения, приинадлежавшие к флорентийской и римской школам: А.Матеньи, Леонардо
да Винчи, Микеланджело.
Венецианские художники, напротив, рисовали в свободной манере, на- пример Джорджоне, Тициан, п. Веронезе, Я.Тинторетто. Они предпочитали пользовать легкий живописный штрих и пятно.
Значительное увеличение тематических, художественных и технических возможностей рисунка эпохи Возрождения можно проследить на примере творчества Леонардо да Винчи. С помощью рисунка он познавал мир, мыс- и творил. Его альбомы заполнены этюдами головы и фигуры человека, бросками лошадей и других животных, композиционными эскизами,
изображениями драконов и чудовищ, уродливых физиономий. Леонардо рисовал деревья, водяные потоки. Он — создатель первого в европейском искусстве пейзажного рисунка. Свои научные труды Леонардо сопровождал рисунками различных механизмов, которые часто превращались в художественный образ.
Великими мастерами линейного рисунка, выполненного серебряным штифтом, были Ян ванн эик, А.Дюрер, Рафаэль и другие. Мастера Северного Возрождения уделяли больше внимания самостоятельному рисунку. Например, А.Дюрер создавал рисунки всех типов и жанров: студии обнаженной натуры, растений и животных, разработки идеальных пропорций человеческого тела, портреты, этюды к картинам, эскизы гравюр.
французский художник первой половины XIX в. Ж.-Д.энгр блестяще владел графитным карандашом. много нового в технику рисунка. Виртуозно владели рисунком О.КипренскиЙ, к.Брюллов и другие ученики Академии художеств. Они любили работать на слегка желтой или голубой бумаге, используя ее тон. Это избавляло рисунок от излишней перегруженности листа. Даже учебные рисунки этих художников украшают крупные музеи изобразительного искусства.
О.КипренскиЙ добивается обилия полутонов и живописного впечатления в рисунке натурщик с красным плащом», выполненном итальянским карандашом, сангиной и мелом.
В рисунке К. Брюллова «Портрет Полины Виардо», графитный карандаш, сделана тончайшая моделировка объема средствами светотени. Хорошо передано сходство с моделью, неповторимое движение знаменитой певицы. В известном рисунке «Группа из двух натурщиков» к.Брюллов использовал сложное сочетание материалов: сангины, пастели, угля и мела. С помощью этих средств он передал богатство тоновых оттенков и цветовых нюансов. Многочисленные рисунки К.Брюллова, выполненные акварелью, про изводят впечатление законченных картин, например удивляющая своим ювелирным мастерством «Турчанка».
Рисунки АЛосенко, А.А.Иванова, И .Репина и многих других русских мастеров дают представление о различных приемах использования графических материалов.
Великий живописец А.А.Иванов обогатил возможности акварели, заставил ее звучать с новой выразительной силой. Особой одухотворенностью поражают его акварельные рисунки к библейским и евангельским сюжетам, выполненные с помощью белил на бумаге приятного теплого тона. Это — многофигурные, сложные композиции, раскрывающие человеческие характеры. Художник добивается необыкновенной гармонии цветовых сочетаний. Прозрачность и динамичность акварельных рисунков наилучшим образом раскрывают внутреннее, духовное движение, составляющее сущность каждого поступка. Например, в эскизе «Хождение по водам» мы воспринимаем не только идущего по воде Христа и тонущего Петра, а словно видим саму веру, способную творить чудеса. Таким образом, рисунок благодаря свободе и условности выразительных средств способен передать, казалось бы, не возможное — чувства и мысли, духовные порывы людей.
И.Репин любил выполнять остропсихологические рисунки графитным карандашом и использовать растушку. В рисунке углем на холсте «Портрет Элеоноры Дузе» художник воспользовался такими разнообразными техническими приемами: то уголь кладется плашмя, особенно при изображении одежды фона, и слегка растирается, то работа ведется свободным, широким штрихом. Репин очень умело передает фактуру платья, кресла, волос с помощью угля и шероховатой поверхности холста.
Русские художники второй половины XIX в. развили и широко использовали в своем искусстве технику соуса, как сухого, так и мокрого, когда он разводится водой, подобно акварели. Н.Крамской выполнил этюд женской головы к картине «Неутешное горе» в свободной манере, с использованием
штриха, в технике сухого соуса.
Рисунки В.Серова,Б.Кустодиева, В.Борисова-Мусатова, М.Врубеля представляют собой образцы мастерского сочетания разнообразных рисовальных материалов в одном листе.
В.Серов, работая над портретом О.КОрловоЙ, применил уголь, сангину и цветные карандаши. Получился рисунок, близкий к живописному изображению. Мастер использовал почти все известные в то время художественные материалы, извлекая максимальные возможности для реализации замысла. Ему давалось добиваться простоты и общей гармонии тона, несмотря на сложную технику исполнения. Обладавший высоким мастерством, виртуозной техникой и тонким вкусом, В.Серов создал немало великолепных рисунков.
Особую манеру наложения штрихов М.Врубеля невозможно спутать с почерком другого художника. Что бы он ни изображал — розу в стакане, пейзаж, ребенка в кроватке, нервные, угловатые, перекрещивающиеся врубелевские штрихи узнаются безошибочно. художники хх в., продолжая развивать традиции реалистического рисунка, привносят много нового в области свободного, островыразительного, экспрессивного рисунка авангардных направлении, нарушающего традиционные нормы. В основе многообразия новых форм — отвлечение от передачи характерных признаков конкретных объектов, их деформация и пересоздание ради воплощения своей пластической формулы мира. Опора на различные художественные традиции (первобытное искусство, эллинистическую архаику, Древний Восток, примитивизм, детский рисунок, древнерусское искусство, лубок и др.) помогает современным художникам эмоционально- целостно переосмысливать действительность, ярко выражать свою творческую индивидуальность в рисунке.
искусство рисунка связано с различными, порой очень существенными изменениями в его характере, однако, начиная с эпохи Возрождения, до наших дней оно не утратило своего самостоятельного значения.
Краткий обзор развития специфического языка рисунка показывает, что он ВО многом зависит от используемых художественных материалов и техник. В крупнейших художественных музеях собран богатый материал, который позволяет изучать технику рисунка мировой и русской школ.
Ответьте на вопросы и выполните задания
Расскажите об истории развития рисунка у разных народов.
Расскажите о назначении рисунка и его особенностях в Древнем Египте, Древней Греции и Древнем Риме.
З. Назовите имена выдающихся художников русской и зарубежной школы рисунка.
4. Перечислите художественные материалы, которые используют для со-
здания рисунков.
5. Скажите, пастель — это материал для живописи или для графики?
Поясните свой ответ.
6. Расскажите о выразительных возможностях различных художественных материалов, применяемых для рисования, на при мерах произведений русских и зарубежных художников, можно проанализировать репродукции учебника.
Расскажите об особенностях рисунка ХХ в. Приведите примеры.
Перед вами три рисунка, определите характер этих изображений (реальное, декоративное, абстрактное).
§ З. ВОСПРИЯТИЕ И ИЗОБРАЖЕНИЕ ФОРМЫ
Бесконечное разнообразие природных форм всегда служит источником вдохновения и творческих идей художника.
Нас поражает разнообразие форм окружающего мира: величественные очертания гор, громады многоэтажных зданий, обтекаемые формы самолетов и автомобилей, изящные очертания цветов, бабочек, птиц, пластика человеческого тела и др.
Мы стремимся отыскать сходство форм в окружающем нас мире. Облако, пятно краски, случайные линии или геометрические фигуры, произвольно собранные вместе, — все это может быть соотнесено с каким-нибудь образом, рожденным нашим воображением на основе запечатленных в памяти предметов. Любая форма вызывает ассоциации со сходными формами, наше сознание будет устанавливать с ними определенные соотношения и связи.
Выразительность формы очень важна при ее восприятии в повседневной жизни, но еще в большей мере она важна художнику. Для него выразительные, то есть экспрессивные, свойства являются средством общения. Они привлекают его внимание и определяют формы создаваемых им моделей.
Благодаря удивительной способности человеческого восприятия мы можем остановить мгновение, запечатлев в рисунке изменчивые формы предметов. Почему это возможно? Оказывается, в течение нашей жизни накапливаются представления о разнообразных формах, и порой глазу достаточно лишь намека, точки, пятна или неясного силуэта, чтобы узнать в них знакомые предметы.
В любой созданной природой или руками человека форме можно увидеть геометрическую основу. Предметы простой формы в своей основе имеют одну геометрическую фигуру, а предметы сложной формы — несколько геометрических фигур. Здания могут выглядеть как комбинации сфер, цилиндров, конусов, призм И пирамид. Купола соборов — обычно полусферы, крыши некоторых храмов напоминают трехгранные призмы или невысокие пирамиды.
Сложные формы обычно представляют собой комбинацию различных поверхностей (плоских, выпуклых и вогнутых). Поэтому их обычно называют комбинированными, имея в виду, что данный объект в своей основе представляет сумму геометрических тел. К таким объектам можно отнести, например, машину любого vвида, животных и множество других объектов действительности’ Не случайно художники, подчеркивая геометрическую форму объектов, так и говорят: «Этот предмет имеет кубическую форму, этот — цилиндрическую, а тот — шарообразную и т. п.».
Простые формы предметов можно классифицировать как граненые или круглые. Геометрические тела граненой формы — это кубы, призмы, пирамиды. ИХ поверхности образованы плоскими гранями. Геометрические тела круг- ЛОЙ формы, или тела вращения, — это шар, цилиндр, конус. Для них характерны кривые поверхности — сферические или цилиндрические.
Геометрическая основа строения объектов в окружающем нас мире вовсе не означает, что при рисовании надо изображать геометрические формы. Проблема заключается в следующем: за внешними очертаниями предмета необходимо увидеть его конструкцию, а затем в рисунке построить форму предмета в виде упрощенных геометрических тел, фигур или плоскостей, усложняя ее до полного реалистического изображения.
Обучение искусству рисунка обычно начинается с изображения геометрических тел. Выявление сходства или отличия форм рисуемых предметов от геометрических фигур и тел, анализ строения формы предметов, их конструкции помогают лучше изобразить их особенности.
Применяемый в рисунке известный метод «сквозной» прорисовки позволяет лучше уяснить характерные отличия в строении формы, ее конструкции. С помощью воображения необходимо представить себе предметы как бы прозрачными и нарисовать даже невидимые части предмета. .
Формообразование путем вращения
Кроме конструкции и общей формы предметов мы видим и передаем в рисунке контур (абрис), то есть внешнее очертание. Обратите внимание, что контур предметов в рисунке должен соответствовать их строению и общей форме. Как известно, внешний вид предмета и очертания, характеризующие его форму, зависят от длины, ширины и высоты, то есть именно эти измерения делают его объемным.
Форма объекта передает его характерные особенности, делает его узнаваемым. В рисунке форма предметов передается линиями и светотенью. Каждый изображаемый предмет имеет определенное строение — конструкцию.
Есть каркас и у круглых предметов. Он состоит из средней линии (оси вращения), кругов вращения и из линий, их соединяющих, они и образуют контур предмета. Эти линии так и называются — образующие. Для передачи в
рисунке объемной формы необходимо представить ее внутреннее строение, иначе говоря, нужно разобраться в конструкции предмета.
Для правильного изображения формы объектов на бумаге необходимо познакомиться еще с несколькими особенностями ее восприятия.
Порой бывает очень трудно определить, какая поверхность является фоном, а какая — фигурой. Как правило, поверхность, заключенная в пределах определенных границ, стремится приобрести статус фигуры, при этом окружающая ее поверхность будет фоном.
В изобразительной деятельности, передавая форму предмета, мы не можем не учитывать значение фона. Каждый объект существует в нашем понимании только вместе с фоном, поэтому фон в рисунке, то есть пустота между пред- метами, приобретает равное значение с изображенными объектами.
Художники встречаются с целым рядом явлений, которые называют оптическими иллюзиями. Число подобных примеров весьма велико. Изучение их помогает избежать зрительных искажений предметов, внести необходимые поправки в изображение.
При сопоставлении с большими окружностями центральная кажется меньше, а при сравнении с маленькими эта же окружность кажется больше. Таким образом, если на картине надо выделить, например, размеры высокого человека, то окружающие его люди должны быть небольшого роста.
Все изображенные отрезки прямых линий на рисунке равны между собой, но зрительно кажется, что левые длиннее правых. Белый квадрат на черном фоне (справа) кажется больше черного квадрата на светлом фоне (слева), хотя в действительности оба квадрата одинаковой величины. Высота черной гребенки кажется больше ее ширины, хотя они равны. В зависимости от на- правления взгляда рисунок воспринимается или как лестница, или как бума- га, сложенная «гармошкой».
Знание особенностей восприятия формы помогает создавать точные и вы- разительные рисунки.
~
Ответьте на вопросы и выполните задания
1. Зачем необходимо производить геометрический анализ формы предмета? 2. Какую роль в строении формы пред- мета играет его конструкция?
3. По каким внешним признакам различают формы предметов?
4. С чего следует начинать построение Формы предмета в рисунке?
5. Что необходимо изображать в рисунке для передачи объемной формы?
Каково значение фона в рисунке?
Есть ли каркас У круглых предметов?
8. Какие виды оптических иллюзий вы знаете? Как эти знания могут вам пригодиться в творческой работе над ком-
позицией?
9. Скопируйте этот рисунок, предметы сделайте «прозрачными», то есть про- Рисуйте их невидимые части.
studfiles.net
Графика. История. Возникновение. Развитие. | Журнал Ярмарки Мастеров
Графика — самый древний вид изобразительно искусства, существующего и по сей день .
Первые графические работы появились на самых ранных стадиях развития человеческого общества, когда древний человек выцарапывал изображения на камнях и стенах пещер, на костянных пластинах. Создав свои первые рисунки, которые фиксировали не только какие-либо события и окружающий мир, но и долгое время служившие средством общения между людьми, первобытный человек положил начало искусству графики. Так, с помощью изображений, человек в те далекие времена излагал свою мысль.
Долгое время графические изображения не имели самостоятельного значения и служили разве что украшением дома, либо предметов.Но постепенно человеческая речь стала развиваться, появлялся язык, и теперь рисунки стали обозначать не только слова, но и фразы, и отдельные слоги, звуки, начертание их менялось, пока полностью не трансформировалось в вид знакомых нам букв ставших в последствие основой алфавита.
С появлением письменности графика стала носить чисто декоративный характер и широко применялась в рукописных книгах, пергаментах, грамотах для украшения или разъяснения текста, да и само создание шрифтов переродилось в большое искусство.
Термин «графика» первоначально употреблялся лишь применительно к письму и каллиграфии, т.к. являлся основой создания рукописных текстов. Однако, человек пошел еще дальше: стали появляться иллюстрации к в книгах, визуально отображающие текст в них содержащийся, появилась профессия переписчика и копииста, а затем рисунок вообще вышел за рамки книг. Образованность населения увеличивалась, потребность в печатной продукции росла, что требовало и большего производства как книжных произведений, так и графичестких работ. Началось развитие промышленности, а вместе с ним и промышленной полиграфии и распространение чёткого, контрастного линейного рисунка, который получил в конце XIX — начале XX вв. несколько новых значений. Тогда графика определилась как искусство, в основе которого лежат линия, контраст чёрного и белого. Такое понимание графики в дальнейшем было расширено. Кроме контурной линии в графике используются штрих и пятно, также контрастирующие с поверхностью бумаги — основного материала графики.
Особенности графического искусства сводятся к следующему: Графика (от греч. «grafo» — «пишу») — изобразительное искусство, включающие в себя рисунок и произведения искусства, базирующиеся на искусстве рисунка, но обладающие собственными выразительными средствами и изобразительными возможностями.Таковы определения приведенные в ряде учебников.
Это значит, что в основе лежит всегда рисунок, но это не мешает графике использовать в качестве дополнения, к уже сложившимся мотивам, цвет. Цвет в графике не является главным, как например в живописи, но здесь он играет вспомогательную роль.
Графическое искусство включает в себя как собственно рисунок, так и печатные художественные произведения (гравюру, литографию и др.), основывающиеся также на искусстве рисунка.
В графике наряду с завершёнными композициями самостоятельную художественную ценность имеют и натурные наброски, эскизы к произведениям живописи, скульптуры, архитектуры (рисунки Микеланджело, Л. Бернини в Италии, О. Родена во Франции, Рембрандта в Голландии, В. И. Баженова в России).
Не обладая таким объёмом полноты возможностей, как живопись, в создании пространственной иллюзии реального мира, графика с большой свободой и гибкостью варьирует границы пространственности и плоскостности. Для графических произведений могут быть свойственны тщательность построения пространства и объема, «ювелирность» разработки мельчайших элементов фактуры и выявления структуры предмета.
Различают:
Графические изображения нарисованные от руки
Наиболее древний и традиционный вид графического искусства — рисунок, истоки которого можно видеть в первобытных наскальных изображениях и в античной вазописи, где основу изображения составляют линия и силуэт.
Так же как и в живописи, рисованными изображениями являются: портрет, натурморт, пезаж, анималистика, просто набросок и прочее. Единственное в чем отличие графических работ от живописи — материал. Это всегда будет, карандаш, тушь, перо, пастель, уголь, различные соусы, иногда в качестве дополнительных материалов используются акварель и гуашь. Но здесь цвет несет не основную, а вспомогательную роль, оттеняя или, наоборт, высветляя отдельные элементы рисунка.
Станковая графика (станковый рисунок, эстамп, лубок)
Станковая графика — род искусства графики, произведения которого:
— самостоятельны по назначению и форме;
— не включены в ансамбли книги или альбома;
— не входят в контекст улицы или общественного интерьера;
— не имеют прикладного назначения.
Основными видами станковой графики являются: станковый рисунок и станковый лист печатной графики (эстамп).
Книжная графика (иллюстрации, виньетки, заставки, буквицы, обложка, суперобложка и т. п.)
Книжная графика — один из видов графического искусства. Сюда относятся, в частности, книжные иллюстрации, виньетки, заставки, буквицы, обложки, суперобложки и т. п. С рукописной книгой с древности и средних веков во многом связана история рисунка, а с печатной книгой — развитие гравюры и литографии. В древнем мире появился шрифт, также относимый к графике, поскольку сама по себе буква является графическим знаком.
Журнальная и газетная графика
Журнал (от фр. journal) — печатное периодическое издание. В соответствии с ГОСТ 7.60-2003 «Печатные издания» «периодическое журнальное издание, имеющее постоянную рубрикацию и содержащее статьи или рефераты по различным общественно-политическим, научным, производственным и др. вопросам, литературно-художественные произведения»
Как и газета, журнал является одним из основных средств массовой информации и пропаганды, оказывает влияние на общественное мнение, формируя его в соответствии с интересами определённых идеологических групп, общественных классов, политических партий, организаций. С появлением технологий компьютерной верстки и распространением коммерческих типографий с возможностью полноцветной печати в России конца XX — начала XXI века, журналы стали основным рекламным носителем для товаров класса «премиум» и «лакшери». Как правило, адресованы строго определённым группам читателей и являются либо мировыми и общероссийскими изданиями, либо рекламными каталогами.
Наследие графического искусства многообразно. Оно отмечено работами таких всемирно известных мастеров, как Альбрехт Дюрер(1471—1528), Франсиско Гойя (1746—1828), Гюстав Доре (1832—1883), японских художников Китагава Утамаро (1753—1806), Хиросиге Андо (1797—1858) и гравёра и рисовальщика Хокусай Кацусика (1760—1849), чьё творчество оказало значительное влияние на европейское искусство конца XIX — начала XX вв.
В дальнейшем, если Вам дорогие читатели, будет интересна данная тематика, мы будем рады продолжить освещать ее в наших статьях, поэтому коментируем, голосуем, задаем интересующие Вас вопросы.
www.livemaster.ru
История рисунка
История рисунка
Работы величайших мастеров прошлого и ведущих художников современности позволяют проследить историю развития рисунка.
Начало теоретического обоснования правил рисования принадлежит египтянам. Они первыми стали устанавливать законы изображения, обучать определенным канонам. Обучение технике рисования осуществлялось по двум направлениям. С одной стороны, вырабатывалось свободное движение руки, чтобы ученик мог легко наносить кистью главные контурные линии на поверхность доски или папируса. С другой — ученик должен был иметь крепкую и твёрдую руку, чтобы уверенно выцарапать контур рисунка на стене для фрески, на камне для барельефа и др.
Древнегреческие художники при разработке своих канонов исследовали человеческое тело. Они утверждали, что сущность прекрасного заключается в стройном порядке, в симметрии, в гармонии частей и целого. Художники Древней Греции старались изобразить реальный мир как можно точнее, поэтому в основу метода обучения рисунку было положено рисование с натуры.
В эпоху Римской империи само изобразительное искусство, а значит и рисунок, приняло как бы прикладной характер. Поэтому при обучении рисованию преобладало копирование образцов, повторение приемов работы древних греков.
Средневековое изобразительное искусство отвергало реалистические тенденции, если они не отвечали религиозному сюжету. Рисунок был направлен не на точность передачи натуры, а на её эмоциональное, духовное состояние.
Все разновидности технических приемов рисунка, дошедшие до нашего времени в основном сложились в эпоху Возрождения в Италии. Уже тогда в рисунке применялись свинцовые, серебряные и другие металлические грифели (штифты), графит, итальянский карандаш, сангина, уголь, мел, пастель, а также акварель и белила. Рисовали гусиными и тростниковыми перьями, кистями на белой бумаге и бумаге разнообразных цветов, тонированной и грунтованной. Всё это привело к исключительному богатству художественных и технических приёмов.
Техника рисунка, сложившаяся в эпоху Возрождения, оказала сильнейшее влияние на последующие поколения художников и стала основой для многих художественных школ, которые выработали свои технические и художественные приемы работы теми же материалами.
Строгую, линейную манеру рисунка вырабатывали художники Возрождения, принадлежавшие к флорентийской и римской школам: А. Матеньи, Леонардо да Винчи, Микеланджело. Венецианские художники, напротив, рисовали в свободной манере, например Тициан, Паоло Веронезе, Якопо Тинторетто предпочитали использовать легкий живописный штрих и пятно.
Великими мастерами линейного рисунка, выполненного серебряным штифтом, были Ян ван Эйк, Альбрехт Дюрер, Рафаэль и другие. Художником, блестяще владеющим графитным карандашом, в первой половине XIX века был французкий художник Жан Огюст Доминик Энгр.
Русская школа XVIII и XIX веков также внесла много нового в технику рисунка. Виртуозно владели рисунком Орест Кипренский, Карл Брюллов и ряд других учеников Академии художеств. Они любили выполнять работы на слегка желтой или голубой бумаге с использованием её тона, что избавляло рисунок от излишней перегруженности листа. Даже учебные рисунки этих художников украшают в настоящее время крупные музеи изобразительного искусства.
Орест Кипренский в рисунке «Натурщик с красным плащом», благодаря использованию итальянского карандаша, сангины и мела, добивается обилия полутонов и живописного впечатления.
В рисунке Карла Брюллова «Портрет Полины Виардо», выполненном графитным карандашом, сделана тончайшая моделировка объёма средствами светотени. Хорошо передано сходство с моделью, неповторимое движение знаменитой певицы того времени.
В известном рисунке «Группа из двух натурщиков» Карл Брюллов использовал сложное сочетание материалов: сангины, пастели, угля и мела. Этим он добился богатства тоновых оттенков и цветовых нюансов.
Многочисленные рисунки Брюллова, выполненные акварелью, производят впечатление законченных картин, например поражающая своим мастерством «Турчанка».
Рисунки русских мастеров Антона Павловича Лосенко, Александра Андреевича Иванова, Ильи Ефимовича Репина и многих других дают прекрасные примеры различных приёмов использования материала.
Великий живописец Александр Андреевич Иванов обогатил возможности акварели, заставил её звучать с новой выразительной силой.
Поражают особой одухотворенностью акварельные рисунки Иванова к библейским и евангельским сюжетам, выполненные с помощью белил на бумаге приятного теплого тона.
Эти листы — многофигурные, сложные композиции, раскрывающие человеческие характеры. Художник добивается необыкновенной гармонии цветовых сочетаний.
Илья Репин любил выполнять остропсихологические рисунки графитным карандашом и использовать в них растушку. Из рисунков углём на холсте интересен «Портрет Элеоноры Дузе». Репин применил в нем разнообразные технические приёмы: то уголь кладётся плашмя, особенно при изображении одежды и фона, и слегка растирается, то работа ведётся свободным, широким штрихом. Репин очень умело передаёт фактуру платья, кресла, волос с помощью угля и шероховатой поверхности холста.
Русские художники второй половины XIX века развили и широко использовали в своем искусстве технику соуса как сухого, так и мокрого, когда он разводится водой, подобно акварели.
Иван Крамской выполнил этюд женской головы к картине «Неутешное горе» в свободной манере, с использованием штриха, в технике сухого соуса.
Рисунки Валентина Серова, Бориса Кустодиева, Виктора Борисова-Мусатова, Михаила Врубеля представляют собой образцы мастерского сочетания разнообразных рисовальных материалов в одном листе.
Валентин Серов, работая над «Портретом О. К. Орловой», применил уголь, сангину и цветные карандаши. Получился рисунок, близкий к живописному изображению. Серов использовал почти все употреблявшиеся в его время художественные материалы, извлекая из них максимальные возможности, необходимые для создания произведения. Ему удалось добиваться простоты и общей гармонии тона, несмотря на сложную технику исполнения. Обладавший высоким мастерством, виртуозной техникой и тонким вкусом, Серов создал немало великолепных рисунков.
Особую манеру наложения штрихов Михаилом Врубелем невозможно спутать с почерком другого художника. Чтобы он не изображал — розу в стакане, пейзаж, ребёнка в кроватке, нервные, угловатые, перекрещивающиеся врубелевские штрихи безошибочно узнаются.
Пером, как инструментом рисования, охотно пользовались великие мастера всех поколений — Леонардо да Винчи, Микеланджело, Тициан, Дюрер, Рембранд, Доре, Илья Репин, Валентин Серов, Михаил Врубель и многие другие. Они оставили нам неповторимые и бесконечно разнообразные перовые рисунки. Обычно рисовали чернилами, тушью, сепией (краской коричневого цвета) на гладкой плотной белой или тонированной бумаге. Часто сочетали технику работы пером и кистью. Приёмы перового рисунка разнообразны, их создавали выдающиеся мастера западноевропейского и русского искусства. Рисунок пером требует от художника точности и уверенности, так как почти невозможно внести исправления.
Пастель и акварель используют и для рисунка, и для живописи. Всё зависит от того, что больше предпочитает художник — линию или пятно, многоцветие или монохромность. Большое количество рисунков кистью, особенно портретов, оставили нам такие мастера, как Карл Брюллов, Илья Репин, Иван Крамской, Валентин Серов, Михаил Врубель и многие другие.
Богатый материал для изучения техники рисунка мировой и русской школ находится в крупнейших художественных музеях.
Художники XX и XXI века продолжают развивать традиции русской школы — реалистического рисунка и создают много нового в области свободного, островыразительного, экспрессивного, нарушающего традиционные нормы рисунка авангардных направлений.
На нашем сайте «Шедевры Омска» Вы сможете познакомится с творчеством Омских художников-графиков в разделе графика.
Вопросы по теме:
- Расскажите об истории развития рисунка у разных народов.
- Перечислите художественные материалы, применяемые для рисунка.
- Назовите имена выдающихся художников русской и зарубежной школ рисунка.
Н. М. Сокольникова «Основы рисунка»
shedevrs.ru
История рисунка — математика и искусство
ВИДЫ РИСУНКА
В основе всех видов изобразительного искусства, в том числе и графики, лежит рисунок. Слово «рисунок» пришло на смену старославянским словам «знамя», «знамение», означавшим «создание образа», и «чертеж», «начертание», указывавшим на технику выполнения изображения. С XVIII века слово «рисунок» стало термином, обозначающим изображение как создание образа с помощью линий, черт, важных для узнавания признаков предмета: формы, размера, строения, движения, которые передаются во всех видах искусства.
Простота приемов рисования линий и универсальность принципов построения формы сделали рисунок основой графики и других видов искусства. При сравнении рисунка, например, с чертежом становятся очевидными его замечательные особенности. Во-первых, рисунок выполняют от руки. Это ускоряет выполнение изображения и, следовательно, дает возможность быстро откликаться на различные события текущей жизни. Во-вторых, рисунок делают на глаз, запечатлевая предмет не только как он есть, но и как кажется. Этот зримый образ понятен и доступен всем. В-третьих, рисунок нагляден; он иллюзорно передает основные внешние признаки предмета, его материальность, объем, ос-вещенность, пространственное расположение и пр. В-четвертых, рисунок не только изображает многообразные внешние признаки предмета и среды, но через их отношения выражает внутреннее содержание этого предмета и среды и вызывает у зрителя определенные мысли и чувства.
Для более полноте) изучения особенностей рисунка условно выделяют несколько видов, отличающихся по изобразительным, материально-техническим средствам и по назначению.
По использованию изобразительных средств рисунки бывают линейными и тоновыми. Линейный рисунок бывает, как правило, светлым, легким, обобщенным. Линиями создается худог жественный образ, выполняются таблицы, схемы, рисунки на классной доске .
Рисунки тоном дают более полную характеристику предмета и среды Передачей объемности, освещенности, материальности и пространственных отношений. Такие рисунки называют светотеневыми и тоновыми или тональными.
В массе и контуре некоторых предметов очень ярко выражается характер, движение и другие свойства. Поэтому для их изображения избирают иногда простейший вид тонового рисунка — силуэт — контурный рисунок, заполненный одним ровным тоном.
По технике выполнения рисунки бывают оригинальные и печатные. Оригинальные рисунки выполняются художником от руки в одном экземпляре. Печатные делают с клише оттиском на бумаге и называют эстампами. Существует не-сколько разновидностей эстампа. Основными считают гравюру (на дереве — ксилография, на линолеуме , — линогравюра, на металле — офорт) и литографию (оттиск с литографского камня, на котором сделан рисунок литографским карандашом и травлением кислотами).
По целевому назначению различают академические рисунки и творческие.
Академический рисунок — это длительный рисунок, выполняемый с целью обучения рисованию, освоению приемов изображения и изучения различных форм и признаков. Ему свойственна фиксация всех главных черт, определяющих внешний облик предмета изображения.
Творческий рисунок — это произведение изобразительного искусства, образно выражающее мысли, чувства и миропонимание художника.
В учебной и творческой работе широко применяют набросок, этюд, эскиз.
Наброском называют краткосрочный рисунок. Основным средством выполнения наброска служит линия, дополняемая редкой штриховкой или ее растиркой. Подробное изучение предмета изображения или его части осуществляется через этюд. В нем прослеживаются и отмечаются в течение сравнительно длительного времени важнейшие внешние и внутренние свойства и признаки объекта.
Изученный в этюдах и набросках живой материал действительности используется для создания творческого рисунка или картины, сочинение которых начинается с предварительного рисунка — эскиза.
matematikaiskusstvo.ru