Рококо основные представители: суть рококо, история рокайльной эпохи в живописи, характерные особенности. Примеры картин ярких представителей рококо — Франсуа Буше, Жан-Марка Натье, Николя Ланкре, Жана-Оноре Фрагонара

Содержание

древнерусская архитектура, барокко, рококо, классицизм, авангард.

Эльдар Рязанов в картине «Ирония судьбы, или С легким паром!» несколько преувеличил то, насколько российские улицы похожи друг на друга. Однако здания одних и тех же архитектурных направлений есть во многих российских городах. «Культура.РФ» составила краткий путеводитель по основным стилям, которые можно увидеть практически в любом городе нашей страны.

Древнерусская крестово-купольная архитектура

Софийский собор, Великий Новгород. Фотография: Зазелина Марина / фотобанк «Лори»

Храм Покрова на Нерли, Владимир. Фотография: Яков Филимонов / фотобанк «Лори»

Гражданских памятников XI–XVII веков сохранилось крайне мало, однако церкви этого периода можно увидеть в городах старше 400 лет. Как правило, это прямоугольные здания, стены которых ориентированы по сторонам света. Венчают церкви купола, количество которых может варьироваться, наиболее часто встречаются одно-, пяти-, девяти- и тринадцатиглавые храмы. Например, Софийский собор в Великом Новгороде — пятикупольный, а храм Покрова на Нерли венчает один купол. Но сколько бы ни было у храма куполов, всегда есть один главный: он приподнят на специальном основании — барабане.


Древнерусская шатровая архитектура

Церковь Вознесения, Коломенское. Фотография: panoramio.com

Шатровая колокольня, Кижи. Фотография: streamphoto.ru

В XVI веке на смену куполам пришло чисто русское изобретение, не имеющее аналогов в церковной архитектуре других стран: шатер — завершение храма в виде многогранной пирамиды, а не купола. Вероятно, появление шатрового зодчества связано с техническими сложностями: многие церкви на Руси строили из дерева, а сделать купол из этого материала непросто. Позже эта архитектурная особенность распространилась и на каменное строительство. Чтобы представить себе шатровый храм, достаточно вспомнить церковь Вознесения в Коломенском и шатровую колокольню в Кижах.


Барокко

Зимний Дворец, Санкт-Петербург. Фотография: Vitas / фотобанк «Лори»

Церковь Знамения, Дубровицы. Фотография: gooper.ru

Этот архитектурный стиль пришел в Россию в самом конце XVII века. Первые постройки появились в Москве, потом барочными зданиями активно застраивался Петербург. Стиль барокко определить просто: его главные особенности — сложные формы и обилие украшений. Собственно, сам термин «барокко» в переводе с итальянского означает «причудливый, странный». Среди примеров — Зимний дворец в Петербурге и церковь Знамения в Дубровицах в Подмосковье.


Рококо

Китайский дворец, Санкт-Петербург. Фотография: Литвяк Игорь / фотобанк «Лори»

Катальная горка, Санкт-Петербург. Фотография: Литвяк Игорь / фотобанк «Лори»

В целом популярный во второй половине XVIII века стиль рококо имеет много общего с барокко. Главные отличия кроются в деталях. Здания в стиле рококо обильно украшены скульптурным декором — вазами и цветочными гирляндами, масками или просто милыми завитками. Подобных построек в России сохранилось немного. К ним относятся Китайский дворец и павильон «Катальная горка» в Ораниенбауме.

Русское рококо


Классицизм

Таврический дворец, Санкт-Петербург. Фотография: Екатерина Овсянникова / фотобанк «Лори»

Большой театр, Москва. Фотография: Геннадий Соловьев / фотобанк «Лори»

Здания в стиле классицизм можно найти во многих российских городах. Это архитектурное направление было распространено в конце XVIII — первой половине XIX века. В классическом стиле строили дворцы и усадьбы, театры и даже склады. Ключевая деталь, по которой можно без труда опознать памятник эпохи классицизма, — это колонна. Точнее, много колонн. Также здания в этом стиле отличаются сдержанностью, симметричностью и лаконичным декором. Таковы, например, Таврический дворец в Петербурге и Большой театр в Москве.

Русский классицизм

Читайте также:

Историзм

Храм Христа Спасителя, Москва. Фотография: strinplus.ru

Усадьба Царицыно, Москва. Фотография: Юрий Губин / фотобанк «Лори»

Постройки в этом архитектурном стиле, появившемся в середине XIX века, наиболее разнообразны. Главная особенность историзма — обращение архитектора к наследию прошлого. Прошлое могло быть, например, византийским — тогда появлялись здания в неорусском стиле, как храм Христа Спасителя. Могло быть готическим — так была возведена усадьба Царицыно в Москве. А могло быть осмыслением наследия эпохи ренессанс — как Московский и Ленинградский вокзалы. Ключевые внешние особенности историзма сформулировать достаточно сложно: постройки этого стиля непохожи. Если вы видите здание, которое «хочет казаться старше, чем есть на самом деле» — вероятно, это памятник историзма.


Модерн

Дом компании «Зингер», Санкт-Петербург. Фотография: spb-guide.ru

Гостиница «Метрополь», Москва. Фотография: liveinmsk.ru

Здания в архитектурном стиле модерн появились в конце XIX — начале XX века. Обилие стекла и железа, использование мозаики и росписи на фасадах, необычные изогнутые линии и асимметрия — все это приметы модерна. Дом компании «Зингер» в Петербурге или гостиница «Метрополь» в Москве — наиболее характерные здания в этом стиле.


Авангард

Дом культуры имени Русакова, Москва. Фотография: Bala-Kate / фотобанк «Лори»

Универмаг Мосторг на Красной Пресне. Фотография: Дмитрий Данилкин / фотобанк «Лори»

В 1920-е в Советском государстве появился такой же революционный, как и новая власть, архитектурный стиль. Простые конструкции и отсутствие декора, стекло и бетон — такими строили авангардные здания. Для архитекторов-авангардистов была важна функциональность постройки, а не ее эстетическая ценность. Неудивительно, что у стиля, помимо сторонников, были и ярые противники, называвшие авангардные здания «бетонными опухолями» на теле Москвы. Так, например, современники оценили мельниковский Дом культуры имени Русакова. Универмаг Мосторг на Красной Пресне — другой известный пример авангарда — встретили спокойнее.


Сталинская неоклассика

Центральный академический театр российской армии, Москва. Фотография: Алёшина Оксана / фотобанк «Лори»

Главное здание МГУ на Воробьевых горах, Москва. Фотография: Денис Ларкин / фотобанк «Лори»

В сталинское время архитекторы стали вновь обращаться к классическому наследию, хотя и в несколько ином смысле. Здания 1930–40-х годов были величественными и помпезными — с колоннами и лепниной, настенными росписями и обилием декора с советской символикой. В моду вновь вошли колонны. Одним из интересных осмыслений стиля классицизм в сталинское время стали Центральный академический театр Российской армии в форме пятиконечной звезды и Главное здание МГУ на Воробьевых горах.


Типовая архитектура хрущевского и брежневского времени

Типовая архитектура времен Хрущева. Фотография: kp.ru

Типовая архитектура времен Брежнева. Бизнес-центр «Смоленский», г. Санкт-Петербург. Фотография: mhi-russia.ru

Вместе с эпохой Сталина закончилась и эпоха «архитектурных излишеств» и монументализма. Одинаковые невыразительные здания по типовым проектам можно встретить как в жилой застройке того времени, так и в общественной архитектуре — такими стали кинотеатры, школы, больницы. В спальном районе любого российского города так называемые хрущевки, скорее всего, будут основой местного пейзажа.

Автор: Лидия Утёмова

Рококо. Основные черты — презентация онлайн

1. РОКОКО

«Рококо-это не только стиль искусства, но и стиль жизни»
Эрматингер
РОКОКО
Презентацию подготовили
студенты 1 курса РиСО :
Балясникова Ирина,
Удиванкина Анна,
Свистунова Валерия,
Прошина Дарья,
Бочкарева Валерия

2. «…устаревший, старомодный»

• Рококо — стиль в архитектуре и искусстве XVIII
века, возникший во Франции и отличающийся
изысканной сложностью форм и причудливым
орнаментом. Но самостоятельным стилем
рококо вряд ли можно назвать – скорее, это
своеобразный вариант позднего барокко.
• Парадное великолепие барокко стало утомлять
аристократов. Появилась тяга к камерности и
личному комфорту.

5. Временные границы стиля

• Во Франции Рококо, как развивающийся
эпохальный стиль,существует на временном
отрезке с 1680 по 1750-е года, причем основной
его расцвет приходится на 1730-е годы.
• В интернациональном же Рококо и, прежде всего
в Германии и Австрии, а вслед за ними — в странах
Восточной Европы и России, расцвет стиля
приходится на 1740-50-е годы, и здесь отсутствует
столь четкая выраженность каждого этапа: черты
Регентства и зрелого рококо вполне могут
сосуществовать вместе, образуя своеобразный
симбиоз.

6. Основные черты

• Писатели рококо открывают в человеке
естественную тягу к наслаждению, снисходительно
относятся к его слабостям, стремятся ставить и
разрешать не «вечные» метафизические вопросы,
но анализировать и отражать нравы и психологию
современного общества, демонстрировать
двойственность человеческой природы, ее
естественно-скандальные аспекты, выражать
компромиссное общественное сознание.

7. Представители Рококо

В Англии стиль рококо не получил в литературе
широкого распространения. В Италии и Германии
наоборот, было много приверженцев данного
стиля, в частности Паоло Антонио Ролли и Пьетро
Метастазио — в Италии, и Ф. Хагедорн, И. Глейм,
И. Н. Гёц — в Германии
Жан-Батист Луве де Кувре — французский
писатель.
• Наиболее распространёнными для стиля
формами были застольные песни, игривые
послания, мадригалы, сонеты и эпиграммы
• Лирика рококо гораздо легче высокопарной
поэзии классицизма, в связи с чем получает
название «лёгкая поэзия».
• (лирика Эвариста Парни, маркиза де Лафара и
др.)
Эварист
Дезире
де Форж
Парни
Пьер
Карле де
Мариво
Лувре де
Кувре

10. Основные произведения

• «Арлекин,воспитанный любовью» (1723)
Пьер Карле де Шамблен де Мариво
• «Жизнь Марианны или приключения графини
де ***» (1731 – 1741) Мариво
• «Купанье Зелиды» маркиз де Пезаи
• «Четыре часа туалета дамы» аббата де Фавра
• Луве де Кувре «Любовные похождения шевалье де
Фоблаза»

Барокко, классицизм, рококо, романтизм и другие направления в архитектуре.

Каждый исторический стиль соответствовал определенному состоянию общества. Барокко, классицизм, рококо – стили, определившие облик европейских городов, сохранившийся в исторических центрах.

Дворец Мафра (порт. Palácio Nacional de Mafra) — самый большой королевский дворец в Португалии. (1717 — 1730 гг.) в стиле зрелого барокко. Архитектор Иоганн Фридрих Людвиг (1670-1752 гг.)

Барокко

Стиль барокко возник на основе новой философии, доминирующей среди высшего света в 16-17 вв.

Нидерландский историк Йохан Хейзинга в книге «Голландская культура семнадцатого столетия» описывает элементы, отражающие культуру и философию барокко: «Великолепие и достоинство, театральность, строгое соблюдение норм …. Безусловное служение церкви и государству было идеалом общества, власть монарха была обожаема и обожествлялась. Церемониальная торжественность доминировала в общественной жизни, и общество воспринимало ее с полной серьезностью…»

Немецкий историк Рихард Алевин писал, что духу барокко отвечает представление о связи движения и пространства: пространство должно соответствовать движению, и вне движения нет пространства в этом стиле.

Барокко и классицизм – стили архитектуры, противоположные друг к другу. Если в классицизме пропорции здания, декор соразмерны человеческим пропорциям, то в архитектуре барокко габариты разных элементов строения могут во много раз превышать человеческий рост, создавая эффект «маленького человечка» и подчеркивая величие сооружения.Порталы, окна, двери будто сделаны для великанов. Декор в барокко стал более крупным.

Известный архитектор итальянского барокко Г. Гварини создавал своими сооружениями у зрителя мифические ощущения. Приемы декора в барокко многократно дублируются. Существовал прием создания групповых пилястр, когда по сторонам пилястры появляются полупилястры, одинарные колонны заменяются парными, фронтон может быть повторен в меньшем масштабе. Колонны коринфского ордера устанавливались на пьедесталы, их собирали в группы, создавали «пучки», отодвигали от стены.

Историки пишут о барокко, что стиль несет некую нервность, излишнюю восторженность из-за большого количества архитектурных элементов. В декоре фасадов присутствуют сложные волнообразные формы, создавая ощущение движения, потока. Высшего выражения барочный принцип в архитектуре достигает в многократном дроблении антаблемента*, что создает изгибающуюся линию карниза вверху здания.

Для барокко характерна как принцип формообразования так называемая «боязнь пустоты». Пространство фасада заполняется обилием деталей, скрывая конструкцию. Популярен принцип пластичности, который обеспечивает свободу перетекания форм, и создает эффект живописности, отсутствие границ архитектурной конструкции, декора. Иногда колонны и стены в зданиях в стиле барокко, в отличие от классицизма, не выглядят как опоры, а кажутся неустойчивой массой. Нередко стена кажется динамичной, например, при наличии чередующихся вогнутых и выпуклых частей фасадов, стен, сходящихся под острым углом.

Барокко в архитектуре затрудняет восприятие зрителя, вызывает напряжение благодаря своей динамичности и перетеканию пространства. Все композиционные приемы призваны усилить форму, создавать ощущение иррациональности, когда фасад не несет информации о функции строения. Архитектура барокко ярче всего была выражена в Италии.

Из зодчих, творивших в стиле барокко в Риме, наиболее известными стали Борромини, Бернини и Кортона. В Венеции оригинальную барочную архитектуру создавал Б. Лонген (церковь Санта Мария делла Салуте (1631- 1682 гг.)).

Фасад церкви Сан Карло у четырех фонтанов.

Фасад в некоторых сооружениях становился декорацией, он был призван поразить зрителя своими масштабами, пропорциями, величием, контрастами. К примеру, фасад церкви Сан Карло (1638- 1667) «у четырех фонтанов» в Риме архитектор Борромини создал как сочетание выпуклых и вогнутых стен и карнизов. Овальный картуш имеет такие большие размеры, что вызывает опасение у зрителя.

Чертеж фасада церкви Сан Карло у четырех фонтанов.

Классицизм, рококо

Следующие стили после барокко – классицизм, рококо стали между собой антагонистами, в то время как рококо многое переняло от барокко.

Рококо утвердился в Европе как культ естественности. В основе мировоззрения рококо лежала философия либертинажа (libertinusn –освобожденный, свободный), которая обозначала свободу от религиозно-церковных норм. Зародился рококо во Франции после смерти короля Людовика ХIV, когда его приемником стал правнук пяти лет.

Регентом был герцог Филипп Орлеанский, имевший славу распутника. Период Регентства (1715-1723 гг.) охарактеризовался приходом нового стиля в архитектуре, популярного до Французской революции. По сравнению с барокко, рококо выглядит, по определению историков, «измельчавшим» стилем. Оно сохраняет театральность, тягу к плавности, причудливости форм.

Барокко, классицизм от рококо отличает наличие явных отличительных признаков у первых и отсутствие явных таковых у последнего. Здания в стиле рококо напоминают барочные, однако, они имеют менее величественные и масштабные формы и размеры. В этом стиле декор не всегда сочетается между собой, формы выбираются, как будто бы, произвольно.

В России этот стиль воплощен в Ориенбауме архитектором

А. Ринальди. Выдающимися памятниками архитектуры рококо являются Дворец Шарлоттенбург, Малый Трианон в Версале, ансамбль в городе Нанси, Сан-Суси в Потсдаме.

Сан-Суси – дворец короля Пруссии Фридриха Великого в Потсдаме, около Берлина.Создан по эскизам короля архитектором Г. Венцеслаусом фон Кнобельсфордом.

За пределами Франции рококо наибольшего расцвета достиг в Германии и Австрии, где включил в себя элементы барокко. Например, церковь Фирценхайлигене (1743-1753 гг.) архитектора Нёймана. Иоганн Валтасар Нёйман (1687-1753) — представитель стиля позднего барокко.

 

В 1897 г. римский папа присвоил ей статус базилики. Базилика четырнадцати святых помощников (Basilika Vierzehnheiligen) , расположена в окрестностях города Бад-Штаффельштайн под Бамбергом.

Церковь – типичный образец среднеевропейской паломнической церкви в стиле рококо с элементами барокко.

Фрагмент фасада церкви Фирценхайлиген.

Сложившись в 20-е гг. 18в., рококо достигло расцвета в 30—40-е годы. Угас стиль рококо с началом Великой Французской революции.

Барокко, классицизм, романтизм — все эти стили порождены определенной философией, мировоззрением просвещенной части общества, связанной с событиями в общественной жизни и изменениями социального строя.

В эпоху развития буржуазии на смену барокко и рококо, потерявших свое влияние в искусстве, пришел классицизм, перенявший античные формы. Приблизительно в то же время появился и романтизм.

Философская сущность обоих направлений была прямо противоположна. Если в классицизме основным был рационализм, объективность, ясность и строгость форм, то в романтизме преобладали эмоции, фантазии, героизация прошлого.

Если апологеты классицизма брали за основу изучение античности, то сторонники романтизма интересовались искусством средневековья, восточной культуры, что расширяло использование разных стилей в едином архитектурном произведении.

Классицизм был унифицированным стилем, а романтизм носил отпечаток творческой мысли и был индивидуален. После увядания барокко классицизм получил широкое развитие во Франции, Германии, Англии и России. В отличие от последовательно захватывающих умы европейцев барокко и классицизма, романтизм развивался параллельно с классическим направлением в искусстве.

Романтизм получает поддержку, прежде всего, в Англии, где всегда оставалась тесной связь со средневековьем. В начале 19 века романтизм в своем неоготическом и неороманском исполнении становится модным и в других странах Европы: здесь в этом стиле украшают дворцовые комплексы, загородные и городские дома.

Расцвет романтизма пришелся на период 1795 -1830 гг. Ярким примером романтизма в архитектуре являются замки Баварии. Например, замок Хоэншвангау (Hohenschwangau, «Высокий лебединый край»). Замок возведен на месте крепости Шванштайн, которая упоминается в исторических хрониках еще до 12 века.

В 1832 принц Максимилиан, будущий Король Максимилиан II Баварский купил руины замка Шванштайн. Через год началась реконструкция замка в неоготическом стиле по проекту Доменико Квадлио Квальо II (Johann Dominicus Quaglio), после его смерти работы заканчивал Мориц фон Швинда (Moritz Ludwig von Schwind), продлившаяся 5 лет, до 1837 года.

Замок Хоэншвангау (Hohenschwangau).

Замок, расположенный на отвесной скале,  Нойшванштайн (Neuschwanstein -«Новая лебединая скала»), созданный  при короле Людвиге II. Замок-крепость имеет островерхие круглые башни, арочные балконы, бойницы. Замок построен в 1869-1886 годах. Основные идеи короля Людвига воплотил придворный архитектор Эдуард Ридель.

umi-cms.ru/TR/umi»>

Замок Нойшванштайн (Neuschwanstein) построен в неоготическом стиле. Бавария. 1869-1886 гг. арх. Эдуард Ридель.

Замок Пьерфон около Компьеня (Compiegne). Этот замок после разрушения в 12 веке был восстановлен в 19 веке Наполеоном III. Реконструкцией средневекового замка руководит Виоле-лё-Дюк (Viollet-le-Duc), затем ему на смену приходит архитектор Ураду. Работы продолжались с 1857 по 1884 гг.

Замок Пьерфон (Pierrefonds).

Замок Пьерфон (Pierrefonds) был разрушен в 12 в., восстановлен в 19 в. При Наполеоне III. Реконструкцией средневекового замка руководит Виоле-лё-Дюк (Viollet-le-Duc), затем ему на смену приходит архитектор Ураду. Работы продолжались с 1857 по 1884 гг. Замок создан в неороманском стиле.

Резиденция российских императоров – дворцово-парковый ансамбль «Александрия»

«Александрия» расположена восточнее Нижнего парка, отделена от него каменной стеной с Звериныеми, Никольскими и Морскими воротами, с другой стороны граничит с усадьбой Знаменка. Южная граница Александрии проходит вдоль шоссе Петербург — Ораниенбаум (Ломоносов), а северная по берегу Финского залива.

Комплекс создан с элементами неоготического стиля, отличавшегося от стилей барокко и классицизм романтическим направлением архитектурной мысли. Готика была близка императрице Александре Федоровне, выросшей в Пруссии, где сохранилось много средневековых построек. Основные архитектурные сооружения ансамбля — Коттедж, Капелла, Готическая караульня, Ферма, Адмиральский домик, Нижняя дача (в 1961 г. взорвана из соображений безопасности).

Нижняя дача Александрии в стиле романтический классицизм (в 1961 г. взорвана из соображений безопасности). Не восстановлена.

Коттедж с элементами готического стиля был построен под руководством архитектора Менеласа в конце 1820-х гг. На фасадах здания помещен герб Александрии, как напоминание о рыцарских временах.

Коттедж с элементами готического стиля. Арх. Менелас. Конец 1820-х гг.

При входе в парк в 1827 г. по проекту А. Менеласа был выстроен караульный дом в стиле английской готики, поэтому здание получило название Готическая караулка. В подобном стиле выстроена в 19 в. и другая караулка – на побережье Финского залива. Романтизм парка архитектор А. Менелас подчеркнул зданием «Фермы» (1829-1831гг.), с настоящими коровами и пастухами. «Ферма» представляла собой домик в деревенском английском стиле. Затем здание многократно переделывалось, пока в 1838 — 1839 гг. А. Штакеншнейдером не было превращено в Фермерский дворец императора Александра II и его семьи.

Фасады и интерьеры дворца были отделаны в неоготическом стиле. Фасады здания декорированы эркерами с зубчатыми парапетами, рельефными щитами с гербом Александрии. Восточный фасад оснащен часто поставленными окнами со стрельчатыми переплетами, выступающими террасами и балконами с узорными чугунными перилами с готическим орнаментом. Готическая капелла — домашняя церковь царской семьи, сооруженная в честь Александра Невского.

Проект Капеллы создал берлинский придворный архитектор К. Шинкель. Постройку Капеллы в 1831 — 1834 годах вели архитекторы А. Менелаc и И. Шарлемань. По углам Капеллы стоят 20-метровые восьмигранные башни со шпилями из чугуна, завершенными золочеными крестами. Стены северного, южного и западного фасада имеют порталы со стрельчатыми арками, окаймленными кружевным орнаментом, Над каждым порталом находится большое круглое окно-розетка для витража, над каждой розеткой — фигура ангела. В стрельчатых окнах церкви вставлены цветные стекла.

Для здания церкви в 1832 году на Александровском литейном заводе отлили из чугуна по моделям М. Соколова около 1000 разнообразных деталей, по моделям В. И. Демут-Малиновского из медных листов были выбиты 43 статуи: фигуры ангелов, апостолов, евангелистов и Богоматери с младенцем.

Готическая капелла в Александрии

Готическая капелла в Александрии. Постройку Капеллы в 1831 — 1834 годах вели архитекторы А. Менелаc и И. Шарлемань.

Барокко, классицизм, романтизм, рококо в современных постройках обязательно должны выглядеть адекватно, сочетаясь с окружающей природой, ландшафтом сада, соседними постройками, чтобы не казаться излишне вычурными, чересчур контрастными. Органичность соединения с окружающим пространством – гарант того, что хозяина такого здания будут считать человеком с хорошим вкусом.

автор: Марина Калабухова

Стиль рококо во французской живописи

МИНИСТЕРСТВО ОБРАЗОВАНИЯ И НАУКИ

РОССИЙСКОЙ ФЕДЕРАЦИИ

ФЕДЕРАЛЬНОЕ ГОСУДАРСТВЕННОЕ БЮДЖЕТНОЕ

УЧРЕЖДЕНИЕ

ВЫСШЕГО ПРОФЕССИОНАЛЬНОГО ОБРАЗОВАНИЯ ПЕНЗЕНСКИЙ ГОСУДАРСТВЕННЫЙ УНИВЕРСИТЕТ

 

Факультет заочного обучения

Кафедра «Коммуникационный менеджмент»

 

 

КУРСОВАЯ РАБОТА

по дисциплине «История искусств»

на тему: «СТИЛЬ РОКОКО ВО ФРАНЦУЗСКОЙ ЖИВОПИСИ »

 

 

Автор:.

Дата         .     Подпись  ______________

Руководитель:.

Дата   __________     Подпись  ______________

Защищена с оценкой _____________________

 

Пенза, 2013г.

СОДЕРЖАНИЕ

 

Введение………………….……………………………………………………………………..3

Глава 1. Век под лозунгом «искусство как наслаждение»……………. 5

Глава 2. Новаторство стиля рококо и его распространение ………………10

Глава 3. Ведущие представители живописи рококо………………………… 20

Заключение………………..……………………………………………………………………33

Список использованной литературы………………..……………………………… 35

Приложения……………………………………………………………… 37

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

ВВЕДЕНИЕ

    Актуальность темы: данная тема была выбрана, поскольку любой стиль, возникавший в ту или иную эпоху, вызывал явный интерес общества во все времена.

Стиль рококо до сегодняшнего дня является, пожалуй, одним из наиболее дискуссионных явлений в искусствознании, оцениваемым крайне неоднозначно. Долгое время вообще ставилось под сомнение рассмотрение рококо в качестве самостоятельного стиля, его определяли либо как  заключительную, «упадочную» фазу барочного искусства, либо как период барочного влияния внутри французского классицизма.  

Рококо – одно из интереснейших стилевых направлений в искусстве, которое следует изучать, так как для времени своего господства он проявил только ему присущие особенности в архитектуре, скульптуре и, конечно же, в живописи. Живопись рококо является наиболее интереснейшей частью художественной культуры. Эта сфера включает в себя идеи, основа которых лежит в прошлом, но неразрывно связана с настоящим. И эта связь является существенным историческим звеном, заложившим основы изучения данного вида искусства.

Объект работы: живопись рококо.

Предмет работы: французское рококо начала 18 века.  

Задачи:

— описать периоды возникновения стиля рококо живописи рококо;

— показать особенности и принципы  живописи в стиле рококо;

— проанализировать семантику определённых  мотивов в изображениях;

— рассмотреть синкретизм всех  сфер стиля рококо;

— ознакомиться с представителями  живописи рококо.

    Методы исследования:

В ходе проводимого исследования  используются следующие методы:

    —   анализ литературы по данной теме;  
    —    изучение    иллюстраций   картин,  архитектурных   памятников,   предметов   интерьера;

    —  сравнение произведений барокко и рококо, принадлежащих к разным видам искусств.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

ГЛАВА 1

Век под лозунгом «искусство как наслаждение»

          XVIII век во Франции знаменуется очевидным обозначением процесса разложения французской абсолютной монархии.  
Смерть в 1715 году «короля – солнца» была просто завершающим событием в том длинном ряду явлений, которые подготовили приход нового века, а с ним и новых веяний в искусстве. 
        Новый век приносит и новый стиль в искусство. Во Франции появление стиля «рококо» ассоциируется с эпохой Людовика XV (1715 – 1755 гг.), с которой он практически совпадает по временным рамкам. Данный период и будем считать хронологическим этапом и рамками, так как именно в эпоху царствования этого короля данный стиль зародился и получил свое развитие. Немалый вклад в развитие стиля рококо внесла и история. Ведь в это время многое меняется: король перестает быть главным заказчиком произведений искусства, а двор – единственным коллекционером.

        Для более полного восприятия индивидуальности и особенностей стиля рококо, необходимо рассмотреть исторический период его зарождения и развития, так как особенности каждой эпохи накладывают свой отпечаток и на искусство.

    Смерть Людовика XIV — самого блистательного представителя абсолютной монархии, который более других государей принимал непосредственное участие во всей художественной жизни великой нации, воспринимается всеми как падение досадного препятствия, как наступившее, наконец, начало нового века.  
«Король так долго царствовавший умер», — без всякой тени удивления и сострадания пишет своему другу один из героев «Персидских писем» Монтескье. Именно так, равнодушно и почти пренебрежительно, встретила вся Франция первого сентября 1715 года – день смерти Людовика XIV. Престарелый «Король – солнце» пережил самого себя. Он оставил своему правнуку нищую страну, истощенную войнами и налогами. Помпезно и педантично построенное им здание абсолютизма уже давало угрожающие трещины, — никто не сомневался, что Франция стоит на пороге неизбежных перемен.

   Смерть столь блистательного монарха дала мощный толчок к перевороту во всех сферах жизни Франции, который с того времени начинает сказываться в дикой разнузданности и в полном изменении нравов внутри государства и общества, находит отражение и в искусстве, приводя к новому направлению, которое вначале, во время регентства за несовершеннолетнего наследника, принимает своеобразный отпечаток (стиль Регентства), но уже через десятилетие перерабатывается в стиль Людовика XV. Стиль Регентства мы помянем лишь как менее выраженный переходный стиль. 

  Стремления, которым следовали мастера эпохи Регентства, достигают своей полной зрелости в 1725 году, и с этого момента начинается во Франции стиль Людовика XV, стиль рококо в собственном смысле. Во Франции стиль рококо развивался ярче и последовательнее, чем где либо.

  Рококо складывается как стиль в результате смешения и синтеза новых эстетических тенденций, новых вкусов, которые постепенно кристаллизовались в качестве нового стиля, подчиняющем себе все французское искусство, и в последующие десятилетия бурно развивается, достигая высшего подъема в середине столетия. Но стоит вспомнить и о том стиле, который предшествовал стилю рококо. Этим стилем был барокко.  
Нужно особо отметить, что рококо и барокко довольно — таки похожи и имеют огромное количество сходств, как в истории происхождения, так и в характере орнамента и стиля.

 В эпоху барокко произведения искусства активно стремятся соединиться с другими, т. е. мастер эпохи барокко мыслит и как скульптор, и как архитектор, и как декоратор одновременно.  
В изобразительном искусстве барокко преобладают виртуозные декоративные композиции религиозного, мифологического или аллегорического характера, парадные портреты, подчёркивающие привилегированность общественного положения человека. Идеализация образов сочетается в них с бурной динамикой, неожиданными композиционными и оптическими эффектами, реальность — с фантазией, религиозная аффектация — с подчёркнутой чувственностью, а нередко и с острой натуральностью и материальностью форм, граничащей с иллюзорностью.  
Кроме вышеперечисленных особенностей типичными также являются:

1. Усиление религиозной тематики, особенно тем, связанных с мученичеством, чудесами, видениями;

2. Повышенная эмоциональность;

3. Большое значение иррациональных эффектов, элементов;

4. Яркая контрастность, эмоциональность  образов;

5. Тяготение к обобщающим и связывающим формам: поиск единства в противоречиях жизни — в архитектуре – овал в линии здания, архитектурные ансамбли; скульптура подчинена общему декоративному оформлению; в живописи — отказ от прямолинейной перспективы, подчеркивание «бесконечности» пространства; в музыке — создание циклических форм (соната, концерт), многочастных произведений (опера).

        6. Сложность и избыточность, излишество (в частности, композиционных решений в архитектуре, музыке).

     В отличие от других католических стран, во Франции барокко ярче всего выразило себя на службе монархии, а не церкви. Людовик XIV понимал важность искусства как средства прославления королевской власти. Его советником в этой области был Шарль Лебрен, который руководил художниками и декораторами, работавшими во дворце Людовика в Версале. 

     Стоит отметить и то, что во всех видах искусств барокко слилось с более легковесным стилем рококо. Это слияние было весьма плодотворным в Центральной Европе, особенно во Франции.

    Подобно тому, как барокко часто называют последней стадией Возрождения, рококо нередко считают заключительным этапом барокко — длительным периодом восхитительных, но все же упаднических сумерек, прерванным эпохой Просвещения и неоклассицизмом. Во Франции рококо ассоциируется с эпохой Людовика XV (1715—1765), с которой оно почти совпадает хронологически. Однако, его не следует отождествлять с абсолютистским государством или с Церковью в большей степени, чем барокко,— даже при том, что они продолжали быть основными покровителями искусств. Более того, основные характеристики стиля рококо сложились до рождения короля — его первые признаки появились на пятьдесят лет раньше, во время длительного переходного периода, составлявшего позднее барокко.

    Действительно, Рококо хронологически следует за Барокко. Но и внутренняя суть, и внешние проявления этих стилей различны. 

    На смену силе эмоций, накалу страстей, помпезности и величественности Барокко пришел изящный и камерный стиль дамских будуаров и аристократических гостиных – Рококо. Стиль людей, ценящих утонченность обстановки, повседневные радости жизни и удобство быта. Идейная и эмоциональная основа Рококо – индивидуализм и гедонизм. Ж. Л. Давид называл его «эротическим маньеризмом». Девизом эпохи Рококо можно считать ценность «счастливого мига», для мироощущения человека этой эпохи была характерна любовь к жизни, умение наслаждаться её радостями, вкус к красивым вещам и новизне форм и в то же время настроения пессимизма, тоски, предчувствие конца. Современники называли Рококо «королевским стилем», он сформировался во время правления короля Людовика XV, достиг своего расцвета и, затем, его сменил художественный антипод — строгий, гармоничный и рациональный неоклассицизм. 

Рококо получил свое название от характерного для данного стиля орнамента рокайль.

Рокайль (от фр. rok – скала, утес) — главный элемент орнамента стиля рококо, напоминающий форму завитка раковины (см. Приложение 1).  Появился во Франции в начале XVIII века, при украшении парковых павильонов – гротов деталями, имитирующими природные элементы – морские раковины, причудливые растения, камни, обломки скал. Этим объясняется происхождение название “рокайль”. Впоследствии этот термин стал обозначать все изгибающиеся, вычурные, необычные формы, напоминающие раковину, неровную жемчужину, камень. 
В ходе своего развития данный стиль получил свое отражение не только в живописи, но и в других видах искусства, таких как архитектура, скульптура, оформление интерьера, даже в литературе и т. д. 

     Заключение по главе:

           Таким  образом, рассмотрев основные этапы  развития стиля рококо с момента  его возникновения во французской  культуре можно сделать заключение, что рококо является целостная стилевая система, основанная на определенных мировоззренческих, эстетических и философских установках, не только не тождественных барокко, но часто прямо ему противоположных.

 

 

Глава 2

Новаторство стиля рококо и его распространение

   Рококо —  стилевое направление в европейском искусстве 1-й половины 18 века.

   Для рококо характерны гедонистические настроения, уход в мир иллюзорной и идиллической театральной игры, пристрастие к идиллически-пасторальной и чувственно-эротической сюжетике. Возникшее во Франции, рококо в области архитектуры сказалось главным образом в характере декора, приобретшего подчеркнуто изящные, утонченно-усложненные формы; распространяясь в зодчестве других стран Европы (постройки Георга Кнобельсдорфа, Бальтазара Нёймана, отчасти Маттеуса Даниеля Пёппельмана), рококо часто выступало как местный вариант позднего барокко.  
        Преимущественно декоративный характер имела богатая тонкими переливами цвета и одновременно несколько блеклая по колориту живопись рококо (картины и росписи Франсуа Буше, Джованни Антонио Гварди, Никола Ланкре, Джованни Пеллегрини, Жана Оноре Фрагонара). Живопись рококо, тесно связанная с интерьером отеля, получила развитие в декоративных и станковых камерных формах. В росписях плафонов, стен, наддверных панно (дессюдепорт), в гобеленах преобладали пейзажи, мифологические и современные галантные темы, рисовавшие интимный быт аристократии, пасторальный жанр (пастушеские сцены), идеализированный портрет, изображающий модель в образе мифологического героя. Образ человека утрачивал самостоятельное значение, фигура превращалась в деталь орнаментального убранства интерьера.  
        Художникам рококо были присущи тонкая культура цвета, умение строить композицию слитными декоративными пятнами, достижение общей легкости, подчеркнутой светлой палитрой, предпочтение блеклых, серебристо-голубоватых, золотистых и розовых оттенков. Одновременно с развитием живописи рококо усиливалась роль реалистического направления; достигли расцвета портрет, натюрморт, бытовой жанр, пейзаж. Одним из основоположников стиля рококо был талантливый живописец Антуан Ватто, давший наиболее совершенное воплощение принципам этого стиля. Эмоциональность и меланхолическая мечтательность придают характерам персонажей картин Ватто особую утонченность. Непосредственными последователями мастера, которые по большей части превратили манеру Ватто в изысканную и поверхностную моду, являлись художники Никола Ланкре, Жан Батист Патер, Кийар и другие живописцы. Крупнейшим мастером собственно рокайльного искусства стал ученик художника исторического жанра Лемуана Франсуа Буше, мастер занимательных любовных сюжетов, великолепный колорист и рисовальщик. Живопись Буше диктовала законы целой плеяде мастеров (Шарль-Жозеф Натуар, братья Ванлоо, Антуан Куапель, отчасти Элизабет Виже-Лебрен, и другие) и это влияние продержалось вплоть до Великой Французской революции 1789 года. Среди значительных мастеров рококо были художники самого разного дарования, обращавшиеся к самым разным жанрам живописи: Франсуа-Гюбер Друэ, Луи Токе, Луи-Мишель Ванлоо, Морис Кантен де Латур, Жан-Марк Наттье, Жан Батист Перроно. Последним крупным живописцем рококо был Жан Оноре Фрагонар, тонкий портретист и пейзажист, как и Ватто, не вписывающийся в рамки просто модного стиля. 
          Скульптура рококо во Франции менее значительна и своеобразна, чем живопись. Большое распространение в искусстве рококо и всего 18 столетия получили портретные бюсты и маленькие скульптурные группы или статуи купальщиц, нимф, амуров, их ставили в парке, украшали ими беседки, салоны, купальни. Крупнейшие скульпторы рококо: Жан Батист Лемуан, Этьен Морис Фальконе, Огюстен Пажу, Клод Мишель Клодион. В скульптуре рококо других европейских стран также преобладали предназначенные для украшения интерьеров рельефы и статуи, небольшие статуэтки, в том числе из терракоты и фарфора (изделия немецкого скульптора, мастера фарфоровой пластики Иоганна Иоахима Кендлера). Прихотливое изящество отделки, частое заимствование экзотических декоративных мотивов китайского искусства, виртуозное выявление выразительных возможностей материала присущи рокайльному декоративно-прикладному искусству.

Выпускница B&D Ляман Абдулгадирова. Ведущий дизайнер-архитектор бюро «IND architects»

404
Ляман Абдулгадирова, выпускница профиля «Архитектурная среда и дизайн», родилась в очень творческой семье. Поэтому она с детства успешно пробовала себя и в моде, и в музыке, и в живописи. Но уже в старших классах школы поняла, что хочет участвовать в разработке дизайн-концепций больших архитектурных объектов, создавать пространства для жизни и отдыха сотен людей.

Главным вдохновителем для нашей героини всегда была и остаётся невероятно талантливая мама. Азербайджанская поэтесса, телеведущая, дизайнер-модельер одежды, преподаватель русского языка и литературы, она была для дочери не только примером для подражания. Благодаря ее многочисленным талантам в семье всегда царила атмосфера неиссякаемого и многогранного творчества. Мама поощряла и развивала в Ляман любые инициативы и умения в области искусства и дизайна. Какое-то время дочь была очарована модой, планировала карьеру в fashion-индустрии, но со временем серьезно поменяла планы.

B&D: Как вы пришли к архитектуре?

«Я поняла, что маминым навыкам я научилась и так, мне же хотелось заниматься тем, что не даст быстрые результаты как фэшн, и будет иметь совсем другой уровень утилитарности» — отмечает дизайнер. Ляман, с детства любившая рисовать, мечтала создавать долгосрочные проекты, «страдать» в процессе их проектирования и получать глобальный результат, полезный для множества пользователей. Поэтому она решила научиться создавать пространство, в котором взаимосвязаны функциональные, технические и эстетические свойства объектов, их художественно-образный смысл.

B&D: Сложно ли было выбирать институт?

«Я влюбилась в атмосферу B&D с первого посещения!» – улыбается выпускница. Для дизайн-образования в сфере архитектуры она просматривала учебные программы множества вузов. Но после разговора с руководителем и куратором профиля «Архитектурная среда и дизайн» Института B&D в современном светлом зале с прозрачными стеклянными аудиториями сомнений не осталось. Собирать свое портфолио к поступлению она начала на подготовительных курсах B&D, где также развивают общую визуальную культуру, учат формировать проектное мышление, владеть основами изобразительного языка.

B&D: Вспоминая годы в B&D, о чем думаете прежде всего?

«О моих преподавателях!» – радостно делится Ляман. Например, любимая ею Татьяна Баталина учила не только «компьютерному проектированию», а на собственном примере – доброжелательности и искренности в общении с людьми. Каждый из наставников B&D передавал нашей выпускнице не только свой личный и профессиональный опыт, а формировал взгляд на жизнь и даже мировоззрение!

«Я благодарю Владислава Владимировича Савинкина за то, что к нам почти каждую неделю приезжали архитекторы из крупных и известных архитектурных бюро. Мы прекрасно понимали, чем будем заниматься после института. Вся информация на курсе была максимально прикладной» – вспоминает наша героиня. Еще более ценным для нее стала учеба со специалистами из других стран! Институт всегда организовывает с иностранными архитекторами и дизайнерами лекции, мастер-классы, коллаборации. Участвуя в зарубежных проектах такого рода, Ляман постоянно развивала свои компетенции, бралась за работу над любыми оригинальными и сложными задачами.

С особенным восхищением она рассказывает о практических занятиях с инженерами из крупнейшего Нидерландского Университета прикладных наук Саксион (Saxion University of Applied Sciences, существует с 1875 г.): «Мы разрабатывали с ними проекты по реновации заброшенных объектов в различных уголках мира, например, в Мексике! Учились в одной команде с девелоперами и соревновались со студентами из других вузов. Каждый год реализовывали большие архитектурные дизайн-проекты самой разной тематики. Было очень интересно! А еще каждый день я благодарю Институт за владение всем необходимым в работе компьютерным софтом!»

B&D: Каким проектом за время учебы гордитесь больше других?

«Это был учебный проект по благоустройству набережной реки Яузы. Для определенного участка я придумала концепцию парка для собак. Опыт таких специализированных площадок очень распространён за рубежом: их много в США, Израиле и других странах. В России таких нет!» Со своим дизайн-концептом специальной среды для выгула больших собак Ляман взяла первое место на конкурсе ландшафтного дизайна, который проходил в Центральном Доме Архитектора.

Все свое свободное время она посвящала учебе, развитию навыков и квалификаций. Работала днем и ночью, училась только на отлично. После окончания Института молодой специалист уже знала, где хочет работать, каким направлением заниматься. Она сама выбрала компанию, в которой хотела расти, и успешно прошла собеседование в одном из крупнейших архитектурных бюро Москвы – «IND Arhitects».

Сейчас Ляман Абдулгадирова – один из ведущих дизайнеров этой компании. Уже четыре года она разрабатывает дизайн-концепты и креативную часть проектов по оформлению интерьеров крупных архитектурных объектов. Готовит проектную и рабочую документацию, чертит схемы по планировкам и электрике, подбирает отделочные материалы, передает 3D-дизайнерам технические задания по визуализации. «Мне очень интересно этим заниматься, придумывать большие истории. Например, браться за зоны отдыха и места общего пользования в крупных офисах и жилых комплексах, проектировать для последних sales-офисы. Отдельная часть моей работы связана с этапами согласования проекта, я часто выезжаю на встречи с заказчиками».

Интерьеры Ляман всегда создают удивительную внутреннюю атмосферу, гармонично разграничивают и балансируют в помещениях зоны для отдыха, общения и работы. В них много света и свободного пространства. Она предпочитает выбирать материалы со сдержанной палитрой спокойных тонов, аккуратно расставляя необходимые цветовые акценты. Талантливо совмещает в отделке натуральное дерево, футуристичное освещение, конструкции в стиле loft. Ляман умеет создавать и уютные релакс-пространства, и наполненные энергией локации для эффективных деловых переговоров.

Бюро IND Arhitects быстро развивается. За последние годы штат увеличился почти втрое, выросли в несколько раз заработная плата Ляман, масштаб и сложность выполняемых ею проектов. У нашей выпускницы накопился великолепный опыт делового общения с заказчиками бюро, поэтому мы приглашаем Ляман поделиться им на конференции выпускников, запланированной в апреле этого года. Она расскажет студентам B&D о том, как «слышать» клиента и правильно вести переговоры с ним, грамотно презентовать визуальную часть проекта, конструктивно отстаивать свой авторский стиль и многое другое.

Институт научил Ляман самому главному: учиться всегда и везде. Выстраивать профессиональные коммуникации с коллегами и партнерами, любить дело, которым занимаешься и достойно зарабатывать.

Больше интервью читайте на странице о выпускниках B&D.

Стили и направления живописи

Существует огромное разнообразие стилей и направлений в изобразительном искусстве. Часто они не имеют четко выраженных границ и плавно переходят из одного в другой, находясь в непрерывном развитии, смешении и противодействии. В рамках одного исторического художественного стиля всегда зарождается новый, а тот, в свою очередь, переходит в следующий и т. д. Многие стили сосуществуют одновременно и поэтому «чистых стилей» вообще не бывает. У нас вы можете заказать портрет по фотографии на холсте.

Абстракционизм

(произошло от лат. abstractio – удаление, отвлечение) – направление искусства, отказавшееся от приближенного к действительности изображения форм в живописи и скульптуре. Одна из целей абстракционизма – достижение гармонии, создание определённых цветовых сочетаний и геометрических форм, чтобы вызвать у созерцателя разнообразные ассоциации. Главными представителями абстракционизма были: Василий Кандинский (1866-1944), Пабло Пикассо (1881-1973).

Авангардизм

(произошло от фр. avant-garde – передовой отряд) – совокупность экспериментальных, модернистских, подчеркнуто необычных, поисковых начинаний в искусстве 20 века. Авангардными направлениями являются: фовизм, кубизм, футуризм, экспрессионизм, абстракционизм, сюрреализм, акционизм, поп-арт, концептуальное искусство.

Академизм

(от фр. academisme) – направление в европейской живописи XVI-XIX веков. Основывалось на догматическом следовании внешним формам классического искусства. Последователи характеризовали этот стиль как рассуждение над формой искусства древнего античного мира и эпохи Возрождения. Академизм восполнял в себе традиции античного искусства, в которых идеализирован образ натуры, компенсируя при этом норму красоты. В этом стиле писали Аннибале, Агостино и Лодовико Карраччи.

Акционизм

(от англ. action art – искусство действия) – хэппенинг, перформанс, эвент, искусство процесса, искусство демонстрации и ряд других форм возникших в авангардистском искусстве 1960-х годов. В соответствии с идеологией акционизма художник должен заниматься организацией событий, процессов. Акционизм стремится стереть грань между искусством и действительностью. Наиболее известный представитель акционизма – Джексон Поллок.

Алла прима

(аля прим) (произошло от итал. alla prima – в первый момент) – разновидность техники масляной живописи, предусматривающая выполнение картины (или её фрагмента) за один сеанс, без предварительных прописок и подмалевка.

Ампир

(произошло от франц. empire – империя) – стиль в архитектуре и декоративном искусстве возникший во Франции в начале XIX в., в период Первой Империи Наполеона Бонапарта. Ампир – финал развития классицизма. Для воплощения величества, изысканности, роскоши, мощи и воинской силы Ампиру характерно обращение к античному искусству: древнеегипетским декоративным формам (военные трофеи, крылатые сфинксы…), этрусским вазам, помпейской росписи, греческому и римскому декору, ренессансных фрескам и орнаментам. Главным представителем этого стиля был Ж.Л.Давид (картины “Клятва Горациев” (1784), “Брут” (1789))

Анималистика

(произошло от лат. animal – животное) – жанр изобразительного искусства, в котором основным предметом изображения являются животные.

Аппликация

(произошло от лат. applicatio – прикладывание) – способ создания орнаментов, изображений путём наклеивания на холст разноцветных кусочков какого-либо материала.

Анахронизм

(от греч. ana – обратно и hronos – время), другое название – гиперманьеризм – одно из направлений постмодернизма, предлагающее авторскую интерпретацию искусства прошлого. Анахронизм возник в конце 1970-х гг. в Италии, позднее и во Франции. Мастера анахронизма: Карло Мария Мариани, Омар Галлиани, Луиджи Онтани, Стефано ди Стасио, Убальдо Бартолини, Антонио Аббате, Жан Гаруй.

Андеграунд

(от англ. underground – подполье, подземелье) – ряд художественных направлений в современном искусстве, противопоставляющих себя массовой культуре, мейнстриму. Андеграунд отвергает и нарушает принятые в обществе политические, моральные и этические ориентации и типы поведения, внедряя в повседневность асоциальное поведение. В советский период в силу строгости режима почти всякое неофициальное, т.е. не признанное властями, искусство оказывалось андеграундом.

Арте повера

(от ит. arte povera – бедное искусство) – художественное направление, объединившее художников из Рима, Турина, Милана и Генуи во второй половине XXв. Художники арте повера визуализировали диалог между природой и индустрией, используя промышленные или нехудожественные материалы, хотели освободить творчество от ограничений традиционных форм искусства и художественного пространства, а также играли с политическим измерением индустриальных материалов. Движение стало заметным явлением на международной арт-сцене, находясь в противостоянии и диалоге с минимализмом в Америке, который также использовал индустриальные материалы. С точки зрения художников арте повера, минимализм занимался аспектами формы и не затрагивал поэтические, политические и исторические проблемы, которые были важны для арте повера. Арте повера не было объединением художников, имеющим свой манифест. Это было прежде всего движение, которое при помощи куратора и критика было признано и классифицировано в своей совокупности.

Ар нуво

(от фр. art nouveau, буквально – новое искусство) – распространённое во многих странах (Бельгия, Франция, Англия, США и др.) название стиля модерн. Самый известный художник этого направления живописи: Альфонс Муха.

Арт деко

(от фр. art deco, сокр. от decoratif)- направление в искусстве в середине 20 века, обозначившее синтез авангарда и неоклассицизма, пришло на смену конструктивизму. Отличительные признаки этого направления: усталость, геометрические линии, роскошь, шик, дорогие материалы (слоновая кость, крокодиловая кожа). Самым известным художником этого направления является Тамара де Лемпицка(1898-1980).

Аэрография

Техника живописного письма аэрографом (в переводе воздушная кисть – прибор для тонкого распыления краски сжатым воздухом) по трафарету.

Барокко

(произошло от итал. barocco – странный, причудливый или от порт. perola barroca – жемчужина неправильной формы, существуют и другие предположения о происхождении этого слова) – художественный стиль в искусстве позднего Возрождения. Отличительные признаки этого стиля: преувеличенность размеров, изломанность линий, обилие декоративных подробностей, тяжесть и колоссальность.

Бидермейер

(от нем. biedermeier – простодушный, обывательский) – направление в немецком и австрийском искусстве, распространённое в 1815-1848 годах. Стиль является ответвлением романтизма, пришедшего на смену ампиру, поэтому его иногда называют смесь ампира с романтизмом. В бидермейере формы стиля ампир преобразовывались в духе интимности и домашнего уюта. Для стиля характерно тонкое, тщательное изображение интерьера, природы и бытовых деталей. Представители бидермейера в живописи: Г. Ф. Керстинг, Людвиг Рихтер, Карл Шпицвег, Мориц фон Швинд и Фердинанд Вальдмюллер.

Батальный жанр

(произошло от фр. bataille – битва) – жанр изобразительного искусства, в котором изображаются темы войны: сражения, военные походы.

Бытовой жанр

(жанровая живопись) – жанр изобразительного искусства, в котором изображаются обыденные сцены из повседневной жизни человека без прикрас.

Ванитас

(от лат. vanitas, букв. – «суета, тщеславие») – жанр живописи эпохи барокко, аллегорический натюрморт, композиционным центром которого традиционно является человеческий череп. Подобные картины, ранняя стадия развития натюрморта, предназначались для напоминания о быстротечности жизни, тщетности удовольствий и неизбежности смерти. Наибольшее распространение получил во Фландрии и Нидерландах в XVI и XVII веках, отдельные примеры жанра встречаются во Франции и Испании.

Ведута 

жанр Венецианской живописи 18 века, в котором изображается городской пейзаж в виде панорамы, с соблюдением масштаба и пропорций. Великий представитель этого стиля в живописи – венецианский художник Каналетто (1697-1768). В России родоначальником архитектурной ведуты были живописцыФ.Я.Алексеев, М.Н.Воробьёв, С.Ф.Щедрин.

Веризм

(от итал. il verismo, от слова vero – истинный, правдивый) – реалистическое направление в итальянском изобразительном искусстве конца XIX века. Термин возник в XVII веке, употреблялся в изобразительном искусстве и обозначал реалистическую струю в живописи барокко. Затем термин возрождается во второй половине XIX века, являясь обозначением (весьма неопределёнными расплывчатым) реалистического и натуралистического направления в итальянском искусстве. Самыми известными художниками этого направления являютсяДж. Фаттори, С. Лега, Т. Синьрини, О. Боррани, В. Кабьянка,Дж. Аббати и др.

Возрождение

 или РЕНЕССАНС (от фр. renaissance, итал.rinascimento) – эпоха в истории культуры Европы, пришедшая на смену культуре Средних веков и предшествующая культуре нового времени. Примерные хронологические рамки эпохи – XIV-XVI века. Отличительная черта эпохи возрождения – светский характер культуры и её антропоцентризм (то есть интерес, в первую очередь, к человеку и его деятельности). Появляется интерес к античной культуре, происходит как бы её «возрождение» – так и появился термин. Рисуя картины традиционной религиозной тематики, художники начали использовать новые художественные приёмы: построение объемной композиции, использование пейзажа на заднем плане, что позволило им сделать изображения более реалистичными, оживленными. Это резко отличало их творчество от предыдущей иконографической традиции, изобилующей условностями в изображении. Наиболее известные художники этого периода: Сандро Боттичелли (1447-1515),Леонардо да Винчи (1452-1519), Рафаэль Санти (1483-1520),Микеланджело Буонарроти (1475-1564), Тициан (1477-1576),Антонио Корреджо (1489-1534), Иероним Босх (1450-1516),Альбрехт Дюрер (1471-1528).

Геометрический абстракционизм

вид абстрактного искусства, композиции которого построены из ограниченного набора правильных форм и основных цветов.

Гиперреализм

ФОТОРЕАЛИЗМ, СУПЕРРЕАЛИЗМ – стиль в живописи и скульптуре, основанный на фотореализации объекта. Гиперреализм возник в США в середине 20 века. Главная цель гиперреализма показать действительность.

Городской пейзаж

(архитектурный пейзаж) – жанр изобразительного искусства, в котором основным предметом изображения являются городские улицы, здания.

Готика

(произошло от итал. gotico – непривычный, варварский) – период в развитии средневекового искусства, охватывавший почти все области культуры и развивавшийся на территории Западной, Центральной и отчасти Восточной Европы с XII по XV век. Готика завершила развитие европейского средневекового искусства, возникнув на основе достижений романской культуры, а в эпоху Возрождения искусство средневековья считалось «варварским». Готическое искусство было культовым по назначению и религиозным по тематике. Оно обращалось к высшим божественным силам, вечности, христианскому мировоззрению. Готика в своем развитии подразделяется на Раннюю готику, Период расцвета, Позднюю готику.

Графика

 искусство изображения предметов контурными линиями и штрихами. Иногда в графике допускается применение цветных пятен, но здесь они играют вспомогательную роль.

Гризайль

(произошло от фр. grisaille, от gris – серый) – вид декоративной живописи, выполняемой в разных оттенках какого-либо одного цвета (чаще серого). Гризайль применяется с 17 века, широко распространена в росписях интерьеров классицизма, главным образом как имитация скульптурного рельефа.

Дадаизм

(произошло от фр. dadaisme, dada – деревянная лошадка; в переносном смысле – бессвязный детский лепет) – модернистское литературно-художественное течение 1916-1922 годов, для которого характерны сознательный иррационализм и демонстративный антиэстетизм. Зародился во время Первой мировой войны в Цюрихе (Швейцария), как реакция на последствия войны, жестокость которой, по мнению дадаистов, подчеркнула бессмысленность существования. Рационализм и логика объявлялись одними из главных виновников опустошающих войн и конфликтов. Исходя из этого, дадаисты считали, что современную европейскую культуру необходимо уничтожить через разложение искусства. Самые известные дадаисты: Ханс Арп (1886-1966), Марсель Дюшан (1887-1968),Макс Эрнст (1891-1976), Филипп Супо (1897-1990), Тристан Тцара (1896-1963).

Декоративная живопись

живопись, созданная с целью украшения интерьера или дополнения к дизайну помещения.

Дивизионизм

(от франц. division – разделение), пуантилизм – направление неоимпрессионизма, письмо раздельными четкими мазками в виде точек или мелких квадратов. Смешение цветов с образованием оттенков происходит на этапе восприятия картины зрителем. Самые известные художники, писавшие в этом стиле:Жорж Сёра (1859 – 1891), Поль Синьяк (1863-1935), Анри Матисс (1869-1954), Камиль Писсарро, Люсьен Писсарро, Анри Эдмон Кросс, Шарль Теофил Ангран, Максимилиан Люс, Ипполит Птижан, Жорж Леммен, Тео Ван Риссельберге, Джованни Сегантини, Николай Мещеряков.

Импрессионизм

(от фр. impression – впечатление) – направление в европейской живописи, зародившееся во Франции в середине 19 века. Импрессионисты избегали всяких подробностей в рисунке и пытались уловить общее впечатление от того, что видит глаз в конкретный момент. Этого эффекта они достигали при помощи цвета и фактуры. Самые известные художники этого направления живописи: Мане, Ренуар, Сезанн, Дега, Моне, Писсарро.

Караваджизм

стиль европейской живописи эпохи барокко, появившийся в Риме в конце XVI века. Основоположником этого стиля считается Караваджо. Караваджо оказал огромное влияние на развитие европейской реалистической живописи.
Революция Караваджо в области формы и иконографии живописи явилась результатом радикального изменения отношений между художником и внешним миром. Для караваджизма характерны: демократизм художественных идеалов; интерес к непосредственному воспроизведению натуры; драматизация изображения с помощью контрастов света и тени; стремление передать ощущение осязаемой материальности предметов; крупные планы; монументализация жанровых мотивов; бытовая трактовка религиозных и мифологических сюжетов.

Китч

 кич (от нем. kitsch – безвкусица) – термин, обозначающий одно из наиболее одиозных явлений массовой культуры, синоним псевдоискусства, в котором основное внимание уделяется экстравагантности внешнего облика, крикливости его элементов. По сути, китч – разновидность постмодернизма. Китч – это массовое искусство для избранных. Произведение, принадлежащее к китчу, должно быть сделано на высоком художественном уровне, в нем должен быть увлекательный сюжет, но это не настоящее произведение искусства в высоком смысле, а искусная подделка под него. В китче могут быть глубокие психологические коллизии, но там нет подлинных художественных открытий и откровений.

Классицизм

(произошло от лат. classicus – образцовый) – художественный стиль и эстетическое направление в европейской литературе и искусстве 17 – начала 19 вв., одной из важных черт которых являлось обращение к образам и формам античной литературы и искусства, как идеальному эстетическому эталону. Художественное произведение, с точки зрения классицизма, должно строиться на основании строгих канонов, тем самым, обнаруживая стройность и логичность самого мироздания. Интерес для классицизма представляет только вечное и неизменное. В каждом явлении он стремится распознать только существенные, типологические черты, отбрасывая случайные индивидуальные признаки. Эстетика классицизма придаёт огромное значение общественно-воспитательной функции искусства. Многие правила и каноны классицизм берет из античного искусства.

Клуазонизм

(от фр. cloison – перегородка) – термин, перенесенный в живопись из прикладного искусства. Суть данной системы заключается в том, что все полотно разделяется на несколько плоскостей разного цвета в соответствии с изображаемыми фигурами или предметами. Каждая из этих плоскостей очерчивается причудливо изгибающейся широкой контурной линией, как в  витражах свинцовыми перегородками. Главная роль в клуазонизме отводится чистым контрастным цветам, которые придают живописной плоскости особый декоративный эффект, поднимая линию горизонта и разрушая привычную перспективу натурного пространства. Фигуры уплощаются и становятся похожими на тени. Эта манера письма разработана Эмиль Бернаром и Л.Анкетеном в 1887 г.

Конструктивизм

направление в советском искусстве 20-х гг. ХХ в. Сторонники конструктивизма, выдвинув задачу конструирования окружающей среды, активно направляющей жизненные процессы, стремились осмыслить формообразующие возможности новой техники, ее логичных, целесообразных конструкций, а также эстетические возможности таких материалов, как металл, стекло, дерево. Показной роскоши конструктивисты стремились противопоставить простоту и подчеркнутый утилитаризм новых предметных форм, в чем они видели овеществление демократичности и новых отношений между людьми.

Космизм

(от греч. kosmos – организованный мир, kosma – украшение) – художественно-философское мировоззрение, в основе которого располагается знание о Космосе и представление о человеке как о гражданине Мира, а также о микрокосмосе, подобном Макрокосмосу. Космизм связан с астрономическими знаниями о Вселенной.

Кубизм

(от фр. cubisme, произошло от cube – куб) – модернистское направление в живописи начала ХХ века, которое выдвинуло на первый план формальную задачу конструирования объёмной формы на плоскости, сведя к минимуму изобразительно-познавательные функции искусства. Слово “кубисты” было употреблено в 1908 и 1909 французским критиком Л. Воселем как насмешливое прозвище группы художников, изображавших предметный мир в виде комбинации геометрических тел или фигур. Самый известный художник этого направления живописи: Пабло Пикассо (1881-1973).

Кубофутуризм

направление в искусстве авангарда в начале ХХ века, соединившее в себе наработки итальянских футуристов и французских кубистов.
Самые известные художники кубофутуризма: Казимир Малевич,Давид Бурлюк, Иван Клюин, Александра Экстер, Наталья Гончарова, Надежда Удальцова, Любовь Попова, Ольга Розанова, Иван Пуни.

Лоуброу арт

ПОП-СЮРРЕАЛИЗМ (от англ. lowbrow – малообразованный, непритязательный) – направление в изобразительном искусстве, возникшее в Лос-Анджелесе в конце 1970-х годов. На становление лоуброу арта повлияли панк-музыка, поп-искусство и другие субкультуры. У истоков движения стояли подземные карикатуристы Роберт Уильямс и Гэри Пэнтер, и художники Гэри Байсмэн и Тим Бискуп.)

Лучизм

живописное направление в русском искусстве 1910-х гг. Придумали этот стиль М. Ф. Ларионов и Н.С. Гончарова.
Лучизм это абстрактное искусство, основанное на вмещение световых спектров и светопередачи.

Маньеризм

(от итал. manierismo, от maniera – манера, стиль) – стиль в искусстве, основанный на усвоении манеры какого-нибудь большого мастера или определенной художественной школы.

Метареализм

(произошло от греч. meta – между, после, через и геalis – вещественный, действительный) – реализм многих реальностей, связанных непрерывностью метаболических превращений и перемен состояний. Есть реальность, открытая зрению муравья, и реальность, открытая блужданию электрона, и реальность, свёрнутая в математическую формулу. Метареальный образ, метаморфоза, метабола – способ взаимосвязи всех этих реальностей, утверждение их растущего единства.

Мизерабилизм

(от фр. miserable – несчастный) – направление изобразительного искусства, зародившееся во Франции после 1940-х годов. В рамках данного направления, на первое место выносятся принципы фигуративности, сюжетно-драматическое начало в живописи и графике, с подчеркиванием трагической обреченности, «покинутости» человека в мире. Основоположником мизерабилизма считается Франсис Грюбер.

Минимализм

(произошло от англ. minimal art – минимальное искусство) – художественное течение, исходящее из минимальной трансформации используемых в процессе творчества материалов, простоты и единообразия форм, монохромности, творческого самоограничения художника. Для минимализма характерен отказ от субъективности, репрезентации, иллюзионизма. Отвергая классические приемы и традиционные художественные материалы, минималисты используют промышленные и природные материалы простых геометрических форм и нейтральных цветов (черный, серый), малых объемов, применяют серийные, конвейерные методы индустриального производства. Минимализм возник в США в первой половине 60-х гг. Среди наиболее репрезентативных минималистов: К. Андре, М. Бочнер,У. Де Мариа, Д. Флэвин, С. Ле Витт, Р. Мэнголд, Б. Мэрден, Р. Моррис, Р. Раймэн.

Модерн

(произошло от фр. moderne – новейший, современный) – cтиль в европейском и американском иcкyccтвe нa pyбeжe XIX-XX вeкoв. Модерн переосмысливал и стилизовал черты искусства разных эпox, и выpaбoтaл coбcтвeнныe xyдoжecтвeнныe пpиeмы, ocнoвaнныe нa пpинципax асимметрии, орнаментальности и декоративности. Его отличительными особенностями являются: отказ от прямых линий и углов в пользу более естественных, природных линий. Этим oбъяcняeтcя нe тoлькo интepec к pacтитeльным opнaмeнтaм в пpoизвeдeнияx мoдepнa, нo и caмa иx кoмпoзициoннaя и плacтичecкaя cтpyктypa – oбилиe кpивoлинeйныx oчepтaний, oплывaющиx, нepoвныx кoнтypoв, напоминающих pacтитeльныe фopмы. Художники, писавшие в стиле модерн: Поль Гоген (1848-1903), Густав Климт (1862-1918).

Модернизм

(произошло от итал. modernismo – «современное течение») – общее название направлений искусства и литературы конца 19-20 века: кубизм, дадаизм, сюрреализм, модерн, футуризм, экспрессионизм, абстрактное искусство, функционализм, неоимпрессионизм, постимпрессионизм и т. п.

Натюрморт

(в переводе с фр. – мертвая, неодушевленная натура) – это художественное изображение различных предметов быта. Ими могут быть: посуда, домашняя утварь, фрукты, овощи, цветы, дичь или любое их сочетание. Самые известные школы в написание натюрморта – фламандская и голландская, в которых по-своему решили задачу передачи цвета и композиции.

Наив, наивное искусство

изобразительные виды народного искусства; творчество художников-самоучек; а также самодеятельное искусство.

Натурализм

(произошло от лат. naturalis – природный) – направление в литературе и искусстве последней трети 19 века, стремившееся к объективно точному и бесстрастному воспроизведению наблюдаемой реальности. Считается, что натурализм воспроизводит реальность без ее идейного осмысления, художественного обобщения, критической оценки и отбора.

Неоклассицизм

Де Стиль – термин, обозначающий художественные явления последней трети XIX-XX вв. , которым присуще обращение к традициям античного искусства, искусства эпохи Возрождения или классицизма. Возникновение неоклассицизма обусловлено стремлением противопоставить некие “вечные” эстетические ценности тревожной и противоречивой реальности. Самый известный художник этого направления живописи: Адольф Вильям Бугро (1825-1905)

Неопластицизм

одна из ранних разновидностей абстрактного искусства. Создан к 1917 году нидерландским живописцем П. Мондрианом и др. художниками входившими в объединение “Стиль”. Для неопластицизма характерно, по словам его создателей, стремление к “универсальной гармонии”, выразившееся в строго уравновешенных комбинациях крупных прямоугольных фигур, четко разделенных перпендикулярными линиями черного цвета и окрашенных в локальные цвета основного спектра (с добавлением белого и серого тонов).

Неореализм

Неореализм

художественное направление, получившее развитие в изобразительном искусстве в середине XX века в ряде стран Европы и в США, представители которого на фоне модернистского искусства провозгласили возврат к реалистическим ценностям традиционных изобразительных форм.

Неоэкспрессионизм

направление в современной живописи, которое возникло в конце 1970-х и доминировало на арт-рынке до середины 1980-х. Неоэкспрессионизм возник в Европе как реакция на концептуальное и минималистическое искусство 1970-х. Неоэкспрессионисты вернулись к образности, фигуративности, живой и эмоциональной манере, ярким насыщенным цветам.

Ню

 (произошло от фр. nu – нагой, раздетый) – один из жанров изобразительного искусства, посвященный изображению нагого тела, преимущественно женского. В своём развитии ню тесно связан с изображением обнажённого человеческого тела и воплощает идеал красоты данной страны и эпохи. Ню зарождается в эпоху Возрождения в рамках мифологического, аллегорического, исторического и бытового жанров. Формирование ню как жанра происходит в 17 веке с распространением идей сенсуализма: изображения нагого тела проникаются откровенно чувственным началом.

Оп-Арт

(от англ. ор art, сокращение от optical art – оптическое искусство) – неоавангардистское течение в изобразительном искусстве, одна из поздних модификаций абстрактного искусства. В оп-арте эффекты пространственного перемещения, слияния и “парения” форм достигались введением резких цветовых и тональных контрастов, ритмических повторов, пересечения спиралевидных и решетчатых конфигураций, извивающихся линий.

Орфизм

(от фр. orphisme, от Orpһée – Орфей) – направление во французской живописи 1910-х гг. Название дано в 1912 французским поэтом Аполлинером живописи художника Робер Делоне. Орфизм связан с кубизмом, футуризмом и экспрессионизмом. Основные особенности живописи этого стиля эстетизм, пластичность, ритмичность, изящество силуэтов и линий.
Мастера орфизма: Робер Делоне, Соня Терк-Делоне,Франтишек Купка, Франсис Пикабиа, Владимир Баранов-Россине, Фернан Леже, Морган Рассел.

Парсуна

(искаженное лат. persona – личность, особа) – первоначально синоним современного понятия портрет вне зависимости от стиля, техники изображения, места и времени написания. Понятие парсуна в значении произведения переходного периода от иконописи к светской портретной живописи предложено И.М. Снегирёвым в 1854 году.

Пастораль

(произошло от фр. pastorale, пастушеский, сельский) – жанр поэтизирующий мирную и простую сельскую жизнь.

Примитивизм

стиль живописи, зародившийся в XIX-XX веках. Примитивисты намеренно упрощали картину, делая её формы примитивными, как народное искусство, творчество ребенка или первобытного человека. Основное отличие от наивного искусства: наив – живопись непрофессионалов, а примитивизм – стилизованная живопись профессионалов. Самыми известными художниками этого направления являются Марк Шагал, Нико Пиросмани.

Поп-арт

(произошло от англ. popular art – популярное, общедоступное искусство или от pop – отрывистый звук, лёгкий хлопок) – буквально: искусство, производящее взрывной, шокирующий эффект – неоавангардистское направление в изобразительном искусстве. Поп арт получил распространение со 2-й половины 1950-х гг. в США. Художники этого направления воспроизводят буквально типичные предметы современного быта (вещи домашнего обихода, упаковку товаров, фрагменты интерьеров, детали машин…), популярные печатные изображения известных личностей, вырезки из газет или включают эти предметы и изображения в композиции. Отличительная черта поп-арта – сочетание вызова с безразличием. Все одинаково ценно или бесценно, одинаково красиво или безобразно, одинаково достойно или недостойно. Самые известные художники поп арта: Джаспер Джонс, Роберт Раушенберг и Энди Уорхол.

(произошло от фр. слова portrait) – это художественное изображение человека с передачей его внутреннего мира. Делится на индивидуальный, групповой, парадный, автопортрет.

Постимпрессионизм

(произошло от фр. postimpressionisme, от лат. post – после и импрессионизм) – совокупность направлений, возникших во французском искусстве во второй половине 1980-х годов и пришедших на смену импрессионизму. Началом постимпрессионизма принято считать середину 1880-х, когда состоялась последняя выставка импрессионистов и был опубликован Манифест символизма (1886) поэта Жана Мореаса. Новые течения декларировали неприятие эстетики импрессионизма и реализма. Их объединяла готовность передавать в картинах не сиюминутные, но длительные, сущностные состояния жизни, как материальные, так и духовные. Поиски шли различными путями: это и пуантилизм (Жорж Сёра,Поль Синьяк), и символизм Поля Гогена.

Постмодернизм

(произошло от фр. postmodernisme – после модернизма) – новый художественный стиль, отличающийся от модернизма возвратом к красоте вторичной реальности, повествовательности, обращением к сюжету, мелодии, гармонии вторичных форм. Для постмодернизма характерно заимствование из разных эпох, регионов и субкультур стилей, образных мотивов и художественных приемов.

Прерафаэлитизм

(произошло от англ. pre перед и raphaelitism – Рафаэль) – эстетико-мистическое направление в английской поэзии и живописи во второй половине XIX в, образовавшееся в начале 50-х годов с целью борьбы против условности в английском искусстве викторианской эпохи, против академических традиций и слепого подражания классическим образцам.

Проторенессанс

(произошло (от греч. protos – первый и фр.Renaissance – Возрождение) – переходное направление в итальянском искусстве от эпохи Средневековья к эпохе Возрождения.

Пуантилизм

(дивизионизм) (произошло от фр. pointiller – писать точками) – направление неоимпрессионизма, письмо раздельными четкими мазками в виде точек или мелких квадратов. Смешение цветов с образованием оттенков происходит на этапе восприятия картины зрителем. Самые известные художники, писавшие в этом стиле: Жорж Сёра (1859 – 1891), Поль Синьяк (1863-1935), Анри Матисс (1869-1954).

Пуризм

(от фр. pur – чистый) – направление в живописи и архитектуре XX века, ищущее при создании своих произведений эстетической ясности, точности, подлинности в изображении. Это течение было создано французским художником Амеде Озенфаном и архитектором Ле Корбюзье в 1918 году с написанием ими художественного манифеста «После кубизма». Идеальной пропорцией в пуризме рассматривается золотое сечение и отвергается декоративность и манерность.

Реализм

(произошло от лат. геalis – вещественный, действительный) – направление в искусстве, характеризующееся изображением социальных, психологических и прочих явлений, максимально соответствующим действительности. Самые известные реалисты: Илья Репин, Иван Шишкин, Василий Поленов, Василий Суриков, Исаак Левитан.

Рококо

(происходит от фр. rococo, rocaille) – стиль в искусстве и архитектуре, зародившийся во Франции в начале 18 века. Отличался грациозностью, легкостью, интимно-кокетливым характером. Придя на смену тяжеловесному барокко, рококо явился одновременно и логическим результатом его развития, и его художественным антиподом. Со стилем барокко рококо объединяет стремление к завершённости форм, однако если барокко тяготеет к монументальной торжественности, то рококо предпочитает изящество и лёгкость.

Романтизм

(произошло от фр. romantisme) – идейное и художественное направление в европейской и американской живописи конца 18 – начала 19 веков, выдвигавшее на первый план индивидуальность, наделяя ее идеальными устремлениями. Романтизм выделял главенство воображения и чувств. Его основная социально-идеологическая предпосылка – разочарование в буржуазной цивилизации, в социальном, промышленном, политическом и научном прогрессе. Самые известные живописцы этого жанра: Э. Делакруа, И.К. Айвазовский (1817-1900).

Иппический жанр

(произошло от греч. hippos – лошадь) – жанр изобразительного искусства, в котором главным мотивом является изображение лошади.

Исторический жанр

 жанр изобразительного искусства, посвященный историческим событиям и деятелям, а также социально значимым явлениям в истории общества.

Каприччо

(произошло от итал. capriccio, буквально – каприз, прихоть) – архитектурный пейзаж-фантазия. Самые известные художники писавшие каприччо: Франческо Гварди, Антонио Каналетто.

Марина

МОРСКОЙ ПЕЙЗАЖ  (произошло от фр. marine, итал.marina, от лат. marinus – морской) – жанр изобразительного искусства, изображающий морской вид. Яркий представитель этого жанра – И. К.Айвазовский (1817-1900).

Сентиментализм

(произошло от лат. sentiment – чувство) – направление западного искусства второй половины XVIII., выражающее разочарование в цивилизации, основанной на идеалах разума. Сентиментализм провозглашает чувство, уединенное размышление, простоту сельской жизни “маленького человека”. Идеологом сентиментализма считается Ж.Ж.Руссо. Художники, писавшие в этом жанре: Я.Ф. Хаккерт, Р.Уилсон, Т.Джонс, Дж.Форрестер, С.Дэлон.

Символизм

(происходит от фр. symbolisme) – одно из крупнейших направлений в искусстве (в литературе, музыке и живописи), возникшее во Франции в 1870-80-х гг. и достигшее наибольшего развития на рубеже XIX и XX веков, прежде всего в самой Франции, Бельгии и России. Символисты радикально изменили не только различные виды искусства, но и само отношение к нему. Их экспериментаторский характер, стремление новаторству, космополитизм и обширный диапазон влияний стали образцом для большинства современных направлений искусства. Художники символисты: Обри Бердслей, Михаил Врубель.

Стрит-арт

(от англ. street art – уличное искусство) – искусство, получившее развитие на улицах и в городских публичных местах. Включает в себя граффити, тэги, трафаретное граффити, стикер-арт, постеры, видео проекции, флэш-мобы и уличные инсталляции.

Материал подготовлен студией Art-Spb

Урок 5. Искусство Нового времени

Искусство Нового времени является, пожалуй, одним из наиболее запутанных и в то же время интересных для изучения. Если предыдущим периодам была свойственна определенная линейность процессов, в исторический отрезок Нового времени можно наблюдать параллельное сосуществование сразу нескольких стилей, каждый из которых мог бы считаться отдельной и самодостаточной эпохой в искусстве.

Цель урока: разобраться в многообразии художественных стилей эпохи Нового времени, понять их основные отличия и характеристики.

Пройдя этот урок, вы получите общие ориентиры, по которым сумеете определить принадлежность того или иного произведения искусства к тому или другому стилю Нового времени.

Содержание:

Изучая предыдущие темы, вы уже поняли, что искусство достаточно сложно загнать в какие-то строго определенные рамки, в том числе хронологические, ввиду того, что культурно-исторические процессы в разных странах развиваются неравномерно и несинхронно. Поэтому условно очертим хронологические границы данного периода в пределах 17-19 веков и будем уточнять их отдельно для каждого жанра и направления в искусстве.

Как и в прошлом уроке, мы сосредоточимся на европейской культуре, т.к. именно в Европе зародились основные стили искусства. В этом плане культура прочих регионов в некотором смысле вторична либо заимствована. Начнем со стиля барокко и посмотрим, как оно отразилось в архитектуре, скульптуре, живописи, литературе, музыке и зрелищных искусствах.

Искусство барокко и рококо

Одним из главных стилей, предопределивших развитие искусства 17-18 столетий, был стиль барокко. В целом, барокко присущи контраст и динамика, сложность и многообразие, стремление к величию и некоторая аффектация. Эти признаки наглядно демонстрируют все произведения искусства, созданные в данном стиле.

Архитектура

Отличительными признаками архитектуры барокко являются размах пространственных решений, слитность и плавное перетекание криволинейных форм. Одним из первых образцов барокко в архитектуре считается фасад церкви Санта-Сусанна в Риме, построенной еще в 4 веке, которую перестроил в стиле барокко в 1603 году итальянский архитектор Карло Мадерна (1556-1629):

Сходные черты можно увидеть и в творениях прочих архитекторов барокко. Наиболее известны такие деятели архитектуры барокко, как Джованни Лоренцо (1598-1680), Франческо Борромини (1599-1667), Гварино Гварини (1624-1683).

Отдельно стоит сказать о барокко во Франции: этот стиль часто определяют как «барочный классицизм», отличающийся повышенной страстью к роскоши и великолепию. Типичным образцом французского барокко или «барочного классицизма» считаются Версальский дворец и дворцово-парковый ансамбль при нем, сооружавшиеся во времена Людовика XIV, которого современники величали не иначе, как «Король-Солнце».

Такой дрейф стиля в сторону роскоши и великолепия можно считать предтечей возникновения рококо: стиля на основе барокко, отличавшегося большей легкостью, непринужденностью, вольным обращением с правилами и пропорциями, избытком декоративных элементов. При том, что барокко очень склонен к разным криволинейным формам, в рококо этот тренд достиг своего апогея. Украшаются едва ли не все плоскости на поверхности строения снаружи и внутри. Такой подход можно наблюдать во всех странах, где рококо получил распространение. Возьмем для примера церковь Азамкирхе, она же церковь Святого Иоанна в Германии:

Есть образцы рококо и на территории России, которые появились благодаря работе приглашенных из Италии архитекторов. Это, в частности, Летний дворец Елизаветы Петровны (Санкт-Петербург), построенный Франческо Растрелли (1700-1771). Кроме того, к стилю рококо относят и работы Антонио Ринальди (1709-1794): дворец Петра III, Китайский дворец и другие строения в Ораниенбауме.

Скульптура

Скульптуре барокко, как и архитектуре, свойственна сложность линий и вычурность форм. Скульпторы предпочитают сложные замысловатые сюжеты, которые весьма талантливо реализуют. В качестве примера приведем работу итальянского скульптора Лоренцо Бернини (1598-1680) «Похищение Прозерпины», где он предложил свое видение мифологического сюжета:

Стоит отдельно сказать о воплощении стиля барокко в работах испанских скульпторов. В отличие от своих коллег, они предпочитали работать с деревом. Наиболее известен своими работами скульптор Педро де Мена (1628-1688). Образцом могут служить сделанные им деревянные Хоры в соборе Малаги:

Стиль рококо стал естественным продолжением барокко в скульптуре, отличаясь лишь еще большей сложностью формы и избытком деталей декора. Наиболее знаменитым скульптором, работавшим в стиле рококо, считается Этьен Морис Фальконе (1716-1791), много работавший на заказ и вынужденный угождать не всегда изысканному художественному вкусу представителей знати.

Тем не менее даже в условиях определенных ограничений он создал выдающиеся скульптуры, которые восхищают красотой и сложностью по сей день. Например, интерпретация сказания про древнего атлета Милона Кротонского и его схватку со львом:

Живопись

Человек в искусстве нового времени занимает центральное место, и в живописи барокко это заметно особенно явно. Главные фигуры в живописи барокко – это Рубенс (1577-1640) и Караваджо (1571-1610), причем у каждого из них есть свои хорошо узнаваемые черты в творчестве.

Так, Караваджо очень любил экспериментировать со светом и тенью, а многие его картины буквально погружены в полумрак. Как, например, «Призвание апостола Матфея»:

Рубенс использует более светлые тона, но более пышные формы в изображении людей, особенно женщин. В живописи, как и в скульптуре, в чести сложные запутанные сюжеты и положения. В качестве примера возьмем картину Рубенса «Похищение дочерей Левкиппа». И, да, тема похищения в живописи, как и в скульптуре, тоже актуальна:

Словосочетание «рубенсовские формы» со временем стало именем нарицательным и используется, если нужно в тактичной форме описать весогабаритные характеристики женщин весом от 85 кг и выше.

Рококо в живописи можно вкратце охарактеризовать, как «много всего» на единицу площади картины. Примером может служить картина Антуана Ватто (1684-1721) «Отплытие на остров Цитеру»:

Там, где, по сюжету, предполагалась меньшая численность народа, холст перегружался избытком деталей окружающей действительности. Допустим, тщательной прорисовкой листочков растений, как у Николы Ланкре (1690-1743) и Фрагонара (1732-1806), детализованным изображением лавы вулкана, как у Франсуа Буше (1703-1770) и т. д.

Литература

Литературная жизнь барокко была весьма богата. В произведениях широко используются символы и метафоры, риторические вопросы и оксюмороны, а стремление к разнообразию часто приводит к хаотичности сюжета. Авторов барокко интересуют самые разные темы, а многообразие возникших в этот период жанров просто зашкаливает: галанто-героический роман, сатирический роман, бытовой роман, маринизм, гонгоризм, эвфуизм, метафизическая школа и многие другие.

Особое распространение получила так называемая прециозная литература (от французского précieux, что значит «драгоценный»), которая распространилась в придворно-аристократической среде. Наиболее яркие представители направления – это Жорж де Скюдери (1601-1667) и Мадлен де Скюдери (1607-1701).

К прециозной литературе относят и произведения в жанре пасторали, описывающие беззаботную жизнь пастухов и пастушек в окружении живой цветущей природы. Наиболее яркий представитель – Оноре д’Юрфе (1568-1625) со своим романом «Астрея».

В отличие от барокко, стиль рококо в литературе – это преимущественно малые литературные формы, стихи, новеллы и сказки, хотя есть и исключения. Например, роман Жана-Батиста Луве де Кувре «Любовные похождения шевалье де Фобласа». Всем произведениям в стиле рококо свойственна игривость, фривольность и беззаботность, они несут в себе идею удовольствия от жизни. К слову, похожие тренды наблюдаются и в музыке рококо, о которой мы и поговорим далее.

Музыка и зрелищные искусства

Типичные представители барокко в музыке – это Антонио Вивальди (1678-1741), Себастьян Бах (1685-1750), Георг Гендель (1685-1759). Они оказали значительное влияние на развитие инструментальной музыки. Барокко свойственно противопоставление хора и солиста, голосов и музыкальных инструментов. Все это оказало значительное влияние на развитие оперы.

Музыка рококо более легкая и более тяготеющая к различным мелким музыкальным и звуковым украшениям, мелизмам, прочим приемам, собственно и создающим ощущение легкости мелодии. Наиболее яркими представителями рококо в музыке считаются Франсуа Куперен (1668-1733) и Луи Клод Дакен (1694-1772).

Вот так в общем и целом повлияли барокко и рококо на развитие искусства. Узнать больше можно из книги «Мастера и шедевры эпохи барокко» [Е. Яйленко, 2015]. Тем же, кого заинтриговала непревзойденная роскошь рококо, рекомендуем книгу «Рококо. От Ватто до Фрагонара» [С. Даниэль, 2007]. А мы переходим к искусству классицизма.

Искусство классицизма

Классицизм – это стиль в искусстве, формировавшийся и развивавшийся параллельно с барокко в 17-18 веках и оказавший заметное влияние на культуру 19 столетия. В отличие от барокко, классицизм проповедует простоту, строгость и соразмерность, свойственную искусству Античности. Жанр зародился во Франции, и именно деятели французского классицизма оставили значительный след в его наследии.

Архитектура

Архитектуре классицизма свойственна четкость форм и планировок, стремление к логике и ясности. Причем это касается не только отдельных строений, но и градостроительных решений. Типичный пример классицизма – это площадь Согласия в Париже, спроектированная архитектором Жак-Анж Габриэлем (1698-1782):

Часто в отдельное направление выделяют ампир, зародившийся в рамках классицизма. В целом, это и есть поздний классицизм в архитектуре и прикладном искусстве, охвативший первую четверть 19 столетия. Ампир еще называют «королевским стилем» за использование большого числа декоративных элементов, украшений при том, что сохраняется симметрия, равновесие и умеренность в их использовании.

Скульптура

Скульптура классицизма аналогично стремится к правильности форм, наследуя античные традиции. И тут хотелось бы сделать ремарку и обратить ваше внимание, что для характеристики искусства конца 18 – начала 19 веков часто можно встретить термин «неоклассицизм».

В начале урока мы говорили о том, что разные стили и направления в искусстве получили неодинаковое распространение в разных странах, а сами культурно-исторические процессы развиваются неравномерно и несинхронно. Поэтому зачастую под неоклассицизмом понимается тот же самый классицизм, но имеющий национальные особенности культуры какого-либо государства.

Как вариант, к неоклассицизму относят произведения искусства, имеющие все признаки принадлежности к классицизму, но более украшенные различными мелкими деталями и склонные к сложности и некоторой запутанности. Примером могут служить скульптуры Антонио Кановы (1757-1822). В частности, его «Амур и Психея»:

Если совсем обобщить, неоклассицизм соотносится с классицизмом примерно так, как рококо соотносится с барокко или маньеризм с искусством высокого Ренессанса.

Живопись

Живопись классицизма вдохновляется традициями Ренессанса. Считается, что основы классицизма и его принципы работы с многофигурной композицией заложены Рафаэлем в ранее упомянутой нами работе «Афинская школа». Никола Пуссен (1594-1665) в своих работах заметно усложняет игру тени и света, и предпочитает более сложные сюжеты. В качестве примера приведем его картину «Танец под музыку времени»:

Из других ярких представителей живописи классицизма можно выделить Клода Лоррена (1600-1682) и Шарля Лебрена (1619-1690). Показательно, что французская монархия поддерживала развитие классицизм в противовес захватывающему умы знати барокко, финансируя «Школу изящных искусств» и награждая лучших «Римской премией», которая предполагала возможность провести в Риме 3-5 лет за счет государства, изучая античное искусство.

Еще один интересный нюанс: именно в классицизме произошло разделение жанров на «возвышенные» и «низкие». К «высокому искусству» отнесено творчество, посвященное истории, религии и мифологии, к «низкому» – бытовая тематика и натюрморт.

Литература

Основоположником поэзии классицизма считается Франсуа Малерб (1555-1628), осовременивший и обогативший нормы литературного французского языка. При этом в творчестве самого Малерба сильны традиции барокко.

В литературе, как и в живописи, произошло разделение на «высокое искусство», к которому отнесли драматургию и трагедию, и «низкое», к которому приписали комедию, басни, юмор и сатиру.

Представителями «высокого искусства» считаются Пьер Корнель (1606-1684) и Жан-Батист Расин (1639-1699). Широко известные за пределами Франции комедии Мольера (1622-1673) и басни Жана де Лафонтена (1621-1695), согласно канонам классицизма, считаются «низким» искусством.

Литература 18 столетия испытала серьезное влияние Просвещения – культурно-исторического течения в научной, философской и общественной мысли. Идеи Просвещения, прав и свобод человека и гражданина легли в основу многих художественных произведений Вольтера (1694-1778), в частности, его философских романов «Простодушный», «Задиг, или Судьба», «Кандид, или Оптимизм» и других.

Музыка и зрелищные искусства

Под музыкой классицизма принято понимать академическую музыку второй половины 18 – начала 19 веков. Самыми яркими музыкальными деятелями классицизма являются Людвиг ван Бетховен (1770-1792) , Вольфганг Амадей Моцарт (1756-1791), Франц Йозеф Гайдн (1732-1809). Все они принадлежат к Венской классической школе, отличительной особенностью которой является сочетание множества стилей и приемов классической музыки, трагичного и комичного в музыкальных сочинениях, баланса точного расчета и непринужденности звучания.

Развитие литературы и музыки дало толчок развитию театрального искусства. Принципы классицизма в театральном искусстве воплощались следующим образом:

  • Единство времени – действие вмещалось в некий условный 24-часовой период.
  • Единство места – действие происходило в одной локации.
  • Единство действия – действие имело одну сюжетную линию (как правило, личная трагедия или конфликт межу личным и общественным).

Вот такой путь прошло искусство классицизма. Желающим знать больше мы рекомендуем книгу «Классицизм и романтизм. Архитектура. Скульптура. Живопись. Рисунок» [Р. Томан, 2001]. Как вы уже поняли, она полезна и для желающих поближе познакомиться с искусством романтизма.

Романтизм в искусстве

Романтизм зародился как протест против «правильности» классицизма, рациональности Просвещения. Романтизму были чужды строгость первого и реализм второго. Идеи романтизма требовали признать самостоятельную ценность духовной и творческой жизни личности, воспевали бунтарское начало и культ естественного в человеке. Хронологически романтизм охватывает конец 18 – первую половину 19 века.

Архитектура

В архитектуре отойти от «правильности» строительных традиций прошлых столетий удалось благодаря началу широкого использования металлических конструкций в строительстве. Они давали больше технических возможностей для выражения чувств и эмоций, реализации нестандартных, в том числе бунтарских идей без ущерба прочности конструкции. Появились причудливые своды зданий и чугунные мосты. Первый в мире арочный чугунный мост был переброшен через реку Северн в Англии:

Ныне этот мост находится под охраной ЮНЕСКО.

Скульптура

Скульптуре романтизма тоже присуще использование металлических изваяний, хотя мрамор по-прежнему широко используется как материал для изготовления скульптур. В отличие от прочих периодов, скульпторы романтизма стараются передать, в первую очередь, эмоции и переживания, а не просто динамику или статику положений.

В этом плане интересен французский романтизм, получивший особо мощное развитие после наполеоновских войн и определенного разочарования общества в прежних идеалах. Скульпторы стремились передать эмоции сильной личности, возвеличивали героизм простых воинов. Показательны работы Франсуа Рюда (1784-1855) и, в первую очередь, его «Марсельеза», украшающая Триумфальную арку в Париже:

Композициям романтизма свойственен огромный накал страстей, при котором герои вот-вот выйдут за пределы своих человеческих возможностей. Человек в искусстве Нового времени – это всегда личность, а в работах французских деятелей романтизма – еще и творец истории.

Живопись

Все вышесказанное справедливо и по отношению к живописи. Портретная живопись получила новый толчок, когда портрет – это не просто самоцель, а средство передачи эмоциональной составляющей события. Как, например, в работе Эжена Делакруа (1798-1863) «Свобода, ведущая народ»:

Считается, что романтический стиль стимулировал появление множества художественных школ, оказал влияние на будущее развитие многих направлений живописи. В частности, таких, как эстетизм, символизм, авангард и импрессионизм.

Литература

В литературе романтизма сформировалась целая плеяда авторов, чьи произведения человечество читает до сих пор. Отметим при этом, что идеи романтизма многие литераторы разных стран понимали по-своему, однако везде человек рассматривается как основное звено и, если можно так сказать, «центр тяжести» всех событий.

Это поэзия Генриха Гейне (1797-1856) и Джорджа Байрона (1788-1824), это романы Виктора Гюго (1802-1885) и Александра Дюма (1802-1870), это сказки братьев Гримм и Эрнста Теодора Гофмана (1776-1822). Это множество других авторов, не всегда признанных при жизни, как, к примеру, Уильям Блейк (1757-1827), чьи стихи получили известность уже после его смерти.

Еще раз акцентируем, что понимание романтизма у разных авторов может существенно отличаться, что никоим образом не умаляет их художественного значения.

Музыка и зрелищные искусства

Музыка эпохи романтизма – это гимн человеческой душе, это звучащая в каждой ноте убежденность, что душа всегда будет властвовать над разумом и если разум может заблуждаться, то душа никогда. Среди образцов романтизма представлена самая разная музыка, от патриотической до академической.

Так, в период Французской революции появился гимн «Марсельеза», воодушевлявший народные массы на борьбу. В академической музыке основоположником романтизма считается Франц Шуберт (1797-1828), а наиболее знаковыми представителями романтизма стали Иоганнес Брамс (1833-1897), Фридерик Шопен (1810-1849), Феликс Мендельсон (1809-1847), Роберт Шуман (1810-1856). Больше вы узнаете из статьи «Романтизм в музыкальной культуре Западной Европы» [Л. Зорилова, 2014].

Даже беглый взгляд на годы жизни показывает, что в музыке влияние романтизма зачастую выходит за пределы условно очерченного периода конца 18 – первой половины 19 веков. Это еще более заметно, если обратить взор на творчество российских композиторов.

Так, к образцам романтизма традиционно причисляют творчество Петра Чайковского (1840-1893), Римского-Корсакова (1844-1908), Даргомыжского (1813-1869), Мусоргского (1839-1181) и других. Это еще раз подтверждает тезис, что в разных странах сходные культурно-исторические процессы имели свои особенности, в том числе и хронологические.

Развитие литературы и музыки дало почву для дальнейшего становления театрального и оперного искусства. Наиболее активно театры развивались во Франции. К слову, первый финансируемый государством театр появился во Франции еще во времена Людовика XIV, а в начале 19 столетия свой театр имели все большие и не очень большие города.

В России придворные театры известны с 17 века. При Петре I театральное искусство получило мощнейший толчок к развитию, далее поддержанный императрицами Елизаветой Петровной и Екатериной II. В 1803 году в российском театральном искусстве произошло разделение драматургических и музыкальных трупп, а музыкальные труппы далее разделились на балетные и оперные. Идея принадлежала Катерино Кавосу (1775-1840), итальянскому дирижеру и композитору, работавшему тогда в России.

Так или иначе, российский театр на протяжении всей своей первоначальной истории развивался под мощным влиянием западноевропейских деятелей искусства, при этом не теряя своей самобытности и нарабатывая свой русскоязычный репертуар.

Так развивалось искусство разных стран в Новое время. Далее мы предлагаем пройти проверочный тест и перейти к материалу следующего урока.

Проверьте свои знания

Если вы хотите проверить свои знания по теме данного урока, можете пройти небольшой тест, состоящий из нескольких вопросов. В каждом вопросе правильным может быть только один вариант. После выбора вами одного из вариантов система автоматически переходит к следующему вопросу. На получаемые вами баллы влияет правильность ваших ответов и затраченное на прохождение время. Обратите внимание, что вопросы каждый раз разные, а варианты перемешиваются.

Далее давайте познакомимся с модернизмом.

Ольга Обломова

Стиль рококо (18 век)

 

Выдающимся в искусстве инкрустации стал Пьетро. Пиффетти (1700-77), работавший в Доме Савойи в Турине, создав очень индивидуальная мебель, сочетающая вставки из дерева и слоновой кости с такими доработки в металле в виде масок по углам и креплений для ножек. То Королевский дворец в Турине содержит несколько захватывающих дух экспонатов, буквально покрытых с инкрустацией из слоновой кости и иногда кажется, что поддерживается исключительно случайно, так хрупки ноги под их сложной верхней частью.В музее Civico in Turin — это карточный стол работы Пиффетти с печатью и датой 1758 года. совершенно убедительный trompe l’oeil игральных карт из слоновой кости и редких пород дерева.

В малых искусствах в Италии не производилось ничего значительного по сравнению с другими регионами Европы, и уж точно не появилось ни одной керамической фабрики. соперничать с Севром. Но две фабрики производили фарфор, большую часть что конечно очень красиво — Виново в Пьемонте и Каподимонте за пределами Неаполя.Фарфор Capodimonte характеризуется блеском его окраски, часто в неожиданных сочетаниях, как это видно на знаменитом Фарфоровая комната из дворца в Портичи (1754-59).

Итальянская живопись в стиле рококо

Резюме

Рококо появилось в Италии чуть позже чем во Франции. Ранние следы можно увидеть в более легком стиле позднего Живопись в стиле барокко, представленная в Риме, а также в Неаполе такими художниками, как Лука Джордано (1634-1705) и Франческо Солимена (1657-1747).

Затем, в течение 25 лет, Венеция произведено Giambattista Тьеполо (1696-1770), его сын Джандоменико (1727-1804), Антонио Каналетто (1697-1768), Пьетро Лонги (1701-85), Франческо Гварди (1712-93), Джованни Баттиста Пиранези (1720-78) и племянник Каналетто Бернардо Беллотто (1720–1780). Все они, кроме двух последних, отработали живет в Венеции, хотя Каналетто посетил Англию в 1746 г. Лонги и в меньшей степени младший Тьеполо изображал повседневную жизнь Венеции, первые в небольших холстах, вторые в рисунках; в то время как Каналетто, Гварди и Беллотто рисовали сцены на открытом воздухе на каналах и площади.Пиранези, хоть и родился в Венеции, но приехал в Рим в 1738 году. Картины его неизвестны, и его слава полностью основана на его офортах архитектуры и руин. Старший Тьеполо наиболее известен своими необычными фресками. парадной столовой ( Kaiseraal ) и потолок Большого Лестница ( Trepenhaus ) в Вюрцбургской резиденции принца-епископа Карл Филипп фон Гриффенклау, несомненно, величайший и самый творческий шедевр в его карьере.В центре внимания был взлет фреска Аполлон, приводящий невесту (1750-1) в центре Trepenhaus, работа, которая величественно завершает итальянскую традицию фресковой живописи, начатой ​​Джотто (1270-1337) четыреста лет ранее.

Тьеполо

В старшем Тьеполо, и в нем одном, можно говорить о чистом стиле рококо, во многом родственном позднему барокко способами, но создавая совершенно новый тип визуального опыта.Не удивительно, многие из величайших венецианских качеств прошлого присутствуют в его работа: цвет и оригинальное воображение Тициана; типы фигур и роскошные материалы Паоло Веронезе, вместе с его любовью к роскошной классической архитектуре как фон для богатых зрелищ истории и мифологии.

Искусственность атмосферы в его ранние фрески сразу связывают Тьеполо с основным направлением рококо. искусства, но в то время, когда он не мог знать многого о современном Французская живопись.С тех пор его карьера была головокружительной, пока его затмение в Мадриде в конце жизни от рук неоклассиков при Менгсе (1728-79).

Его самый большой заказ пришелся на 1750 год, когда он отправился в Вюрцбург, чтобы рисовать фрески для только что построенного дворца и оставались там до 1753 г. украсить лестницу (самая большая фреска живопись в мире), Кайзерзал и часовня. Незадолго до уезжая в Вюрцбург, Тьеполо украсил Палаццо Лабиа в Венеции. с историей Антония и Клеопатры, одним из его самых запоминающихся воспоминаний классической истории.

Сравнение стиля Тьеполо со стилем его современника Буше, обнаруживает другой и, возможно, более интеллектуальный темперамент. Его ледяной элегантные, но все же сладострастные обнаженные тела и его тонкое сопоставление типов, как на Вюрцбургской лестнице, где блестяще контрастируют «континенты», является более оригинальным и сложным, чем что-либо Буше. Это не было случайностью что Буше больше всего восхищался Тьеполо; «гораздо больше, чем у Ватто, его искусство — искусство театра, со сценой, намеренно приподнятой над нами, и актеры, которые держатся на расстоянии», — говорит Майкл Леви.В самом деле, его искусство — последнее, что действительно представляет аристократический стиль. идеалы, которые вскоре будут заменены республиканскими ценностями Французской революции, искусство, которое могло процветать только в таком упадочном городе, как Венеция в восемнадцатом веке

Посмотреть Художники

Хотя Тьеполо, отец и сын, были лучшими декораторами в городе, были ведутисты , или вид-живописцы, например Каналетто (1697-1768), чья большая слава принесла ему в Англию между 1746 и 1756, и его племянник Бернардо Беллотто (1720-80).

Картины Франческо Guardi (1712-93) — триумф изучения и понимания атмосферы. необычного воздействия венецианского света на воду и архитектуру. С участием минимальная палитра, в некоторых случаях почти полностью сведенная к простой зелени и серые, Гуарди во многом напоминает пейзаж и вид на каналы. так же, как Тьеполо рисует фигуры, и с волшебными цветными точками предполагает, что люди спешат или разговаривают на площади Сан Марко или любой из многочисленных площадей Венеции, которые он так явно любил.

Пьетро Лонги (1702-85), напротив, специализировался на несколько неуклюжих изображениях современной жизни; в их однако в их неуклюжести кроется великое обаяние, и в часто восхитительно неожиданный выбор сюжета, например, «Носорог» (Национальная галерея, Лондон) или «Мавританский вестник» (Ca’ Rezzonico, Венеция).

Но Италия никогда не была так счастлива со стилем рококо, как это было с предшествующий стиль барокко или стиль неоклассицизма, оба они тяжелее и способнее выразить столь любимую grandezza итальянского постренессансного искусства. Это, однако, появляется в Тьеполо в измененная форма, и это его имя остается неизвестным.

Стиль рококо в Англии — Характеристики

Из всех европейских стран, имевших перенял или внес свой вклад в стиль барокко, Англия была той, которая меньше всего внимания уделял рококо.

Английский Архитектура рококо, интерьер Дизайн и украшение

По крайней мере, в архитектуре Англия двинулась непосредственно от стиля барокко Рена и Ванбру к палладианству, переход был столь стремителен, что не допускал промежуточного развития.С такими зданиями, как Strawberry Hill Уолпола в Твикенхеме, построенными из 1748 г., и Арбери, Уорикшир, той же даты и другой готический здания, возведенные в эпоху позднего Архитектура восемнадцатого века — это чувство, которое помещает эти работает в категории рококо, а не в каких-либо отношениях с рокайль.

На самом деле Английский Gothick разделен на две самостоятельные категории — «ассоциативный» и «рококо», последний беззаботная форма украшения, основанная на средневековых прецедентах. но достаточно легкомысленной, чтобы стать почти аналогом континентального рококо в смысле заброшенности и поверхностности. Уильям Кент (1684-1748), архитектор и декоратор, изобрел свой собственный словарь готического декора, которые так же быстро и эффективно распространились по Англии, как арабески континентального рококо. Но, кроме этого, рокайль в Англии коснулся лишь несколько интерьеров, немного качественной мебели, несколько картин и немного фарфора, в частности изделия Челси и Боу.

Самый ранний образец рокайля в Англии. было поручено великому французскому дизайнеру Meissonnier герцогом Кингстонским в 1735 году за комплект столовой мебели из серебра.Но это был довольно редкий случай, и дизайн рококо, как правило, ограничивался к гравированному украшению на простых формах, почти полностью не затронутых стиль. Новые веяния распространялись преимущественно через сборники моделей. таких как Матиас Лок или Джонс «Джентльмен или Строитель» Компаньон» 1739 года, благодаря которому стали доступны детали в стиле рококо или квази-рококо. каждому ремесленнику, который мог позволить себе объем. Тот факт, что это были только детали, оторванные от своего окружения, объясняют часто грубое качество большей части английской мебели в стиле рококо.так как мастер мог не следует ожидать, что он оценит органическую природу стиля с фрагменты.

Как и в Италии и Франции, вкус патрона восемнадцатого века часто расширялся к Востоку в той или иной форме. учет нескольких рококо известные комнаты в Англии, такие как спальня в монастыре Ностелл, Йоркшир, 1745 г., или, самое важное. Дом Клейдона в Бакингемшире (около 1768 г.), где ряд комнат украсил некий Лайтфут, о котором мало известно.Однако в этих комнатах стиль отнюдь не такой чистый, как континентальное рококо.

Декоративное искусство рококо появляется на другом английском языке. интерьеры городских и загородных домов и иногда самого высокого качества — особенно в холле в Рэгли, в близлежащем Хагли и в крутящемся лепнина братьев Франчини. который выполнил много лепных работ в Ирландии и особенно известны своей работой в Рассборо. Но это привлекательное местное мастерство далеко от совершенства, всеобъемлющие схемы континента.

Английский Мебель и декор в стиле рококо Искусство

В отличие от французов, английские краснодеревщики обычно не подписывал свои произведения, и поэтому известно сравнительно мало мужчин, таких как Джон Линнелл , Джон Кобб , Бенджамин Гудисон и Уильям Вайл , которые, по-видимому, много работали в новая мода. Однако имя Chippendale выдающееся, не только из-за качества его произведений, но и из-за его издание «Джентльмен и директор краснодеревщика» (1754).

В своих проектах зеркал и каминов, часто приправленный шинуазри, можно увидеть экзотические образцы стиля рококо, ничуть не менее дотошные как французские буазери, но предназначены для использования в качестве отдельных элементов и редко как часть целой декоративной схемы. Точно так же сложные и фантастические резьба в зале в Клейдоне изолирована в классическом стиле. параметр.

Английская живопись рококо

В живописи два английских художника пошли на определенные уступки рококо — Уильям Хогарт (1697-1764) и Томас Гейнсборо (1727-88).Хогарт резко отреагировал против типа исторической живописи в стиле барокко, столь востребованной «любителями». и ввел в свою работу так называемую «Линию красоты», которая он объяснил в своем «Анализе красоты» (1753 г.) и который была змеевидной линией, похожей на вытянутую букву «S». Это было, конечно, именно форма многих украшений в стиле рококо.

Гейнсборо, напротив, начал жизнь как художник небольших, неестественных портретов, позже развивая более утонченный стиль после переезда в модную баню.Он нарисовал некоторые портреты в стиле рококо удивительно близки Буше, их парящие кисть и пернатые пейзажи, ярко-розовые и серебристо-серые оттенки ярко выражены. больше рококо, чем в любой современной английской живописи. См. также Регентство общество портретистов Томас Лоуренс .

Неоклассицизм захлестнул Англию с момента возвращения Роберта Адама в страну в 1758 году, но даже его целомудренный и эпиценский стиль перекликается с изысканным, дотошным качество большинства французских украшений в стиле рококо, а его готика такая же, как в стиле рококо. как любое украшение того периода в Англии.Швейцарский художник-портретист и исторический художник, Анжелика Кауфманн (1741-1807), которым очень восхищался сэр Джошуа Рейнольдс за ее портреты, работал с Робертом Адамом над рядом его архитектурных украшения.

Стиль рококо в Германии — Характеристики

В отличие от великолепной сдержанности лучшее французское рококо, Германия предлагает захватывающий дух ассортимент некоторых из самых эпатажных и великолепных архитектурных и интерьерных решений в стиле рококо украшение в истории европейского искусства.

Немецкая архитектура рококо, интерьер Дизайн и отделка

Этот высокий стандарт совершенства распространяется от архитектуры до прикладного искусства. искусство — мебель, утварь и фарфор — хотя они редко превосходили те из Франции. Ничто во Франции, Италии или Англии 18-го века не может конкурировать явный избыток таких архитектурных шедевров, как Мельк или Дрезден Цвингер, и только по количеству первоклассных церквей и дворцов Германия легко опережает другие.Это может быть связано с тем, что то, что мы называемой сейчас Германией, в восемнадцатом веке была разделена на несколько различные княжества, царства и епископства, так что определенное соперничество должны были определить создание зданий большой важности — в отличие от Франция или Англия, где действительно важные заказы неизменно ограничивается небольшим числом посетителей.

Немецкое рококо можно увидеть, чтобы проследить его истоки римских церквей периода барокко, таких как Сант Бернини Андреа аль Квиринале, где сочетаются цвет, свет и сложная скульптура. комбинированный.Это очевидно впервые в Германии в аббатстве Церковь Вельтенбурга, построенная после 1714 года, с овальным куполом, срезанным внутри. чтобы раскрыть фрески видения небес выше.

Цвет был основной струной к банту немецкого рококо — розовый, сиреневый, лимонный, синий — все они были объединены или использованы по отдельности для достижения впечатляющего эффекта, как в Амалиенбурге под Мюнхеном. Более тяжелые изогнутые формы Барокко в немецком рококо превратились в более отрывистые ритмы, и один обнаруживает влияние крупного памятника барокко, такого как балдахин Бернини. в св.Рим Святого Петра, преобразованный Бальтазаром Neumann (1687-1753), в кондитерское изделие высшего порядка алтарь в Vierzehnheiligen, возможно, самый сложный и удовлетворяющий Немецкие церкви.

В то время как формы комнат во Франции в восемнадцатом веке не менялись много, а план церковных зданий почти совсем, Немецкие архитекторы в стиле рококо исследовали все возможности. Стены не только кажутся качаться, несмотря на их огромные масштабы, но целые участки, кажется, были вырезаны, так что огромные потолки с фресками, полностью доминируют над большинством этих церквей, кажется, парят над прихожанами.

Одна из самых захватывающих особенностей немецкого языка. архитектура в стиле рококо — это очень драматичное расположение некоторых из самых важные примеры, такие как аббатство Мельк J. Prandtauer , начато в 1702 году. Преднамеренно поставлено на командную позицию высоко над Дунай, две большие башни возвышаются над открытым двором впереди во внешний мир большой аркой палладианского типа. Такое чувство к драма, и для полной вовлеченности верующих как внешне, так и внутри, также находится в Эттале, в перевернутом виде, с монастырем преобладают окружающие горы.

Светское строительство также достигло высокого уровня совершенства. Возможно, самые сложные примеры можно найти в Мюнхене и его окрестностях, где, как придворный карлик и архитектор, Франсуа Кувилье (1695-1768) был участвовал во многих зданиях, возможно, самым прекрасным из них был Амалиенбург. Этот небольшой павильон, построенный между 1734 и 1739 годами и названный в честь курфюрста жена, обладает, по словам Хью Гонора, «легким изяществом и тонкой деликатностью».Его плавно покачивающийся фасад, неглубокий руст и необычные фронтоны предвещают один из красивейших залов Европы — знаменитый Зеркальный зал с его серебристая рокайль на пудрово-голубом фоне и сверкающем стекле. На противоположном конце шкалы находится Cuvillies Residenz-театр в Мюнхене. (1751-53) использует богато позолоченные фигуры и музыкальные инструменты для обрамления весь зрительный зал, ярко контрастируя с красным штофом и бархатом стен и сидений.

В Потсдаме и Дрездене никогда не было такого утонченного стиля рококо, как в Мюнхен, но такие здания, как Цвингер (1709-19) по Поппельманн в Дрездене поражают своим масштабом и обилием декоративных деталей. Эффект этого типа архитектуры чувствуется и в маленьком дворце. Сан-Суси в Потсдаме (1745-51), построенный для Фридриха I. Здорово.

Благодаря своему масштабу, роскоши и непреодолимому величию деталей, рококо Германия занимает первое место в Европе.

Подробнее об интерьерах в стиле рококо в России см. работу Бартоломео Растрелли (17.00-71).

Поздние варианты рококо

Стиль рококо никогда не вымирал в провинциальной Франции. С приход историзма в 1820-х годах, многие мастера нашли его сравнительно легко изготовить целые интерьеры и здания в стиле «Второе рококо» так любимы Луи-Филиппом и его королевой, примеры которых можно можно найти по всему Парижу.

Возрождение архитектуры и дизайна в стиле рококо пришло в Англию еще в 1828 г. с камерой Вятвилля Ватерлоо в Эпсли-Хаус, интерьеры Ланкастер-хаус и салон Элизабет в замке Бельвуар. Он обратился естественно, для богатых того времени, и Ротшильды украсили несколько дома в стиле, даже с реальными интерьерами 18 века в поместье Уоддесдон в 1880-х годах.

Королевское согласие на стиль было дано Людвиг Баварский в своем дворце Линдерхоф и Херренхимзе того же период.Это стало общепринятым вкусом в оформлении многих новых отели конца девятнадцатого и начала двадцатого веков и «Le gout Ritz должен был стать синонимом роскоши и элегантности.

Живопись и скульптура в стиле рококо | Характеристики и художники известного искусства рококо — видео и стенограмма урока

Кушетка в стиле рококо, 1754-56

Буазери венского дворца, 1765-72

Характеристики искусства рококо

Как упоминалось выше, ключевыми характеристиками искусства рококо являются его орнамент и роскошные детали.Общие темы искусства рококо включают любовь, мифологию, ухаживание, игру, праздники и другие более беззаботные темы.

Другие слова, используемые для описания искусства рококо, включают:

  • Роскошный
  • Грандиозный
  • Идеалист
  • Праздничный
  • Беззаботный
  • Причудливый

Искусство рококо часто рассматривается как искусство аристократии, отсюда и чрезмерный характер его характеристик. Можно было бы узнать скульптуру в стиле рококо, предмет мебели или украшение комнаты по характерному использованию кривизны, завитков, завитков, асимметрии и / или линий, похожих на виноградные лозы.Когда дело доходит до живописи, темы рококо включают в себя театральность, иммерсивную атмосферу, праздники, мероприятия на открытом воздухе и секуляризм. В частности, большую популярность в то время приобрели картины периода рококо. Галантный праздник картины, изображающие развлечения на свежем воздухе и идеализированные пейзажи; люди изображались наслаждающимися жизнью в сценах праздничных вечеринок и празднеств на открытом воздухе. В целом, стиль рококо был создан, чтобы впечатлять и олицетворять богатство и радость.

Стиль барокко появился раньше эпохи рококо, но у них были некоторые общие черты. Оба были реалистичны по своей природе, но расцветка была очень разной. В искусстве периода рококо использовалась гораздо более светлая цветовая палитра, чем в эпоху барокко. Кроме того, в искусстве рококо было много слоновой кости, золота и пастели. Искусство барокко было гораздо более серьезным и религиозным, а стиль рококо – беззаботным и веселым.

Комната Людовика XV в стиле рококо

Дизайн салона в стиле рококо 1800-х годов

Художники рококо

Некоторые примеры ключевых художников рококо включают:

  • Жан-Антуан Ватто — считается отцом рококо и галантного праздника художественного стиля. Его произведения были очень красочными и театральными, а его картины оказали ключевое влияние на художественное движение.
  • Джовани Антонио Канал, или Каналетто — итальянский художник в стиле рококо, наиболее известный своими реалистическими пейзажами.
  • Шарль Крессан и Мессонье — известные «мебельщики» периода рококо.
  • Джованни Баттиста Тьеполо — итальянский художник в стиле рококо, чье наиболее известное искусство включало фрески на потолках и в церквях.
  • Франсуа Буше — художник, уделявший большое внимание деталям и витиеватости; известен использованием тем древнегреческой и римской мифологии.
  • Жан-Оноре Фрагонар — внес свой вклад в поздний период искусства рококо; многие из его работ рассматривались как гедонистические. Он написал много работ для французской королевской семьи.
  • Элизабет Луиза Виже ле Брюн — художница, известная своими богато украшенными портретами. Она не могла посещать многие художественные мероприятия из-за своего пола, но Мария-Антуанетта и Людовик XVI разрешили ей посещать Королевскую академию.
  • Джованни Баттиста Тьеполо — венецианский художник, сочетавший черты стилей Возрождения и рококо.

Живопись в стиле рококо

Некоторые ключевые примеры картин в стиле рококо включают:

  • Жан-Антуан Ватто Паломничество на Китеру, 1717; Посадка на Китеру , 1717; Пьеро, 1718-19; Итальянские комедианты , 1720; Французская комедия, 1714; Удовольствия бала, 1717; Веселая компания под открытым небом , 1716-19
  • Франсуа Буше Триумф Венеры, 1740; Завтрак , 1739; Аллегория живописи , 1765
  • Жан-Оноре Фрагонар Встреча, 1771; Качели, 1767; Украденный поцелуй , 1788
  • Каналетто Вход в Большой канал, 1730 и Двор каменщиков, 1725
  • Элизабет Луиза Виже ле Брюн Мария-Антуанетта в придворном платье, 1778

Скульптура в стиле рококо

Скульптура в стиле рококо отличалась от более ранних художественных эпох из-за использования изогнутых и извилистых линий, орнамента, ярких цветов и асимметрии. Скульптуры периода рококо также включали менее серьезные темы, чем предыдущие эпохи. Некоторыми общими темами скульптур в стиле рококо были любовь, игривость, радость, праздник, спорт, мифологические изображения и многое другое. В этот период также появились меньшие по размеру фарфоровые скульптуры. Фарфоровые скульптуры стали популярным украшением каминов для многих домов по всей Европе в эпоху рококо.

Некоторые известные скульпторы рококо включают:

  • Антонио Коррадини — ведущий итальянский скульптор рококо в Венеции, создал Завуалированная истина в 1752 году.
  • Эдм Бушардон — наиболее известен своим изображением Купидона и его стрел, 1744 год из замка и садов мадам де Помпадур.
  • Николя-Себастьян Адам — создал Версальский фонтан Нептуна, 1740 (вместе с Ламбертом-Сигисбертом Адамом).

Резюме урока

Стиль Рококо зародился в Париже, Франция в 18 веке, и был наиболее популярен в 1730-1770 . Жан-Антуан Ватто считается первым художником в стиле рококо (или отцом движения) и был известен популяризацией стиля fête galante . Галантный праздник был особым стилем рококо, связанным с темами игры, веселья, праздника и беззаботности. Общие темы живописи в стиле рококо включали сцены любви, отдыха и игры.

Характеристики искусства рококо проявлялись в дизайне интерьера, мебели, живописи, скульптуре, моде и многом другом.Особенности дизайна интерьера и скульптуры в стиле рококо включали использование змеевидных линий, асимметрии и кривизны. Основные цвета, используемые в произведениях искусства в стиле рококо, обычно включали золото, слоновую кость и пастель. Рококо отличался от периода барокко своим колоритом и включением более беззаботных и светских тем.

Некоторые ключевые картины периода рококо включают Фрагонара Качели, Ватто Паломничество на Циферу, и Буше Триумф Венеры. Образцы искусства рококо все еще можно увидеть в европейских галереях, дворцах, домах и даже в наше время. Когда популярность рококо снизилась, за ним последовал неоклассический стиль .

Рококо

На протяжении 18-го века во Франции начал расти новый богатый и влиятельный средний класс, хотя члены королевской семьи и дворянство продолжали покровительствовать искусствам. После смерти Людовика XIV и отказа от Версаля высшее общество Парижа стало поставщиком стиля.Этот стиль, в основном используемый в оформлении интерьеров, стал называться рококо. Термин рококо произошел от французского слова «рокайль», что означает галька и относится к камням и ракушкам, используемым для украшения интерьеров пещер. Поэтому формы ракушек стали основным мотивом рококо. Женщины из общества соревновались за лучшее и самое искусное украшение для своего дома. Следовательно, в стиле рококо преобладал женский вкус и влияние.

Франсуа Буше был художником и гравером 18-го века, чьи работы считаются совершенным выражением французского вкуса периода рококо.Обученный своим отцом, который был кружевным дизайнером, Буше прославился своими чувственными и беззаботными мифологическими картинами и пейзажами. Он выполнял важные работы как для королевы Франции, так и для мадам. де Помпадур, любовница Людовика XV, считавшаяся в то время самой могущественной женщиной Франции. Буше была мадам. любимый художник де Помпадур и был заказан ею для многочисленных картин и украшений. Буше также стал главным дизайнером королевской фарфоровой фабрики и директором гобеленовой фабрики.Вулкан, представляющий Венеру с оружием для Энея, является шаблоном для гобелена, изготовленного этой фабрикой.

Характеризуемый элегантными и утонченными, но игривыми предметами, стиль Буше стал воплощением двора Людовика XV. Его стиль состоял из нежных красок и нежных форм, окрашенных в легкомысленный сюжет. В его работах обычно использовались восхитительные и декоративные рисунки для иллюстрации изящных историй с аркадскими пастухами, богинями и амурами, играющими на фоне розового и голубого неба.Эти работы отражали шаловливый, искусственный и украшенный декаданс французской аристократии того времени.

Рококо иногда считают завершающей фазой периода барокко.

Художники-представители:
Франсуа Буше
Уильям Хогарт
Джованни Баттиста Тьеполо
Анжелика Кауфманн
Джованни Антонио Каналетто

Classici Stranieri — Новости, электронные книги, аудиобиблиотеки бесплатно для консультаций и бесплатной загрузки

Имя файла  
википедия-аа-html.7з
wikipedia-ab-html.7z
wikipedia-af-html.tar.7z
википедия-als-html.7z
wikipedia-am-html.7z
wikipedia-ang-html.7z
wikipedia-an-html.7z
wikipedia-arc-html.7z
wikipedia-ar-html.tar.7z
wikipedia-as-html.7з
wikipedia-ba-html. tar.7z
wikipedia-bar-html.7z
wikipedia-bat_smg-html.7z
wikipedia-bat_smg-html.tar.7z
wikipedia-bcl-html.tar.7z
wikipedia-be-html.tar.7z
wikipedia-bg-html.tar.7z
wikipedia-bh-html.tar.7z
wikipedia-bi-html.tar.7z
wikipedia-bm-html.tar.7z
wikipedia-bn-html.tar.7z
wikipedia-bo-html.tar.7z
wikipedia-bpy-html.tar.7z
wikipedia-br-html.tar.7z
wikipedia-bs-html.tar.7z
wikipedia-bug-html.tar.7z
wikipedia-bxr-html. tar.7z
wikipedia-ca-html.tar.7z
wikipedia-cdo-html.tar.7z
wikipedia-ceb-html.tar.7z
wikipedia-ce-html.tar.7z
wikipedia-ch-html.tar.7z
wikipedia-cho-html.tar.7z
wikipedia-chr-html.tar.7z
wikipedia-chy-html.tar.7z
wikipedia-co-html.tar.7z
wikipedia-crh-html.tar.7z
wikipedia-cr-html.tar.7z
wikipedia-csb-html.tar.7z
wikipedia-cs-html.tar.7z
wikipedia-cu-html.tar.7z
wikipedia-cv-html.tar. 7z
wikipedia-cy-html.tar.7z
wikipedia-da-html.tar.7z
wikipedia-de-html.tar.7z
wikipedia-diq-html.tar.7z
wikipedia-dsb-html.tar.7z
wikipedia-dv-html.tar.7z
wikipedia-dz-html.tar.7z
wikipedia-ee-html.tar.7z
wikipedia-el-html.tar.7z
wikipedia-eml-html.tar.7z
wikipedia-en-html.tar.7z
wikipedia-eo-html.tar.7z
wikipedia-es-html.tar.7z
wikipedia-et-html.tar.7z
wikipedia-eu-html.tar.7z
wikipedia-ext-html. tar.7z
wikipedia-fa-html.tar.7z
wikipedia-ff-html.tar.7z
wikipedia-fi-html.tar.7z
wikipedia-fiu_vro-html.tar.7z
wikipedia-fj-html.tar.7z
wikipedia-fo-html.tar.7z
wikipedia-fr-html.tar.7z
википедия-frp-html.tar.7z
wikipedia-fur-html.tar.7z
wikipedia-fy-html.tar.7z
wikipedia-ga-html.tar.7z
wikipedia-gan-html.tar.7z
wikipedia-gd-html.tar.7z
wikipedia-gl-html.tar.7z
wikipedia-glk-html.tar. 7z
wikipedia-gn-html.tar.7z
wikipedia-got-html.tar.7z
wikipedia-gu-html.tar.7z
wikipedia-gv-html.tar.7z
wikipedia-ha-html.tar.7z
wikipedia-hak-html.tar.7z
wikipedia-haw-html.tar.7z
wikipedia-he-html.tar.7z
wikipedia-hif-html.tar.7z
wikipedia-hi-html.tar.7z
wikipedia-ho-html.tar.7z
wikipedia-hr-html.tar.7z
wikipedia-hsb-html.tar.7z
wikipedia-hu-html.tar.7z
wikipedia-hy-html.tar.7z
wikipedia-hz-html. tar.7z
wikipedia-ia-html.tar.7z
wikipedia-id-html.tar.7z
wikipedia-ie-html.tar.7z
wikipedia-ig-html.tar.7z
wikipedia-ii-html.tar.7z
wikipedia-ik-html.tar.7z
wikipedia-ilo-html.tar.7z
wikipedia-io-html.tar.7z
wikipedia-is-html.tar.7z
wikipedia-it-html.7z
wikipedia-iu-html.tar.7z
wikipedia-ja-html.tar.7z
wikipedia-jbo-html.tar.7z
wikipedia-jv-html.tar.7z
wikipedia-kab-html.7z
wikipedia-ka-html. 7z
wikipedia-kg-html.7z
википедия-ки-html.7з
wikipedia-kj-html.7z
wikipedia-kk-html.7z
wikipedia-kl-html.7z
wikipedia-km-html.7z
wikipedia-kn-html.7z
wikipedia-ko-html.tar.7z
wikipedia-kr-html.7z
wikipedia-ksh-html.7z
wikipedia-ks-html.7з
wikipedia-ku-html.7z
wikipedia-kv-html.7z
wikipedia-kw-html.7z
wikipedia-ky-html.7z
wikipedia-lad-html.tar. 7z
wikipedia-la-html.tar.7z
wikipedia-lbe-html.tar.7z
wikipedia-lb-html.tar.7z
wikipedia-lg-html.tar.7z
wikipedia-li-html.tar.7z
wikipedia-lij-html.tar.7z
wikipedia-lmo-html.tar(1.7z)
wikipedia-ln-html.tar.7z
wikipedia-lo-html.tar.7z
wikipedia-lt-html.tar.7z
wikipedia-lv-html.tar.7z
wikipedia-mdf-html.tar.7z
wikipedia-mg-html.tar.7z
wikipedia-mh-html.tar.7z
wikipedia-mi-html.tar.7z
wikipedia-mk-html. tar.7z
wikipedia-ml-html.tar.7z
wikipedia-mn-html.tar.7z
wikipedia-mo-html.tar.7z
википедия-г-н-html.tar.7z
wikipedia-mt-html.tar.7z
wikipedia-mus-html.tar.7z
wikipedia-my-html.tar.7z
wikipedia-myv-html.tar.7z
wikipedia-mzn-html.tar.7z
wikipedia-nah-html.tar.7z
wikipedia-na-html.tar.7z
wikipedia-nap-html.tar.7z
wikipedia-nds-html.tar.7z
wikipedia-ne-html.tar.7z
wikipedia-new-html.tar. 7z
wikipedia-ng-html.tar.7z
wikipedia-nl-html.tar.7z
wikipedia-nn-html.tar.7z
wikipedia-no-html.tar.7z
wikipedia-nov-html.tar.7z
wikipedia-nrm-html.tar.7z
wikipedia-nv-html.tar.7z
wikipedia-ny-html.tar.7z
wikipedia-oc-html.tar.7z
wikipedia-om-html.tar.7z
wikipedia-or-html.tar.7z
wikipedia-os-html.tar.7z
страница википедии-html.tar.7z
wikipedia-pa-html.tar.7z
wikipedia-pam-html.tar.7z
wikipedia-pap-html. tar.7z
wikipedia-pdc-html.tar.7z
wikipedia-pih-html.tar.7z
wikipedia-pi-html.tar.7z
wikipedia-pl-html.tar.7z
wikipedia-pms-html.tar.7z
wikipedia-ps-html.tar.7z
wikipedia-pt-html.tar.7z
wikipedia-quality-html.tar.7z
wikipedia-qu-html.tar.7z
wikipedia-rm-html.tar.7z
wikipedia-rmy-html.tar.7z
wikipedia-rn-html.tar.7z
wikipedia-ro-html.tar.7z
wikipedia-ru-html.tar.7z
wikipedia-rw-html.tar. 7z
wikipedia-sah-html.tar.7z
wikipedia-sa-html.tar.7z
wikipedia-sc-html.tar.7z
wikipedia-scn-html.tar.7z
wikipedia-sco-html.tar.7z
wikipedia-sd-html.tar.7z
wikipedia-se-html.tar.7z
wikipedia-sg-html.tar.7z
wikipedia-sh-html.tar.7z
wikipedia-si-html.tar.7z
wikipedia-simple-html.tar.7z
wikipedia-sk-html.tar.7z
wikipedia-sl-html.tar.7z
wikipedia-sv-html.tar.7z
wikipedia-sw-html.tar.7z
wikipedia-ta-html. tar.7z
wikipedia-te-html.tar.7z
wikipedia-tet-html.tar.7z
wikipedia-tg-html.tar.7z
wikipedia-th-html.tar.7z
wikipedia-ti-html.tar.7z
wikipedia-tk-html.tar.7z
wikipedia-tlh-html.tar.7z
wikipedia-tl-html.tar.7z
wikipedia-tn-html.tar.7z
wikipedia-to-html.tar.7z
wikipedia-tpi-html.tar.7z
wikipedia-tr-html.tar.7z
wikipedia-ts-html.tar.7z
википедия-tt-html.tar.7z
wikipedia-tum-html.tar.7z
wikipedia-tw-html. tar.7z
wikipedia-ty-html.tar.7z
wikipedia-udm-html.tar.7z
wikipedia-ug-html.tar.7z
wikipedia-uk-html.tar.7z
wikipedia-ur-html.tar.7z
wikipedia-uz-html.tar.7z
wikipedia-vec-html.tar.7z
wikipedia-ve-html.tar.7z
wikipedia-vi-html.tar.7z
wikipedia-vls-html.tar.7z
wikipedia-vo-html.tar.7z
wikipedia-wa-html.tar.7z
wikipedia-war-html.tar.7z
wikipedia-wo-html.tar.7z
wikipedia-wuu-html.tar.7z
wikipedia-xal-html. tar.7z
wikipedia-xh-html.tar.7z
wikipedia-yi-html.tar.7z
wikipedia-yo-html.tar.7z
wikipedia-za-html.tar.7z
wikipedia-zea-html.tar.7z
wikipedia-zh-html.tar.7z
wikipedia-zu-html.tar.7z

Что было основной темой викторины художников рококо?

Что было основной темой викторины художников рококо?

главный представитель рококо, чье искусство было ориентировано на аристократию и ее снисходительный образ жизни , а не на благочестие, нравственность, самодисциплину, разум и героизм (все это можно найти в барокко).

Что было предметом искусства рококо?

Стиль рококо характеризуется сложным орнаментом, асимметричными значениями, пастельной цветовой палитрой и изогнутыми или змеевидными линиями. Произведения искусства в стиле рококо часто изображают темы любви, классических мифов, юности и игривости .

Почему в эпоху рококо изменилась тематика картин?

Искусство рококо возникло в начале 18 века после смерти короля Людовика XIV .Это движение было искусной реакцией на богатство и экстравагантность искусства барокко, которое было излюбленным стилем короля. … В свою очередь, мифологические сцены стали предпочитать пропитанному пропагандой искусству прошлого века.

Какой образец живописи в стиле рококо?

Прекрасными образцами французского рококо являются Салон де Месье ле Принц (завершен в 1722 году) в Малом замке в Шантильи , украшенный Жаном Обером, и салоны (начатые в 1732 году) отеля de Soubise в Париже Жерменом Боффраном.Стиль рококо проявился и в декоративно-прикладном искусстве.

Как влияет тематика, излюбленная импрессионистами?

Чем тема, излюбленная импрессионистами, отличается от темы их предшественников, реалистов? Они рисовали сцены удовольствия и мимолетного света, а не социальной критики . Как Поль Гоген использовал искусство, чтобы выразить свое неприятие современного общества?

Что нужно знать об искусстве рококо?

Художники рококо использовали свободные мазки, пастельные тона, плавные линии и формы в своих композициях, независимо от сюжета картины.Многие картины в стиле рококо асимметричны, что означает, что дизайн или общая композиция смещены от центра. Каждый из этих элементов помогает создать ощущение движения и игривости в картине.

Что оказало основное влияние на движение рококо?

В живописи на рококо в первую очередь повлияло использование венецианской школой цвета, эротических сюжетов и аркадских пейзажей, в то время как школа Фонтенбло легла в основу дизайна интерьера в стиле рококо.Идиллические картины Буше классической мифологии, пасторальные пейзажи, которые были одними из самых популярных художников восемнадцатого века.

Кто некоторые известные люди из движения рококо?

Знаменитые картины французского рококо Жана-Антуана Ватто изображали беззаботные сцены элегантной жизни и любви высшего класса. Фрагонар был французским художником восемнадцатого века, чьи работы олицетворяли стиль рококо в искусстве. Помимо визуальной привлекательности, его картины были печально известны своей скрытой эротикой.

Кто первым употребил термин рококо?

Термин «рококо» впервые был использован Жаном Мондоном в его Premier Livre de forme rocquaille et cartel («Первая книга о форме и обстановке рококо») (1736 г.) с иллюстрациями, изображающими стиль, используемый в архитектуре и дизайне интерьера.

⇐ Кто из художников наиболее тесно связан с парижским рококо? Жан-Антуан Ватто, Франсуа Буше, Иоганн Бальтазар Нойманн, Жан-Оноре Фрагонар? Используется актерами театра? ⇒
Похожие сообщения:

История, резюме, стили и характеристики

Рассказываем, что такое рококо, его происхождение и особенности. Кроме того, архитектура, ее основные представители и прочее.

В этой статье мы говорим о:

Что такое рококо?

Рококо было художественным движением, которое впервые возникло как декоративное искусство во Франции и распространилось по Европе в период с 1730 по 1770 годы. Оно означало конец периода барокко (1600–1750 гг.), который также отражал абсолютистское богатство, но с мрачным, пессимистическим и религиозная эстетика.

Рококо был стилем, который представлял аристократическую жизнь того времени, а характеризовался элегантностью и изобилием декоративного орнамента, живописи и архитектуры с особенностью использования более ярких и веселых цветов по сравнению с искусством барокко.

Термин рококо происходит от французских слов rocaille , что означает «камень», и coquille , что означает «раковина». что пришло от природы.

Рококо характеристики

Рококо был художественным стилем, просуществовавшим несколько десятилетий, по сравнению с движением барокко , ставшим периодом в истории искусства. Хотя оба стиля, как правило, имеют схожие аспекты, рококо характеризуется:

  • Сначала развиваться в декоративно-прикладном искусстве и дизайне интерьеров, затем оказывать влияние на архитектуру и живопись.
  • Представляют собой аристократическую роскошь  , что-то похожее на стиль барокко, с разницей в использовании более ярких и интенсивных цветов.
  • Утонченность  , приятность и элегантность.
  • Представление показных событий и общественных мероприятий того времени.
  • Содержит слишком много декоративных элементов  , с волнистыми и асимметричными линиями.
  • Несоблюдение пропорций человека  , как это делал стиль барокко.
  • Представляют приземленное  и поверхностное искусство  , вдали от религиозных концепций или духовности.

Происхождение стиля рококо Стиль рококо применялся к декоративным предметам, таким как мебель и фарфор.

Рококо возникло как реакция против плотного и тяжеловесного стиля Версальского дворца Людовика XIV в Париже и против установившегося в то время искусства барокко. Такие художники, как Пьер Ле Потр, Ж. А. Мессонье, Жан Берен и Николя Пино , стремились разработать более легкий и чувственный декоративный стиль для новых резиденций и дворцов знати.

Стиль рококо отличался от барокко внутренней отделкой стен, потолков и лепнины, полной тонкого переплетения кривых, асимметричных линий и природных форм, таких как ракушки. Преобладали пастельные тона, цвет слоновой кости, белый и золотой, а использование зеркал создавало ощущение простора в помещении. Орнамент рококо также наносился на фарфор, предметы и мебель.

Живопись в стиле рококо Живопись в стиле рококо изображала любовь, мифологию и общественные собрания.

Живопись в стиле рококо  характеризовалась использованием светлых тонов и приемов, воссоздававших большую яркость  в сценах. Преобладающие темы, всегда подчеркиваемые богатством аристократического общества, касались любви, мифологии, пейзажей и общественных мероприятий. Живопись также была частью украшения зданий, таких как потолки и купола базилик и дворцов.

Архитектура рококо

Архитектура рококо была подчеркнута экстравагантными интерьерами.

Архитектура в стиле рококо  выделялась простыми фасадами, хотя и с обширными садами и экстравагантными интерьерами  . Орнамент был витиеватым, с колоннами в форме спирали и перегружен орнаментом, с использованием пастельных тонов и множеством деталей из золота. Стиль сопровождался преувеличенно украшенными предметами и скульптурами.

Некоторые примеры архитектуры рококо:

  • Зал господина ле Пренса во дворце Шантильи , Франция.Он был украшен Жаном Обером и завершен в 1722 году.
  • Овальный зал отеля Hotel de Soubise , Париж. Он был украшен Жерменом Боффраном и завершен в 1735 году.
  • Здание Амалиенбург  в парке Нимфенбург в Мюнхене, Германия. Считается лучшим образцом искусства рококо, построенным Франсуа де Кувилье. Строительство было завершено в 1739 году.
  • Резиденцтеатр или Национальный театр здание в Мюнхене, Германия.Он был построен Карлом Хохедером и завершен в 1951 году. Начиная с 1950 года, после Второй мировой войны , он был перестроен, как и большая часть Мюнхена. Многие детали оригинального искусства рококо театра были утеряны.
  • Базилика Vierzehnheiligen , расположенная недалеко от Лихтенфельса в Баварии, Германия. Он был разработан Иоганном Бальтазаром Нойманном в честь четырнадцати святых заступников по католической традиции. Строительство было завершено в 1772 году.
  • Церковь Вис или Вискирхе (начало 1745-1754 гг.) недалеко от Мюнхена, Германия.Он был построен Доминикусом Циммерманном и украшен его старшим братом Иоганном Баптистом Циммерманном с простым фасадом и экстравагантным внутренним орнаментом. Строительство было завершено в 1754 году.

Представители рококо

Среди основных представителей стиля рококо:

  • Француз Жан-Антуан Ватто, 1684 – 1721 гг.
  • Француз Жан-Оноре Фрагонар, 1732 – 1806 гг.
  • Бельгиец Франсуа де Кювильес, 1695 – 1768 гг.
  • Француз Жан-Батист Симеон Шарден, 1699 – 1779 гг.
  • Француз Франсуа Буше, 1703 – 1770 гг.
  • Англичанин Томас Гейнсборо, 1727-1788 гг.
  • Пуэрториканец Хосе Кампече, 1751–1809 гг.
  • Испанец Франсиско де Гойя, 1746 – 1828 гг.
  • Француженка Мария Луиза Элизабет Виже-Лебрен, 1755 – 1842 гг.
  • Француз Луи Карроги Кармонтель, 1717 – 1806 гг.
Каталожные номера:

Вышеупомянутый контент, опубликованный в Collaborative Research Group , предназначен только для информационных и образовательных целей и был разработан с использованием надежных источников и рекомендаций экспертов. У нас нет контактов с официальными лицами и мы не собираемся заменять информацию, которую они распространяют.

Топ-10 знаменитых картин в стиле рококо

Театральная и яркая, часто скрытая за вуалью тонкой эротики. Вот как мы могли бы кратко описать 91 494 знаменитых картины в стиле рококо 91 495, созданные 91 494 художниками рококо 91 495 в течение последних десятилетий Ancien Régime во Франции.

Придворные Людовика XV обожали этот стиль, и одна из его самых известных фавориток, мадам де Помпадур, шла впереди.Стиль рокайль, как его первоначально называли, также называют «поздним барокко» и быстро распространился по другим частям Европы.

Давайте подробнее рассмотрим некоторые из самых известных картин, созданных в эпоху рококо в 18 веке, чтобы вы могли узнать все об окончательном выражении периода барокко.

1. Качели — Жан-Оноре Фрагонар

  • Дата создания: 1767
  • Размеры: 81 × 64,2 сантиметра (31. 8 × 25,2 дюйма)
  • Местонахождение: Коллекция Уоллеса, Лондон, Великобритания

«Качели» — картина, полностью воплощающая дух эпохи рококо. Мы видим молодую девушку на качелях, которая, кажется, задирает ногу, и молодого человека, который заглядывает ей в платье. Качели толкает пожилой мужчина в идиллическом пейзаже.

Это не только одна из самых интригующих картин Жана-Оноре Фрагонара (1732-1806), но и один из величайших шедевров рококо.Вероятно, он был заказан французским художником молодым человеком для своей любовницы, и его альтернативное название — «Счастливые случайности на качелях». Качели Фрагонара / Wiki Commons

  • Дата создана: 1740
  • 1740 Размеры: 130 × 162 сантиметров (51 × 64 дюйма)
  • Местоположение: NationalMuseum, Стокгольм, Швеция

Триумф Венеры — один из предельных шедевры Франсуа Буше , одного из ведущих художников эпохи рококо. Буше когда-то был мастером Фрагонара, что подчеркивается тем фактом, что он вдохновил Фрагонара на создание картины под названием «Рождение Венеры» (1753-1755).

Первоначально картина была приобретена Карлом Густавом Тессином (1695-1770), шведским графом, который часто ездил во Францию ​​и был большим поклонником французской культуры. В конце концов он был вынужден продать ее королю Швеции из-за финансовых трудностей, и так она оказалась в Национальном музее Швеции. «Триумф Венеры» Буше / Wiki Commons

3.The Blue Boy – Thomas Gainsborough

  • Дата создания: 1770
  • Размеры: 177,8 × 112,1 см (70 × 44,1 дюйма)
  • Местоположение: Штаты

Синий мальчик — один из самых известных портретов знаменитого английского художника эпохи рококо Томаса Гейнсборо (1727-1788). Личность мальчика вызывает споры, но считается, что это племянник художника по имени Гейнсборо Дюпон (1754–1797).

Картина служит не только портретом, но и исследованием исторических костюмов. Это означает, что мальчик носит не современную одежду конца 18 века, а одежду, которую носили юноши столетием ранее. В этом смысле его иногда рассматривают как дань уважения известному фламандскому художнику Энтони ван Дейку (1599-1641), который часто изображал юношу в этом. The Blue Boy by Thomas Gainsborough / Wiki Commons

4. The Embarkation for Cythera — Jean -Антуан Ватто

  • Дата создания: 1717
  • Размеры: 129 x 194 см (50.78 x 76,37 дюймов)
  • Местонахождение: Лувр, , Париж, Франция

Посадка на Китеру также иногда упоминается как «Путешествие на Китеру» или «Паломничество на остров Кифера» и изображает так под названием «Fête Galante». Изображение этого типа вечеринки было одним из главных вкладов Жана-Антуана Ватто в эпоху рококо.

Художник представил эту картину в Королевскую академию в 1717 году, и именно тогда это престижное художественное учреждение в Париже начало классифицировать эти типы картин как таковые. Мы можем увидеть нескольких влюбленных из аристократии с купидонами, летающими в идиллическом пейзаже. Посадка на Цитеру / Wiki Commons

Размеры:

116,8 × 88,9 см (46 дюймов × 35 дюймов). Брюн (1755-1842).На нем изображена Мария-Антуанетта примерно за год до того, как она встретит свой ужасный конец на гильотине во время Французской революции.

Это особая картина в творчестве мадам Лебрен, потому что она была заказана в год, когда она была принята в Королевскую академию живописи и скульптуры. Ей удалось избежать той же участи, что и ее покровительнице, бежав из Франции, и в итоге она оставила 660 портретов и 200 пейзажей в стиле рококо и неоклассицизма. Мария-Антуанетта с розой / Wiki Commons

6.Болт — Жан-Honory Fagonarard

  • Дата создана: 1777
  • 1777 Размеры: 93 × 93 сантиметров (29 × 37 дюймов)
  • Расположение: Лувр Музей, Париж, Франция

Болт картина, также известная как «Замок» и являющаяся еще одним известным произведением в творчестве Жана-Оноре Фрагонара . На нем изображена молодая пара, ищущая уединения в том, что кажется комнатой внутри Версальского дворца во время правления короля Людовика XV.

Эта картина представляет распутный дух любящего удовольствия двора короля Людовика XV в 18 веке и поэтому может быть названа одной из самых представительных картин в стиле рококо в истории. «Болт» Фрагонара / Wiki Commons

7. Венера Утешительная любовь — Франсуа Буше

  • Дата создания: 1751
  • Размеры: 107 × 84,8 см (42 × 33,4 дюйма)
  • Местонахождение: National Gallery of 95, D. Art.C., United States

«Венера, утешающая любовь» — картина Франсуа Буше, придворного художника Людовика XV, на которой изображена богиня любви Венера, собирающаяся отобрать стрелы своего сына Купидона. Это те, которые он использует, чтобы заставить людей влюбиться.

Картина подчеркивает идеалы красоты 18-го века, так как была заказана мадам де Помпадур, любовницей короля в то время. Она сыграла важную роль в художественном движении рококо и помогла развить замечательный театральный стиль.Венера утешает любовь / Wiki Commons

8. Почетная миссис Грэма — Томас Гэйсборо

  • Дата создан: 1777
  • Размеры: 237 × 154 сантиметров (93 × 61 дюйма)
  • 2
  • Местоположение: Шотландский национальный Галерея, Эдинбург, Шотландия

Достопочтенная миссис Грэм также упоминается как «Портрет миссис Грэм» и является еще одним замечательным произведением искусства английского художника Томаса Гейнсборо. На картине изображена Мэри Кэткарт, молодая девушка, родившаяся в 1757 году и вышедшая замуж за Томаса Грэма в возрасте 16 лет.

У картины очень печальная предыстория, потому что Мария заболела в начале 1790-х годов и так и не выздоровела. В конце концов она умерла в 1792 году в возрасте 35 лет, и, хотя ее муж прожил еще 50 лет, он так и не женился повторно. Он был настолько поражен горем, что никогда больше не смотрел на портрет своей жены. Достопочтенная миссис Грэм / Wiki Commons

9. Украденный поцелуй – Жан-Оноре Фрагонар

  • Дата создания: Конец 1780-х
  • Размеры : 45 × 55 см (18 × 22 дюйма)
  • Местонахождение: Эрмитаж, Санкт-Петербург, Россия

«Поцелуй украдкой» Фрагонара вполне может быть прелюдией к одной из других картин художника под названием « Замок.Здесь мы видим, как молодая пара ненадолго обменивается поцелуями в небольшой комнате. Снаружи мы видим переполненную комнату, добавляющую загадочности тайному роману.

Фрагонар, похоже, находился под влиянием голландских картин Золотого века, созданных столетием ранее. Он до сих пор воплощает атмосферу французского двора 18-го века, когда любовницы и тайные романы были обычным явлением. Фрагонар «Украденный поцелуй» / Wiki Commons

10. Мадам де Помпадур в роли Дианы-охотницы — Жан-Марк Натье

  • Дата создания: 1746
  • Размеры: 102 x 82 сантиметра (40.

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован.