Рококо | История искусства
XVIII век в Западной Европе принято называть веком Просвещения. На смену старой культуре пришла новая культура философов, экономистов, литераторов. Все виды искусства достигают необычайного расцвета, особенно литература, музыка, живопись.
Особенно бурно обновляется жизнь во Франции. С началом нового, XVIII столетия совершенно очевидно обозначился процесс разложения французской абсолютной монархии. Смерть в 1715 году «короля-солнца», последнее десятилетие лишь формально сохранявшего могущество, была просто завершающим событием в том длинном ряду явлений, которые подготавливали приход нового века, а с ним и новых веяний в искусстве.
Начало регенства герцога Орлеанского, дяди будущего короля Людовика XV, было ознаменовано сменой строгого придворного этикета совершенно противоположной атмосферой: легкомыслия, жажды наслаждений, развлечений, роскоши не столь тяжеловесной, как в ушедшую пору, и жизненного распорядка, не столь торжественного. Но в этом бурном веселье, торопливом желании успеть насладиться была и доля бравады, тревоги, предчувствие краткости мгновения, неизбежности расплаты за бездумье, надвигающихся грозных бедствий.
Многое меняется и в искусстве. Король перестает быть единственным заказчиком произведений искусства, а двор — единственным коллекционером. Появляются частные коллекции, салоны. На долгие десятилетия Франция превращается в центр художественной жизни Западной Европы, в законодательницу всех художественных нововведений, она становится во главе всей духовной жизни Европы.
В первой половине XVIII века активно происходил процесс вытеснения религиозной культуры светской. Ведущим направлением в искусстве Франции стало рококо.
Зародился этот стиль при французском дворе и просуществовал около полувека. Стиль рококо — это позднее барокко, но был более легкий и игривый. Название произошло от французского слова «rocaille» (рокайль), которое означает модные тогда садовые украшения из камушков и раковин, а также сами камушки и раковины. Стиль рококо господствовал в оформлении внутренних помещений.
В эпоху рококо строили сравнительно небольшие и внешне простые здания — дворцы и жилые дома для одной семьи.
Стены их маленьких салонов и будуаров покрывали светлыми панелями или зеркалами, которые обрамляли декоративные изящные композиции из цветов, ветвей и листьев. Мягкие пастельные жемчужно-серые, золотистые или серебряные тона, блестящие плоскости зеркал, тихо позванивающие хрустальные люстры делали эти комнаты похожими на музыкальные шкатулки. Часто предметы и украшения имели капризно ассиметричную форму. Повсеместно использовался мотив раковины — это часть поверхности стены или предмета в резной раме причудливо извилистых очертаний.
В моду вошли также всевозможные украшения в китайском вкусе, это были подражания изделиям китайского художественного ремесла, завезенным в Европу.
Обитые светлыми тканями стулья и кресла с выгнутыми ножками, легкие маленькие комоды, секретеры и другие предметы обстановки напоминали игрушки. И женщины, и мужчины носили шелковые одежды нежных тонов, кружева и напудренные парики, у женщин — с завитыми в спирали локонами, у мужчин — с косичками.
Дамы затягивали талию до предела, а широченные юбки напоминали сноп. Такую неудобную одежду могли носить только люди, не занятые никаким трудом. Именно такую жизнь — праздную, беззаботную и легкомысленную — изображали художники того времени.
В живописи предпочтением пользовались светлые тона — розовые, голубые, вибрирующий свет, таинственные пейзажные фоны; наряду с масляными красками часто пользовались пастелью. Особенно часто в картинах рококо изображали пастухов и пастушек. Но это не были изображения людей из народа, а условные пастушеские сцены, разыгранные переодетыми аристократами.
В скульптуре также господствовали легкость, мягкость и грация — долгой чередой повторяются купальщицы, путти и амурчики — божки любви в виде крылатых мальчиков.
Эпоха рококо принесла новые веяния и в пректирование парков. В противоположность симметричному и регулярному парку эпохи барокко, который называют французским, возник подражающий живой природе парк с извилистыми дорожками и как бы случайно разбросанными купами деревьев, т.
н. английский парк (хотя на самом деле эта идея возникла в Китае).
Эпоха рококо — Люди Роста
Век Рококо
Возникший первоначально как стиль в оформлении интерьеров, рококо зародился в начале XVIII века. Первые образчи- ки живописи в этой манере призваны были лишь дополнять интерьеры и имели скорее декоративный характер. Но вскоре утонченные, легкие, чувственные произведения вошли в моду, и на свет явился новый художественный стиль — рококо.
Конец XVI Iи XVIII век называют веком Просвещения или эпохой Разума, что вполне точно характеризует время открытий в науке, технике и искусстве, когда традиционные общественные структуры подверглись переоценке. Ученые и филосо- фы утверждали, что знания и здравый смысл могут избавить человека от предрассудков и религиозного гнета, которые несут с собой страда- ния и смерти миллионов людей в религиозных войнах. Подобные взгляды широко распространились благодаря изданию энциклопедий. Книгопечатание сделало знания доступными, горожане покупали книги и памфлеты, что способствовало развитию независимости мысли.
Социальные, политические и интеллектуальные реформы, ставшие результатом этого процесса, давали людям надежду на будущее, что, безусловно, повлияло на ситуацию в изобразительном искусстве.
В этот период политическая обстановка в Европе и Америке была менее напряженной, чем в предшествующее столетие. Философы выдвигали идеи личной свободы человека и демократии, а богатые люди открыто наслаждались своим положением, не испытывая более чувства вины, порождавшегося прежде религиозными представлениями. Стиль рококо стал видимой демонстрацией оптимизма того времени. Он обращался к чувствам, а не к разуму, подчеркивая превосходство красоты над философией.
Рококо назвали «французским стилем», по месту его зарождения.
Великолепный дворец Людовика XIV (1638–1715), нарочито роскошный Версаль, породил идею, что искусство может просто служить украшением, а не воспитывать или обучать. Его наследник, Людовик XV (1710–1774), тоже окружил себя невиданной роскошью, но под влиянием своей фаворитки мадам де Помпадур (1721–1764) предпочитал более изысканный стиль.
И декора- тивное искусство, и живопись отличали легкость
и игривость. Никаких скрытых намеков, никакого морализаторства. Подобного рода художественные перемены стали модными сначала при дворе, потом среди высшей французской аристократии, а следом новое течение овладело умами буржуазии. Исторические и религиозные сюжеты уступили место романтическим сценам, мифологическим и вымышленным картинам, легкомысленным зарисовкам повседневной жизни.
Рококо описание
Декоративность и легкость достигались изяществом рисунка, мягкими пастельными цветами и искусной манерой письма. Изысканные произведения живописи и скульптуры идеально дополняли архитектурные шедевры и прекрасные интерьеры. Сохранив некоторые сложные формы и достижения барокко, стиль рококо был, разумеется, менее масштабен, но все же имел и собственные отличительные черты — восточные мотивы, асимметричность композиции. После 1730 года, благодаря распространению гравюр и путешествиям знати, стиль проник за пределы Франции — в Италию, а потом и в другие страны Европы и в Америку.
tes galantes,«идиллическим сценкам», где элегантные дамы и господа отдыхают или действуют в неких воображаемых обстоятельствах. Любимый художник Людовика XV Франсуа Буше (1703–1770) прославился идиллическими работами на классические темы, аллегориями и портретами. Оноре Фрагонар (1732–1806) иллюстрировал новый стиль утонченными, яркими, игривыми полотнами, идеально отобразившими жизнерадост- ность и беспечность французской аристократии накануне революции. Жан Батист Симеон Шарден (1699–1779) зафиксировал в деталях жизнь французской буржуазии, хотя его работы все же менее декоративны, чем живопись рококо в целом. Творчество
Элизабет-Луизы Виже-Лебрен (1755–1842) испытало на себе влияние рококо, особенно заметно это в портрете Марии-Антуанетты — мягкие непринужденные мазки, выбор цветовой палитры. Этьен Морис Фальконе
(1716–1791) изваял изящные асимметричные статуи, изображавшие радость и любовь. В Англии элементы рококо проявлялись в творчестве сэра Джошуа
Рейнольдса (1723–1792), Томаса Гейнсборо (1727–1788) и Уильяма Хогарта (1697–1764).
В Италии Джанбаттиста Тьеполо (1696–1770) прославился своими потрясающими росписями и фресками, а Каналетто (1697–1768) и Франческо Гварди (1712–1793) — великолепными светлыми пейзажами в стиле рококо, где тщательно выписана каждая деталь.
Впрочем, период рококо длился недолго. Уже к концу XVIII века в Германии его высмеивали, называя Zopf и Perucke («косички» и «парики»), и вскоре стиль совсем вышел из моды, уступив место строгим античным стилизациям неоклассицизма.
Франция 18-го века — Рококо и Ватто
Франция 18-го века — Рококо и Ватто
Обзор
В 1715 году французы впервые за семьдесят два года приветствовали нового короля. Людовик XV, пятилетний мальчик, стал преемником своего прадеда Людовика XIV, Короля-Солнце, который сделал Францию выдающейся державой в Европе. В течение следующих восьми лет племянник покойного короля, герцог Орлеанский, правил страной в качестве регента. Его аппетит к красоте и живости был хорошо известен, и он отказался от благочестия, навязанного Людовиком XIV в Версале.
Франция отказалась от имперских устремлений, чтобы сосредоточиться на более личных и приятных занятиях. По мере того как политическая жизнь и личная мораль ослабевали, изменения отражались в новом стиле в искусстве, который был интимным, декоративным и часто эротичным.
Стиль рококо
Стремление Людовика XIV прославить свое достоинство и величие Франции было хорошо удовлетворено монументальными и формальными качествами большей части французского искусства семнадцатого века. Но члены следующего двора стали украшать свои элегантные дома более легкой и изящной манерой. Этот новый стиль известен с прошлого века как «рококо», от французского слова rocaille , обозначающего украшение сада из камней и ракушек. Впервые появившись в декоративно-прикладном искусстве, рококо подчеркивал пастельные тона, извилистые изгибы и узоры на основе цветов, лозы и ракушек. Художники обращались от высокопарности к чувственным поверхностным удовольствиям цвета и света, от тяжелых религиозных и исторических сюжетов — хотя они никогда полностью не игнорировались — к более интимным мифологическим сценам, видам повседневной жизни и портретной живописи.
Точно так же скульпторы все чаще применяли свои навыки к небольшим работам для оценки частных покровителей.
После Джан Лоренцо Бернини , Людовик XIV , c. 1700 г., бронза, Коллекция Сэмюэля Х. Кресса, 1943.4.87
1 из 11
Антуан Ватто и Галантный праздник
подход и пристальное наблюдение — Антуан Ватто объединил их в нечто новое.
Родившийся недалеко от фламандской границы, Ватто находился под влиянием тщательно описанных сцен повседневной жизни, популярных в Голландии и Фландрии. Приехав в Париж в 1702 году, он сначала зарабатывал на жизнь копированием этих жанровых картин, содержащих нравоучительные послания, не всегда до конца понятные французским коллекционерам. Он работал у художника театральных сцен и познакомился с итальянским комедия дель арте и ее французские подражатели. Стандартные персонажи этих широко нарисованных импровизированных комедий часто появляются на картинах Ватто, а мир театра вдохновлял его смешивать реальное и воображаемое в загадочных сценах.
Благодаря работе с модным декоратором в стиле рококо Ватто в конечном итоге привлек внимание покровителей и известных художников. Он начал обучение в официальной Королевской академии живописи и скульптуры, членство в которой было необходимо для выполнения важных поручений, и получил доступ к новым коллекциям произведений искусства, собираемым аристократами и представителями растущей буржуазии. Под влиянием его изучения Рубенса и художников венецианского Возрождения Ватто разработал свободную, тонкую технику живописи и вкус к теплым, мерцающим цветам.
В 1717 году «шедевр» Ватто, представленный для поступления в Академию, был принят как «галантный праздник». В этой новой категории Академия признала новизну его работы. Немедленная популярность этих садовых сцен, в которых аристократические молодые пары встречаются в любовных занятиях, позволяет предположить, насколько хорошо fête galante соответствовал духу поиска удовольствий начала восемнадцатого века. Гравюры сделали сюжеты и манеру Ватто широко известными.
Хотя лирическая тайна его собственных работ оставалась уникальной, другие художники, специализировавшиеся на fête galante , особенно Патер и Ланкре, также пользовались международной популярностью.
Антуан Ватто , французский, 1684–1721, Галантный праздник с сокольниками , ок. 1711-1712, красный мел по графиту на верже, Дар Нила и Ивана Филлипсов, 1988.1.1
2 из 11
Церера, римская богиня урожая, окружена знаками летнего зодиака: Близнецы, Рак, и Лео. Это одна из четырех картин времен года в мифологических одеждах, которые Ватто написал для дома Пьера Кроза. Никто из остальных не выживает.
Ватто некоторое время жил в доме Кроза, изучая внушительную коллекцию произведений искусства богатого банкира, особенно работы Веронезе. Мерцающая яркость и живые пастельные тона Цереры отражают влияние венецианской художницы и смягчают ее крупную фигуру и формальную позу.
Ватто, вероятно, был представлен Кроза Шарлем де Ла Фоссом, известным художником и признанным членом Академии, и вполне вероятно, что Ватто написал Цереру по эскизам, сделанным художником старшего возраста.
Их сотрудничество стоит на переходе между монументальными формами предыдущего века и рококо.
Антуан Ватто , Франция, 1684 — 1721, Церера (Лето) , ок. 1717/1718, холст, масло, Коллекция Сэмюэля Х. Кресса, 1961.9.50
3 из 11
Труппа популярной итальянской комедии ( commedia dell’arte ) собирается на сцене, возможно, на занавесе. В центре неловко стоит уязвимая фигура Пьеро, простодушного камердинера и неудачливого любовника, который был самым человечным из стандартных персонажей комедии . Скарамуш, хвастун, представляет его, в то время как другие персонажи общаются вокруг странно неподвижного Пьеро.
Блестящий рисовальщик, Ватто часто рисовал друзей в театральных костюмах. Возможно, здесь нарисованы их лица, а не лица актеров. Было высказано предположение, что фигуры иллюстрируют переход от юности слева к старости справа или что меланхоличный Ватто видел себя в грустном Пьеро. Намерение Ватто состояло в том, чтобы вызвать настроение, а не просто описать сцену, и его величайшие картины, такие как эта, остаются загадочными и странно острыми.
Итальянские комедианты была одной из последних работ Ватто. Большую часть своей жизни он путешествовал в 1719 году в Англию для лечения у модного врача Роберта Мида. Эта картина, вероятно, была платой доктору. К сожалению, вскоре после этого Ватто умер от туберкулеза, ему не было и тридцати семи лет.
Антуан Ватто , Франция, 1684–1721, Итальянские комедианты , вероятно, 1720, холст, масло, Коллекция Сэмюэля Х. Кресса, 1946.7.9
4 из 11 элегантные молодые парки
7 флиртуйте, танцуйте и вступайте в задушевную беседу, у каждой пары есть «эпизод» в процессе ухаживания. Их анекдотический характер делает картины Патера менее двусмысленными, чем загадочные работы Ватто, которые современник критиковал как «бессюжетные».
Патер учился у Ватто, который признался, что был нетерпеливым мастером, и принял его поручения после своей смерти. Преследуемый страхом бедности, Патер работал непрестанно, но также довольно механически, повторно используя группы фигур и мотивы от одной картины к другой.
Он был принят Академией как художник «современных предметов», и более шестисот из его galantes сохранились до наших дней.
Несколько поз на этой картине и незаконченная картина Патера На террасе можно проследить до фламандского художника семнадцатого века Питера Пауля Рубенса, чьи работы можно было увидеть в Париже в 1700-х годах. Темное платье женщины справа, модное в предыдущем столетии, и садовая скульптура Венеры, подчеркивающая направленность картины на любовь, также отражают его влияние. Но Патер, в соответствии со вкусами рококо, усовершенствовал массивные фигуры Рубенса. Они собраны в изящные группы, их тонкие шелка окрашены прохладными пудровыми красками, нанесенными перистыми мазками.
Жан-Батист Жозеф Патер , французский, 1695-1736, Fête Champêtre , c. 1730 г., холст, масло, Коллекция Сэмюэля Х. Кресса, 1946.7.19
5 из 11
Будучи молодым художником, Буше гравировал работы Ватто для публикации. Гравюры, подобные его, часто с добавлением стихов, распространили стиль рококо по всей Европе.
Сам Буше стал самым модным художником Франции под покровительством мадам де Помпадур, могущественной фаворитки Людовика XV, чьи утонченные вкусы влияли на французское искусство в течение двух десятилетий. Возможно, именно муж или брат женщины на этой картине познакомил молодого художника со своим будущим покровителем.
Из более чем тысячи картин, созданных Буше, только около двадцати являются портретами. Современники отмечали, что художнику было трудно уловить сходство, что в 1700-х годах считалось менее серьезным для женских портретов, чем для мужских, поскольку лесть могла заменить правдивость. Бледные цвета, богатые ткани и деревенский оттенок соломенной шляпы типичны для стиля Буше. В нем запечатлено изящество изнеженного образа жизни, в котором, как заметил современник, «нам действительно нечего делать, кроме как искать приятных ощущений и чувств».
Франсуа Буше , Франция, 1703–1770, Мадам Бержере , возможно, 1766, холст, масло, Коллекция Сэмюэля Х.
Кресса, 1946.7.3
6 из 11 художников, последовавших за Ватте
7 900 Ланкре был самым талантливым и изобретательным. Скорее соперник, чем подражатель, он был принят в Академию как художник galantes , но также создавал исторические и религиозные картины — и портреты, особенно актеров и танцоров.
В этом вдохновенном гибриде Ланкре создал такой портрет в элегантном саду galante . Словно в центре внимания, знаменитая танцовщица Ла Камарго разделяет па-де-де со своим партнером Лавалем. Их обрамляет пышная листва, которая словно вторит их движениям. Мари-Куппи де Камарго (1710–1770) широко хвалили за ее чуткий музыкальный слух, воздушность и силу. Вольтер сравнивал ее прыжки с нимфами. Мода и прически были названы в ее честь, и ее реальный вклад в танец был значительным. Она первой укоротила юбки, чтобы можно было в полной мере оценить сложные шаги, и некоторые думают, что она изобрела туфли с носками.
Николя Ланкре , Франция, 1690 — 1743, Танцы Ла Камарго , c.
1730 г., холст, масло, Коллекция Эндрю В. Меллона, 1937.1.89
7 из 11
Любовное письмо было заказано самой мадам де Помпадур. Любовница короля заказала его и сопутствующую картину для своего замка в Бельвю, где они, вероятно, висели над дверными проемами, встроенными в изогнутые овальные рамы. Позже по углам были добавлены куски холста, чтобы сделать эту картину прямоугольной.
Сцена представляет собой пасторальную идиллию. Юные «пастушки» носят тонкие шелка, и современный зритель понял бы эротическое обещание в демонстрации розовых пальцев на ногах. Идеализированные видения деревенской жизни были обычным явлением на сцене и в реальных маскарадах. Дени Дидро, пренебрегая легкомыслием сцен Буше, жаловался: «Неужели я никогда не избавлюсь от этих проклятых пасторальей?» Тем не менее энциклопедист, который был влиятельным критиком, также оценил великолепие картины Буше, в которой запечатлены светящиеся цвета раковин, бабочек и полированных камней — предметов, которые художник собирал, чтобы скопировать их хрупкую радужность.
Франсуа Буше , французский, 1703–1770, «Любовное письмо» , 1750, холст, масло, коллекция Timken, 1960.6.3
8 из 11
богиня охоты Диана крадется сквозь лунный свет, чтобы поцеловать спящего пастуха Эндимиона, которому боги даровали вечный сон, чтобы сохранить его красоту и молодость. Диана и Эндимион был написан, когда Фрагонар был еще студентом Академии и находился под сильным влиянием Буше, который был его учителем. Это была одна из нескольких мифологических виньеток, действие которых происходило в разное время дня; на другом изображена восходящая Аврора (Рассвет). Обе композиции, написанные как украшения над дверью, были основаны на рисунках, которые Буше сделал для гобеленов Бове. Несмотря на сходство с работами старшего художника, Диана и Эндимион уже демонстрируют важные элементы того, что станет собственным стилем Фрагонара: насыщенные цвета и плавное обращение с краской.
Жан-Оноре Фрагонар , француз, 1732 — 1806, Диана и Эндимион , ок.
1753/1756, холст, масло, коллекция Timken, 1960.6.2
9 из 11
Костюмы и обстановка здесь предполагают маскарад, возможно, в Венеции. Однако, как и изображенное элегантное и загадочное трио, картина остается загадочной. Его приписывали многим разным художникам, совсем недавно Ле Лоррену, малоизвестному художнику, который провел девять лет в Италии и был известен прежде всего как «художник руин». Ле Лоррен также проектировал интерьеры, мебель (в том числе неоклассическую сюиту на портрете Греза в коллекции Галереи) и декорации для публичных зрелищ (например, коронации Людовика XV). Морозные цвета и холодный, резкий свет на этой картине кажутся похожими на другие работы Ле Лоррена, но для сравнения существует несколько его работ. В конце концов он принял приглашение Екатерины Великой возглавить Академию художеств в Санкт-Петербурге и умер там всего через несколько месяцев после прибытия.
Луи-Жозеф Ле Лоррен , Франция, 1715-1759, Три фигуры, одетые для маскарада , ок.
1740-е годы, холст, масло, Коллекция Сэмюэля Х. Кресса, 1961.9.92
10 из 11
Широкие драпировки и тугой поворот головы создают движение и энергию в этом портретном бюсте. Слегка приоткрытые губы, просверленные зрачки и тщательно детализированные черты лица — линии вокруг глаз и рта — оживляют личность субъекта, который был советником Людовика XV и чей сын сражался в американской войне за независимость. И нарисованные, и скульптурные портреты того периода стремились запечатлеть больше, чем подобие натурщика, и Лемойн передал ощущение сильного характера и живого ума Кромо. Его объемные одежды являются условностью древней скульптуры и частично прикрывают его неформальное современное платье.
Жан-Батист Лемуан II , французский, 1704–1778, Жюль-Давид Кромо, барон дю Бур , ок. 1757 г., мрамор, дар Камиллы де Нушез, прямого потомка, и ее мужа, Джона Хэдли Кокса, 1985.39.1
11 из 11
рококо | История костюма
Значительный сдвиг в культуре произошел во Франции и других странах в начале 18 го века, известного как Просвещение, которое ценило разум выше авторитета.
Во Франции сфера влияния искусства, культуры и моды переместилась из Версаля в Париж, где класс образованной буржуазии приобрел влияние и власть в салонах и кафе. Таким образом, введенная новая мода оказала большее влияние на общество, затронув не только членов королевской семьи и аристократов, но также средний и даже низший классы. По иронии судьбы, самой важной фигурой, установившей моду в стиле рококо, была любовница Людовика XV мадам Помпадур. Она обожала пастельные тона и легкий, веселый стиль, который стал известен как рококо, а впоследствии стали популярными легкие полоски и цветочные узоры. К концу периода Мария-Антуанетта стала лидером французской моды, как и ее портниха Роза Бертен. Чрезвычайная экстравагантность была ее торговой маркой, которая в конечном итоге раздула пламя Французской революции.
Модные дизайнеры приобрели еще большее влияние в эту эпоху, поскольку люди изо всех сил пытались одеться в соответствии с последними тенденциями моды. В эту эпоху появились журналы о моде, изначально предназначенные для интеллектуальных читателей, но быстро привлекшие внимание низших классов своими красочными иллюстрациями и последними новостями моды.
Несмотря на то, что индустрия моды была временно разрушена во Франции во время революции, она процветала в других европейских странах, особенно в Англии.
В этот период развивался новый женский силуэт. Корзины или широкие обручи, которые носили под юбкой, выходящей вбок, стали основным продуктом. Чрезвычайно широкие корзины носили на официальных мероприятиях, а меньшие – в повседневной обстановке. Талии были туго стянуты корсетами, контрастировавшими с широкими юбками. Глубокие вырезы также стали обычным явлением. Юбки обычно открывались спереди, обнажая нижнюю юбку или нижнюю юбку. Втулки Pagoda возникли примерно на полпути через 18 -го века, которые были узкими от плеча до локтя и заканчивались расклешенным кружевом и лентами. В этот период было несколько основных типов платьев. У платья Ватто была свободная спина, которая становилась частью пышной юбки и облегающего лифа. Халат à la française также имел обтягивающий лиф с глубоким квадратным вырезом, обычно с большими ленточными бантами спереди, широкими корзинами и был щедро отделан всевозможными кружевами, лентами и цветами.
Английский халат отличался облегающим лифом с пышной юбкой, которую носили без корзин, обычно вырезали немного длиннее сзади, образуя небольшой шлейф, и часто вокруг выреза надевали какую-то кружевную косынку. Эти платья часто носили с короткими жакетами с широкими лацканами, созданными по образцу мужских редингот. Мария-Антуанетта представила сорочку
Женские каблуки стали намного изящнее с более тонкими каблуками и красивыми украшениями. В начале периода женщины носили волосы плотно прижатыми к голове, иногда припудренными или увенчанными кружевными платками, что резко контрастировало с их широкими корзинами. Однако волосы постепенно носили все выше и выше, пока не потребовались парики.
Мужчины обычно носили различные варианты одежды по-французски : пальто, жилет и бриджи. Жилет был самой декоративной деталью, обычно богато вышитой или украшенной узорчатыми тканями. Кружево жабо по-прежнему носили завязывая вокруг шеи. Бриджи обычно заканчивались до колен, под ними надевали белые чулки и туфли на каблуках, которые обычно имели большие квадратные пряжки. Пальто носили ближе к телу и не были такими юбочными, как в эпоху барокко. Их также носили более открытыми, чтобы продемонстрировать сложные жилеты. 9В этот период стали популярными шляпы 0200 Tricorne , часто обшитые тесьмой и украшенные страусовыми перьями. Парики обычно носили мужчины, предпочтительно белые. Стиль мужских волос 