Картина с изображением крупным планом предметов: Жанр живописи, картина с изображением крупным планом неодушевленных предметов, 9 (девять) букв

связанные кроссворды

1. Натюрморт
1. «мертвечина», интересующая не шакалов, а художников
2. Вид картины
2. Натюрморт
1. Жанр изобразительного искусства 9 букв
2. Картина, изображающая неодушевленные предметы 9 букв
3. Множество художников 9 букв
4. С французского буквально «мертвая природа». что это 9 букв

похожие кроссворды

1. Картина с изображением фруктов или цветов
2. Лучший сорт итал. камки с крупным узором
3. Корнеплод с крупным шарообразным сладковатым корнем светло-желтого цвета
4. Привилегии в византии, жаловавшиеся крупным земельным собственникам.
5. Корнеплод с крупным шарообразным сладковатым корнем
6. Ткань типа дама с очень крупным узором
7. Тропическое растение с крупным 6 букв
8. С большим , с крупным 6 букв
9. Командующий крупным соединением военных кораблей, эскадрой 7 букв
10. Командующий крупным соединением военных кораблей 7 букв
11. Бахчевое растение семейства тыквенных с крупным сладким плодом 4 буквы
12. Его долгое время считали самым крупным алмазом и называли его «браганца» 5 букв
13. Становиться крупным /3/5, крупнее 8 букв
14. С крупным 6 букв

Развитие речи детей через рассматривание иллюстраций и картин о природе

Loading…

Развитие речи детей через рассматривание иллюстраций и картин
                                                     о природе

          Основным методом развития речи в общении с детьми является метод свободного диалога, монолога, высказываний ребенка.

            Как же происходит развитие речи детей через изобразительное искусство?  Мир искусства многогранен. Одной из прекрасных граней является живопись.                                                                                                                           Живопись должна вызвать у детей эмоциональный отклик, интерес. 

        Выделяют три жанра живописи: натюрморт (знакомят детей младшего возраста, 3-4 лет), пейзаж (дети среднего и старшего возраста) и портрет (дети старшего возраста).

    Мир, который раскрывает натюрморт, т.е. «крупный план», — это мир человека и его взаимоотношение с предметами.

         На первом уровне, самом низком, ребенок радуется  изображению знакомых предметов, которые он узнал на картине, но еще не образу предмета.

        Второй уровень – это  когда ребенок начинает не только видеть, но и осознавать то, что видит (цвет, цветовые сочетания  предметов и явлений).

На третьем, самом высоком уровне дети старшего возраста  способны видеть форму и композицию, а так же понять  замысел художника.

Что рассматривают дети младшего возраста? Это однопорядковый (одновидовывй) натюрморт: только овощи, фрукты, ягоды, грибы, цветы  (Например: И.Репин «Яблоки», И.Левитан «Сирень»). На картине могут быть изображены предметы быта – посуда, инструменты,  разное питье (Например: В.Стожаров «Хлеб. Квас»).

К сюжетным натюрмортам можно отнести натюрморты с изображением птиц, зверей, человека или натюрморты с включением в них пейзажа (Например: Ф.Толстой «Букет цветов, бабочка и птичка»). Главными героями являются предметы, которые подаются «крупным планом», чтобы видеть всю красоту и яркость.

Первым натюрмортом  может быть натюрморт «Клубника» П.Кончаловского.

В предварительной  работе можно посмотреть с детьми, как растет клубника (земляника), как зреют на солнышке ягоды. Собрать немного спелых ягод, на тарелочку положить зеленые листочки, сверху ягоды. Полюбоваться, обратить внимание на сочетание красного, зеленого и белого цвета, понюхать аромат ягод, дать попробовать на вкус, прочитать стихотворение о землянике:

Я капелька лета на тоненькой ножке.                    Кто любит меня, тот и рад поклониться,

Плетут для меня кузовки и лукошки.                     А имя дала мне родная землица.

В этот день дети могут сделать аппликацию из готовых предметных форм (ягоды, листья, тарелочка). На следующий день рекомендуется рассмотреть картину. Воспитатель обращает внимание на художника, который увидел красивые ягоды и решил нарисовать их на картине. На столе  под открытым небом в белой глубокой тарелке много только что собранных красных, спелых, сочных ягод. И у каждой оставлен зеленый хвостик, чтобы было удобнее их брать. Рядом с белой тарелкой лежит большой зеленый листочек, а на нем несколько ягодок.  Он специально положил ягоды на зеленый листочек. От этого ягоды кажутся особенно красными, спелыми. Обратить внимание на то, что перед тарелкой лежит веточка с ягодами, чтобы полюбоваться этими красивыми капельками.

Предложить нарисовать крупные красные ягоды с зелеными хвостиками.

Второй вид жанра живописи – это пейзаж  (фр. слово – местность, страна). Он  является одним из самых эмоциональных и лирических жанров изобразительного искусства.

ПЕЙЗАЖ

Если видишь: на картине                   Или снежная равнина,

Нарисована река,                                 Или поле и шалаш,

Или ель и белый иней,                        Обязательно картина

Или сад и облака,                                 Называется «пейзаж».          М.Яснов

Предметом изображения является  природа, ее свойства (время года, суток, погода).

Знакомить детей с пейзажной живописью начинают с  4-5-летнего возраста (средняя группа). Дети рассматривают пейзажи, в которых ярко представлены  сезонные проявления природы (осень, зима, весна, лето, сельский, городской пейзажи). Какие картины предлагают нам для рассматривания в данном возрасте?

— Осенняя тематика. Это рассматривание картин И.Левитана «Золотая осень», «Золотая осень. Слободка».

— Зимняя тематика.  Это рассматривание картины И.Шишкина «Зима» .

— «Весна пришла».  Рассматривание картины А.К. Саврасова «Грачи прилетели».

Детям старшего дошкольного возраста (5-6 лет) можно предложить не только пейзажи времен года, но и изображение  природы в сезонных состояниях  (начало осени, золотая осень, поздняя осень), а также пейзажи, которые дети не наблюдали, но знания,  о которых  могут получить из других источников:  литературы, кино (морской, горный, пейзажи).

Усложняются и выразительные средства живописи – колорит, композиция, рисунок самой картины. Например: «Осенние мелодии». Сравнительное  рассматривание трех репродукций художественных  картин «Золотая осень» художников И.И.Левитана, В.Д.Паленова, И.Остроухова. Тема одна « Осень», но подход разный. Во всех картинах чувствуется легкая грусть прощания с летом, теплом и солнцем, с осыпающейся листвой деревьев, увядающей травой. Можно рассмотреть теплые тона красок. Как замечательно сказал об этом А.С.Пушкин:

Унылая пора! Очей очарованье!

Приятна мне твоя прощальная краса –

Люблю я пышное природы увяданье.

Зимние напевы. Какая она зимушка-зима? Беседа и рассматривание картин «Сказка инея и восходящего солнца» И.Э.Грабаря (картина красочная, яркая), «Зима» И.И.Шишкина (чувствуется спокойствие, природа спит).

Через рассматривание картины необходимо развивать речь детей. Именно словом необходимо  описать картину, увидеть и отметить особенности пейзажа (цветовую гамму (колорит), формат полотна (горизонтальный, вертикальный), построение плана (близко-далеко), выделить главное.

На что необходимо обращать внимание в процессе развития речи через рассматривание иллюстраций, картин о природе?

1. На подбор методов, приемов для создания интереса, мотивации к речевой деятельности детей с первых минут занятия и обеспечивать сохранение до окончания занятия (использование стихов, сюрпризных моментов, прослушивание музыки).
2. Обращать внимание на формирование умений по составлению рассказов по картине; обогащение словаря и формирование грамматического строя речи детей в процессе работы с картиной (включать в занятия игры, задания, «тренировочные» упражнения).
3. После прослушивания рассказов предлагать детям выбрать лучшие рассказы и объяснить свой выбор.
4. Всегда предлагать детям четкий план рассказа или образец рассказа воспитателя.

      Какие смысловые ошибки в развитии речи допускают дети при рассматривании  и составлении рассказов по картине и иллюстрациям?

      1.Дети затрудняются в установлении связей между предметами, действиями, явлениями.

      2.При рассказывании всегда требуют помощи взрослого, повторяют рассказы товарищей.

      3.Беден словарный запас (необходимы упражнения, дидактические игры, например: густой лес, он же дремучий, непроходимый, темный; Что делает медвежонок? (идет, подбирается, крадется). Какой медведь? (доверчивый, несмышленый, глупый).

4. Не всегда дают правильный ответ на поставленный вопрос. Поэтому следует задавать наводящие вопросы.
5. Не пользуются планом рассказа воспитателя, не используют разные варианты ответов.

Рассмотрим картину И.И.Шишкина «Зима» в среднем и старшем возрасте.

Программные задачи в средней группе: Вызвать у детей радостные чувства от прихода красавицы-зимы, эмоциональный отклик на настроение картины, воспоминания о собственном опыте восприятия  зимнего пейзажа. Обогатить речь эмоционально-эстетическими терминами.

Подготовительная работа: Наблюдение зимних пейзажей на иллюстрациях, репродукциях картин художников, чтение, разучивание стихов о зиме, пение песен.

Ход занятия: Воспитатель и дети беседуют о зиме. Дети говорят признаки зимы, о том, что ждали белоснежную красавицу, наблюдали как падал первый снег, усыпая землю. Рассматривали снежинки. Какие они? (холодные, разные, нарядные). Снег белым пушистым ковром покрыл  всю землю. Какой снег в мороз? (скрипучий, сыпучий, легкий, пушистый, он сверкает, искрится на солнышке, хрустит под ногами). Снег даже пахнет. Чем? (запахом мороза). Художники, композиторы,  поэты писали о зиме свои произведения, они любуются этим временем года. Вот как сказали поэты о зиме:

Здравствуй, гостья зима!                  Здравствуй, русская молодка, раскрасавица-душа,           

Просим милости к нам                      Белоснежная лебедка,         

Песни севера петь                             Здравствуй, матушка-зима!      (П.Вяземский)  

По лесам и степям.  (И.Никитин)

Воспитатель:

— Вот мы отправляемся в сказочный лес (использовать игровой момент, колдовство). Предложить рассмотреть картину «Зима» И.И.Шишкина и приступить к беседе по картине.

— Что вы слышите? (тишину).

Тишина! – шепнула белая поляна,

Тишина! – вздохнула, вея снегом, ель.                                 С.Черный

— Что еще вы слышите? (вот упал снег с ветки и снова тишина), предложить постараться пофантазировать.

— Чем пахнет снег в лесу? (морозом, корой деревьев, ароматом леса).

— Как в лесу? (свежо, холодно, морозно).

— Какой лес? (дремучий, большой, непроходимый).

Дети описывают деревья:

— Огромные ели, ветви расположены высоко и маленькие елочки, покрытые снегом.

— А что это лежит под снегом? (упавшее дерево).

— Много ли снега в лесу? (очень много).

— Какой он? Какого цвета? (пушистый, белый, еще чуть голубоватый, а где попадает солнце, снег окрашен в желтоватые тона).

— Мы с вами стоим близко к деревьям, поэтому вершин деревьев не видим.

— Посмотрите внимательно: есть ли в лесу еще кто-то живой? (увидели птицу).

— Она, как и деревья, тоже словно заснула, задремала.

В старшем возрасте обращаем внимание на выразительность средств живописи: цветосочетание, рисунок, композицию построения картин. Развиваем эстетический вкус, обогащаем словарь детей  новыми терминами.

Ход занятия: Воспитатель проводит беседу об осени: «Отшумела ярко-желтой листвой золотая осень. Бирюзовое небо заволокли сизые, серые облака. Холодно, дождливо, грязно. О каком периоде осени я рассказала? (о поздней осени). Прошел и ноябрь. Короткие серые дни,  леса стоят полупустые «грустят по птичьим голосам», но –

Вот север, тучи нагоняя,                                    

Дохнул, завыл – и вот сама                              

Идет волшебница зима.                      А.С.Пушкин.               

— Начинает зиму декабрь. Он очень капризный месяц: выпавший снег смывается неожиданным дождем, ветра наметают сугробы. Меняется наше настроение: выпавший снег радует нас своей белизной, то вдруг растает и становится грустно, тоскливо.  Вот опять повалил густой, пушистый снег, становится радостно, весело, празднично:

Белый снег пушистый                                   И под утро снегом

В воздухе кружится                                       Поле забелело

И на землю тихо                                             Точно пеленою

Падает, ложится                                              Все его одело.                  И.Суриков

    — Рассмотрим картину  И.И.Шишкина «Зима».

    — О чем картина? (о зиме в лесу).

    — Что порадовало художника? (красота зимнего заснеженного леса, укутанного толстым слоем пушистого снега).

    — Какой лес? (старый, дремучий, непроходимый  – «еловый бор»).

    — Какие ели? (огромные, с мощными толстыми стволами, ветви качаются высоко наверху. Это лесные богатыри).

    — Чуть дальше, что мы видим? (частый лес, чащобу – не проберешься сквозь нее).

     — Что мы видим под снегом на земле? (огромные стволы упавших старых деревьев. Кое-где стволы елей уже наклонились, но еще не упали).

     — Есть ли тут маленькие елочки и кусты? (да, они чуть виднеются из-под снежных шубок).

     — Что больше всего привлекло внимание художника? (снег в этом еловом лесу).

      — Какого цвета снег? (коричневато-белый – это от коричневых стволов деревьев, а где глубокие тени, он еще и голубоватый. В просвете между деревьями  луч  солнца осветил запушенные ели, окрасив снег в желтоватые тона).

     — Как вы думаете, где стоял художник, когда писал картину? (он стоял очень близко к деревьям, поэтому и не видел их верхушек, а видел только стволы).

      — Художник хотел обратить наше внимание на то, что находится внизу. А внизу все погружено в тень.

       — Какая погода? (холодно, морозно и кажется, что все в этом лесу заснуло, замерло, даже воздух застыл).

      — А какая стоит тишина? Вы чувствуете?  (ничто не шелохнется):

Чародейкою зимою                           И под снежной бахромою,

Околдован, лес стоит –                     Неподвижною, немою,

                                                                         Чудной жизнью он блестит.          (Ф.Тютчев)                       

        — Видите вы кого-нибудь в этом сонном лесу? (птицу, и  кажется, будто она заснула).

        — Картина тихая, спокойная.  (Дети слушают отрывок из пьесы А. Вивальди «Зима»).

      В старшем возрасте рассматриваются  понятия как линия горизонта, формат картины.

Формат картины имеет большое значение для создания художественного образа, для передачи главной мысли художника, его чувства и переживания.

 Горизонтальный формат полотна передает спокойствие, тишину, задумчивое лирическое настроение.

Вертикальный формат полотна позволяет передать величие, стремление вверх, значимость, стройность объекта. Необходимо развивать у детей умение высказываться по поводу увиденного, используя образные слова, выражения.

Например: Картина Грабаря «Февральская лазурь» вертикального формата.

— На что хотел обратить внимание художник? (на красоту белых берез на фоне февральского ярко-голубого неба). Он писал: «Когда я взглянул на березку снизу, с поверхности снега, я обомлел от открывшегося передо мной зрелища фантастической красоты: какие-то перезвоны и перекликания всех цветов радуги, объединенных голубой эмалью». Можно включить отрывок пьесы «Февраль. Масленица» из цикла «Времена года» П.И. Чайковского.

Таким образом, для пейзажной живописи характерны свои средства выразительности, свой язык. Мы, педагоги, должны помочь детям глубже понять тот или иной художественный образ, понять смысл картины, то, что хотел донести до нас художник, почувствовать настроение. Научиться наслаждаться цветовой гаммой, игрой красок, их оттенками.

 /uploads/3000/2396/section/262343/Rassmatrivanie_kartin.doc?1498150446538

Урок ИЗО «Изображение предметного мира – натюрморт». 6-й класс

Цель: познакомить учащихся с многообразием форм изображения мира вещей в истории искусства.

Задачи:

• учить анализировать форму сложных предметов;
• учить видеть целое раньше его частей, соотносить целое и его части;
• обучать основам композиции и правилами построения натюрморта;
• развивать воображение и графические навыки; развивать индивидуальные творческие способности;развивать речь ,умение общаться;
• знакомить с картинами великих художников;
• воспитывать чувство коллективизма и прививать аккуратность при работе; добиться максимальной работоспособной обстановки на уроке.

Здоровьесберегающая цель: создавать на уроке условия, способствующие сохранению физического и психического здоровья учащихся.

Тип урока: комбинированный.

Оборудование: картон; педагогический рисунок; рисунки-схемы; тренажёр для глаз; репродукции натюрмортов ; ТСО; ,учебник. 111 цветная бумага клей ножницы.

Слова на доске:натюрморт, композиция.

Художники: Караваджо, Стожаров, Петров-Водкин, Шарден, Сезан, Матисс.

ХОД УРОКА

1. Оргмомент

2. Беседа по презентации «Изображаем натюрморт» (Приложение 1)

Учитель: Внимательно посмотрите на эти репродукции картин (Приложение 2) и скажите, что общего в них?

• Караваджо «Корзина с фруктами » (1)
• Стожаров «Натюрморт с яблоками» (2)
• Петров-Водкин «Розовый натюрморт» (3)

Дети: На них изображены предметы, фрукты, овощи, цветы.

– Картины на которых изображены предметы быта, овощи, фрукты, цветы называются натюрмортами. Прочитаем определение, которое дает нам БЭС:

НАТЮРМОРТ (франц. nature morte, букв. – мертвая природа), жанр изобразительного искусства (главным образом станковой живописи), посвященный изображению неодушевленных предметов (утварь, плоды, битая дичь, букеты цветов, атрибуты какой-либо деятельности и т.д.). (Большой Энциклопедический словарь)

Учитель: Посмотрите на натюрморт с хлебом художника Стожарова (4) какие предметы обихода вы видите? (Дети отвечают)
Учитель:

На доске схема рисуется или прикрепляется

– Итак, что же можно изображать в натюрмортах?

Дети читают схемы.

Натюрморты, написанные когда-то художниками, рассказывают нам не только о вещах. Они говорят о жизни и быте их владельцев, об их привычках.
Чтобы работа над натюрмортом была по-настоящему интересной и полезной, натюрморт должен быть хорошо составлен и правильно поставлен. Художник, изображая натюрморт, тщательно продумывает его композицию.

(прикрепляется слово)

Каждый натюрморт имеет определенную тему.

Размещение предметов должно быть подчинено единому замыслу.

Интересно смотрятся натюрморты в которых предметы тематически подобраны и родственные по своему практическому значению Рассмотрим натюрморт с атрибутами искусств Шардена (7)
Что изобразил художник на столе? Какие предметы использует художник в своей работе?
Императрица Екатерина II заказала Шардену исполнить десюдепорт (наддверное живописное панно) для конференц-зала Академии художеств в Санкт-Петербурге. Картина изображает стол художника, на котором разбросаны вещи – атрибуты искусства. В центре композиции – статуэтка бога Меркурия работы Жана-Батиста Пигаля, она символизирует скульптуру. Искусство живописи представлено палитрой и ящиком для красок, архитектура – свитками чертежей и готовальней. Орденский крест, монеты и медали – это награды, которых художник удостоился в результате своего творчества. Все предметы Шарден писал исключительно с натуры, фигурка Меркурия реально принадлежала ему, как и кувшин, который можно обнаружить и на других полотнах. Книги, вероятно, – тоже автора, их присутствие в натюрморте как бы намекает, что художник должен быть образованным человеком.
Предметы в натюрморте не просто разбросаны или хаотично лежат как попало.

Лист можно положить горизонтально или вертикально.

Найдем центр в просмотренных нами натюрмортах.
Предметы в натюрмортах можно вписать в любую геометрическую фигуру. (8)
Например, «Натюрморт с омарами» Байерена вписывается в овальную фигуру. (9)
А другой натюрморт Шардена вписался в прямоугольник. (10)
«Натюрморт фарфоровым кувшином» Шардена (10) вписался в треугольник.

Некоторые картины написаны так, что можно мысленно продолжить ее и увести ее за рамки плоскости. На натюрморте Коровина «На пляже»(11) мы видим кувшин с розами тарелку с вишнями ,но наш взор не ограничивается столом, на котором они стоят ,мы видим и море и скалы и корабль,плывущий вдалеке. А вместе с ними ощущается летнее жаркое солнце
Предметы в натюрморте могут располагаться симметрично по отношению к центральной оси(12) ,а могут и ассиметрично –когда левая и правая половины картины неуравновешаны.(13)
В натюрморте важно, чтобы предметы не были разобщены, но и не загораживали друг друга.
Они должны взаимно подчеркивать и выделять друг друга.

3. Физкультминутка (Приложение 4)

4. Актуализация знаний

Рассмотрите натюрморты (Приложение 3 а, б, в, г)

1) Определите центр картины
2) На какой из картин лучше расположены предметы?
3) В какую фигуру вписываются предметы на рисунке а)?

5. Практическая работа

Взять листы цветной бумаги. Сложить пополам, вырезать из них вазы, кувшины, фрукты и т.п. Расположить так, чтобы предметы были расположены по-разному.
Во время практической работы учитель делает целевые обходы: 1) контроль организации рабочего места; 2) контроль правильности выполнения приемов работы; 3) оказание помощи учащимся, испытывающим затруднения; 4) контроль объема и качества выполненной работы.

6. Итог урока. Выставка работ

Учитель. Над каким изображением на картинах вы сегодня работали?
Дети. Над натюрмортом.
Учитель. Что представляет собой эта картина?
Дети. Картина с изображением крупным планом предметов: цветов, битой дичи, рыбы, утвари, то есть предметов неживой природы.
Учитель. Расскажите о своих натюрмортах.

Учитель. Натюрморт может многое рассказать зрителю, напомнить про солнце, про лето или другое время года, пробудить радость или грусть.

Определите заимствованные слова по их толкованию.1. Картина с изображением крупным планом

Хороший климат. По подежамсрочно ​

Раскройте скобки, расставьте пропущенные знаки препинания. Определите, где союзы связывают простые предложения, а где — однородные сказуемые. Укажите … разряды союзов. 1 Я (по)прежнему считаю что ты ошибся когда пересчитывал книги в шкафу. 2. Мы вышли прогуляться (по)зимнему парку но быстро замерзли и вернулись домой. 3. Ребята подошли (по)ближе к столу потому что хотели посмотреть как учитель выполняет опыт. 4. (По)английски он говорил плохо зато французский язык знал (по)настоящему хорошо. 5. Строители работали (до)темна зато ремонт наконец-то был завершен. 6. Пока солдаты сражались с французами (в)рукопашную конница обошла врагов с тыла. 7. Он не стал вглядываться (в)глубь так как испугался. 8. Бабушка не стала запечатывать пакет а просто перевязала его крест(на)крест тонкой бечевкой. 9. Она не заходила (в)глубь леса чтобы не заблудиться.

Помогите пожалуйста, опишите фотографию, и задания ​

Вставьте пропущенные буквы. Сверху укажите СПРЯЖЕНИЕ глаголов – оно подскажет вам букву в личном окончании, если оно БЕЗУДАРНОЕ! (Он) подыщ…т работу … , (он) дополн…т ответ, дыш…тся легко, засе…шь поле, обкле…шь обоями, вытр…шь насухо, колыш…тся знамена, народ бор…тся, снег та…т, все завис…т от обстоятельств, брод…шь по аллеям, он ненавид…т ложь, сказанного не ворот…шь, ты все мож…шь, солнце гре…т, окно заиндеве…т, слыш…шь все шорохи, хоч…тся выиграть. Проб_раться, соб_рут, разб_рать, отб_рет, заб_рется, выб_рать, прод_раться, д_рется, зам_реть от страха, ум_рающий, отм_рающие обычаи, уп_реться, зап_реть дверь, отп_рать замок, уп_рающийся, отп_реть, прот_рать, выт_реть, раст_рать, пост_лить, расст_лать, бл_стательный успех, бл_стеть, заж_гательный, выж_гать, Изл_гать, распол_жение, прил_гательное, прил_жение, сл_гаемые, сл_жение.

Задание 2. Спишите предложения. Выполните синтаксический разбор Определите, какими частями речи выражены дополнения, назовите падеж 1. Приметы осени в … о всем встречают взор. 2. Город украшает бульвар. 3. Альбом взял этот мальчик. 4. Кудри берез расчесывает ветер. 5. Капельки росы в траве зажигают первые лучи солнца. 6. Брат по почте мне прислал замечательный подарок. 7. Кирпичи носили каменщики. 8. Доклад мы поручили Пете. Помогите пожалуйста

как правильно формулировать существительное в падежах и так же как правильно просто сформулировать что то например: И.п триста пятьдесят три рубляР.п … ??? (вопросы по падежам я знаю но как правильно сформулировать я не знаю)​

Пожалуйста ( 3 и 4 )

Морфологический разбор глагола не трогал бы

Помогите пожалуйста ( 1 и 2 )

ПЖ ПЖ ПЖ СРОЧНО ПОМОГИТЕ​

Картина в подарок на заказ от компании «Мир Искусства». Как выбрать картину?

Мы любим радовать сюрпризами родных, любимых, коллег, друзей, детей. Но постепенно идеи для подарков заканчиваются и наступает тот самый момент, когда вы заходите в поисковую систему и спрашиваете, что же, все-таки, подарить. Есть лаконичный ответ — картина в подарок. Презент порадует людей разного пола, возраста. К любому увлечению можно подобрать соответствующую живопись. Не верите? Тогда прочитайте 10 причин, которые помогут вам убедиться в обратном.

1. Картина останется у своего владельца надолго. Она может украсить квартиру или дачный дом, рабочий кабинет или уютную гостиную. Картины хранятся годами, десятилетиями. Каждый раз, бросая на нее взгляд, человек вспомнит вас.
2. Каждый предмет искусства — хорошее денежное вложение. Со временем картины становятся более ценными. Это влияет на отношение к подарку и тому, кто его преподнес.
3. Красивый и качественный холст — говорит о том, что даритель имеет хороший вкус. Этим вы зарекомендуете себя и намекнете на то, что воспринимаете человека, как ценителя искусства, что будет лестно ему. Независимо от рода деятельности каждый хочет быть причастным к искусству. Кто знает, возможно с вашего подарка человек начнет собирать коллекцию живописи.
4. С помощью красок, цвета, света вы можете вызвать радость или ностальгию, восторг, восхищение, спокойствие или страсть. Эти живые эмоции остаются в памяти.
5. Подарок обрадует тех, кто любит украшать дом. Тематические изображения оживят гостиную и спальню, создадут уют в детской и украсят кухню. С помощью живописи можно сделать интерьер более гармоничным, расставить в нем правильные акценты.
6. Польза от картины — забота о зрении человека. Особенно это важно для тех, кто много читает, пишет, работает за компьютером или просто имеет проблемы с глазами. Когда человек переводит взгляд с близко расположенных предметов на те, что находятся подальше — его глазные мышцы возвращаются в нормальный тонус. Такие упражнения полезны и называются зарядкой для глаз. Просто переводить взгляд на пустую стену не так интересно, а вот если на ней висит картина — человек подсознательно будет делать это чаще. Офтальмологов поддерживают психологи и рекомендуют дарить человеку картины с изображением того, что ему нравится. Кого-то успокаивает морской пейзаж, кому-то больше по душе любимые цветы или животные. Результат один — душевное равновесие и приятные эмоции.
7. Согласитесь, приятно обладать вещью, которая существует в единственном экземпляре. Таким предметом может стать картина.
8. Универсальность картин — довод в пользу такого подарка. Есть сюжеты на любой вкус, возраст, для женщины или мужчины. Она порадует вашего руководителя, родителей, любимого человека или ребенка.
9. Подарив эксклюзивную вещь, вы покажете особенное отношение и уважение. Подарок оценят и запомнят. Картина — небанальный презент, она точно будет сюрпризом.
10. Картин никогда не бывает много. Подарите предмет, который уже есть у человека, и он запылится в шкафу. А вот для картины всегда найдется место.

Ну что, теперь вы согласны с тем, что лучшего подарка не найти? Скорее всего, теперь Вас занимает другой вопрос — как выбрать. Даем рекомендации, как не запутаться в выборе и какими правилами руководствоваться.

Как выбрать картину в подарок?

Лучшее правило — забудьте о правилах. Не “ведитесь” на фразы “каждая девушка оценит..” или “мужчинам точно понравится..”. Вы дарите подарок не просто представителю определенного пола или возрастной группы, а конкретному человеку с его вкусами и предпочтениями. Лучше ориентироваться на интересы человека и тогда вы порадуете его. Даем некоторые подсказки, по которым вы сможете ориентироваться.

Любители путешествий оценят пейзажи из тех мест, которые надолго задели их чувства. Подарите картину с изображением памятных мест и человек захочет отправиться туда снова. Картина может стать средством для визуализации желаний.

Если человек любит природу, дарите пейзажи, картины с животными или букетом цветов. Натуральные оттенки, свежесть и естественность вызовут у него приятные впечатления.

Авантюристам и любителям приключений подойдет морской или горный пейзаж. Природа на картине бывает разной. Талантливые художники передают настроение через оттенки, могут изобразить разную погоду, время суток и года. Сильные личности с волевым характером оценят интересный сюжет, историческую тематику. Любителей необычного обрадуют абстрактные изображения, игра оттенков и форм.

Если вы хотите сделать человеку приятно, но не знаете как — подарите его портрет. Только следите за качеством сходства. Портрет — беспроигрышный вариант. На нем может быть изображен человек за его работой или игрой на любимом инструменте, вдвоем с вами или с домашним питомцем, в своем привычном образе или нет.

Натюрмортом можно украсить дом или рабочее место. Выбирайте, исходя из интерьера и цветовой гаммы. То же касается подарков, которые вы дарите для рабочего кабинета.

Ваша главная задача — узнать о том, что занимает сердце человека, является его главной страстью и увлечением. Аргентинское танго или вальс? Подарите изображение танцующей пары. Конный спорт? Лошадь крупным планом или на фоне природы вызовет восторг. Проанализируйте, какое время года любит ваш друг, горы или море, ромашки или розы, котов или собак. Если что-то вызывает у него улыбку, картина с таким изображением вызовет настоящую радость.

Чтобы задуманное воплотилось, картина должна иметь высокое качество. Мы создаем картины, которые дарят от души. Каждый такой подарок — произведение искусства. Только качественные материалы, оформление и ответственная работа. Художник пишет картины в хорошем настроении и вкладывает в нее свои эмоции. Каждый заказ мы выполняем ответственно и в соответствии с пожеланиями клиента.

Экскурсионные материалы

Новая Третьяковка

   Новая Третьяковка представляет наиболее полную в нашей стране постоянную экспозицию отечественного искусства ХХ века во всем его многообразии – авангард, социалистический реализм, искусство «сурового стиля» и «андеграунда», новейшие течения.
   Здесь проводятся масштабные ретроспективы великих русских художников, открываются экспериментальные выставки молодых авторов.

                                      Залы 1-5. Ранний авангард
   Период раннего авангарда связан с таким направлением, как неопримитивизм – 1900-нач. 1910-х гг. Стремление вырваться из контекста уставшей цивилизации, желание обрести некое первичное восприятие.
   Одной из главных ценностей в искусстве раннего авангарда становится открытый яркий цвет, вызывающий мгновенную чувственную реакцию.
   Для русских художников важнейшим стимулом к увлечению примитивами послужила живопись французских постимпрессионистов, а также Матисса и Пикассо «африканского периода».
   В Москве центром всеобщего притяжения стали собрания Ивана  Морозова и Сергея Щукина с шедеврами французских мастеров.
   Под впечатлением от новейшей французской живописи художники обратили внимание на крестьянские иконы, магазинные вывески, лубочные картинки, расписные подносы и оценили их как подлинные изделия живописного искусства.
   Неопримитивизм как ведущее направление русского авангарда сложился на выставках объединения «Бубновый валет».
   Первая выставка «Бубнового валета» состоялась в Москве в конце 1910 г. и объединила многих представителей русского авангарда, включая Казимира Малевича и Василия Кандинского.
   Основу объединения составляли 2 группы: Машков-Кончаловский – Ларионов и Гончарова.
   В 1912 г. Ларионов организует выставку «Ослиный хвост».
   Машков и Кончаловский оставляют за собой название объединения и постепенно переходят от декоративного примитивизма к аналитическим традициям Поля Сезанна и кубистов. Поэтому в дальнейшем круг художников «Бубнового валета» получит второе название – «московские сезаннисты».
   Михаил Ларионов (1881-1964)
обладал неуемным темпераментом и постоянно был готов нарушать правила (вплоть до порнографических полотен). Вместе с Наталией Гончаровой создал своего рода исследовательскую группу по изучению примитива в самых разных его проявлениях. Лубок, древняя языческая скульптура, икона, деревянные резные игрушки, вывески и даже пряники – все вызывало интерес.
   Образный строй его искусства во многом определяет ирония и добродушная насмешливость.
   «Отдыхающий солдат».
   Мастер снижает образный строй почти до гротеска, акцентируя стихийное начало. Он снимает пафос темы служения отечеству, демонстративно превращает ее в своеобразный фарс эпатажного характера. Брутальное начало находит выражение и в живописной манере: художник словно демонстрирует ее нарочитую небрежность и резкость. На красноватой земле лежит крепкий парень. Рядом лопатка. Солдат курит самокрутку и держит кисет с махоркой. Поза – от античных «венер» — а тут грязные сапоги и выпяченный зад. При этом он похож на Степана Разина с картины Сурикова. На стене рисунки – женщина и животное – словно из солдатских казарм. Контрасты красного и синего – в этом эстетизм Ларионова, создающего сложные цветовые гаммы в самых разных примитивистских вариантах.
   Эпатажность и обращение к примитиву вызваны желанием уйти от штампа, от академического имиджа искусства и художника, освободиться от основной черты русской эстетики, ставящей искусство в позицию учителя жизни. Для того, чтобы творить новое искусство, необходимо раскрепостить свое собственное сознание, выйти за общепринятые рамки и ощутить себя свободным.
   Наталия Гончарова (1881-1962)
   Серия из 5 картин «Художественные возможности по поводу павлина» выполнена в разных стилях – китайском, футуристическом, египетском, кубистическом, в стиле русской вышивки. В композиции доминирует раскрытый хвост. Цветовое решение строится на контрастах, что производит эффект интенсивного свечения. Фигура птицы в профиль, а хвост развернут фронтально. Общая отсылка – к чему-то древнему и восточному.
   «Пьющие вино». Композиция напоминает каноническую сцену Тайной вечери, но невозможно понять, то ли на столе хлеб, то ли пасхальные яйца, тогда это весенняя пасхальная трапеза. Таким образом, здесь устанавливается связь между христианской и языческой обрядностью.
   Владимир Татлин (1885-1953)
   «Натурщица» — «Композиция из обнаженной натуры»,
То есть объект изображения – это всего лишь повод для построения композиции. Упругие лаконичные контуры.  Формы предельно упрощены и геометризированы – как у кубистов, однако без деформаций. Широкие белые мазки напоминают пробелы новгородских фресок.
   Нико Пиросмани (1862-1918)
   Легендарный художник-самоучка из Тифлиса.
   В нем увидели российский аналог Анри Руссо, имеющего культовый статус в среде французских кубистов.
   «Рыбак среди скал». Фигура – строго фронтальна наподобие святых образов, в окружении характерных иконных горок. Соломенная шляпа – как нимб. А глубокий синий цвет неба – как у художников итальянского Возрождения.
   Илья Машков (1881-1944)
   Для него значение имеют только энергия цвета и напряженность композиции.
   «Автопортрет». Образ предельно упрощен. Изгибы воротника повторяются в складках волн и парусах. Образ ироничен: автор представляет себя эдаким купцом-пароходчиком.
   «Дама с китаянкой».
   (Китаянка на декоративной восточной картинке в качестве задника).
   Разрушены все представления о хорошем вкусе и чистоте стиля. Здесь дикая смесь разнородных принципов: карикатурный Серов, утяжеленный Матисс, раздутый Ван Гог. Но Машков свободен, он действует как примитив – заимствует, огрубляет, обостряет, преувеличивает, добиваясь при этом интенсивности цветового звучания.
   Его натюрморты часто организованы по аналогии с декоративными росписями подносов.
   «Фрукты на блюде».
   Все предметы обобщены до цветового пятна, но каждый имеет контрастную обводку, усиливающую ощущение объемности. Главное цветовое пятно – в центре.
   В его творчестве ярко выражено радостное восприятие бытия.
   Натюрморт с тыквой –
это уже полностью натурная постановка. Здесь главное цветовое пятно сдвинуто влево.
Каждый цвет получает развитие в широком  диапазоне: от белого и лимонно-желтого до темной охры, от голубого и серого до фиолетового, от красного и розового до красного и коричневого.
   Машков – один из лучших колористов в истории русского искусства.
   Петр Кончаловский (1876-1956)
   «Семейный портрет».
   Художник изобразил себя, свою жену (дочь Сурикова), дочь Наталью и сына Михаила. Портрет был написан во время пребывания в Италии и навевает аналогии с фресковой живописью итальянского Возрождения. Фресковое, круговое построение. Все соотношения форм в картине трактуются как соотношения цветовых плоскостей. Застылость форм доведена до гротеска; художник использует характерный для древних культур прием разворота фигуры в разных ракурсах на картинной плоскости.
   «Сухие краски».
Вслед за кубистами использует коллажные вставки. Задает три уровня восприятия своего натюрморта: картина о красках  и краски присутствуют в ней в трех качествах и значения: в качестве физического материала, в качестве изображения и в качестве понятия – на этикетке. Материал – это яркие пятна несмешанных красок, желтое, красное, синее и зеленое. Все предметы создают своеобразную панораму, а синяя драпировка на заднем плане усиливает эффект глубины, ассоциируясь с небом.
   Аристарх Лентулов (1882-1943)
   Его картины всегда тяготеют к форме декоративного панно и строятся на комбинаторике больших цветовых плоскостей.
   «Автопортрет»
Игровой образ ярмарочного зазывалы и одновременно «великого художника» (второе название картины – «Великий художник»). Нарочитость в трактовке фигуры соседствует с с активной цветовой гаммой, придающей сияние «великому» образу – одновременно ироничному и пафосному.
   «Звон колоколов»
   Картина создана по мотивам древнерусской архитектуры (Лентулов был сыном приходского священника). Для своей картины Лентулов выбрал колокольню Ивана великого, а круги напоминают небесные сферы на древнерусских иконах и фресках.
   Темой картины становится даже не колокольня, а «звон» колоколов. Он гулко резонирует от стен и волнами расходится по картине. «Звон» пронизан динамикой прозрачных цветовых плоскостей, которые вращаются вокруг центра в калейдоскопическом ритме и буквально «звучат» в повышенных цветовых контрастах.
Синтез цвета и света.

                                        Классический авангард
                                             Залы 5, 6, 9.
   Классический этап в развитии русского авангарда связан с принципиальным отказом от изобразительных задач и формированием систем абстрактного искусства.
   В 1915 г. на выставке в Петрограде Казимир Малевич показал свою первую серию картин под общим названием «супрематизм живописи», понимая под «супрематизмом» высшую стадию в развитии современного искусства. Плоскость картины раскрывается как бесконечное пространство, в котором реализуются уже не образы, а живописные ощущения и живописные идеи.
   Василий Кандинский (1866-1944)
   «Озеро».
   Энергия цвета и отрыв от конкретики пейзажных мотивов.
   Пространственные планы опрокидываются и превращаются в диагонали. Композиция строится на контрасте верхней светлой и нижней темной зоны с перекличками отдельных цветовых акцентов. Белые лодки устремлены к центру картины и в сочетании с контрастными зонами создают мотив символического перехода из одного мира в другой. Гребная регата становится метафорой перемещения в иные миры.
   Абстрактный экспрессионизм Кандинского был альтернативой геоиетрическому супрематизму Малевича, и обе эти системы стали фундаментом развития многих направлений в искусстве ХХ века.
   Нумерованные композиции.
   Главное в них – наличие двух центров. Чтобы вырваться из привычной системы координат, Кандинскому потребовалось нарушить иерархии «верха и «низа», «центра» и «периферии», «главного» и «маргинального». Многие композиции выстраиваются по диагонали. Ни одна из форм не имеет четких границ и способна войти в орбиту других форм.
   Павел Филонов (1883-1941)
   «Композиция. Корабли».
   Темный прямоугольник полотна заполнен человеческими фигурами, фрагментами кораблей и домов с пустыми черными проемами окон. Фигуры людей будто вырублены из темного дерева или камня. Волны, омывающие корабли, больше напоминают тяжелые вязкие потоки, нежели морскую воду. И даже паруса не выглядят легкими и наполненными ветром. Воздух вообще исключен из тесного и темного мира картины. Все элементы погружены в поток, не имеющий направления. Не менее бессмысленными выглядят движения людей. Кисти рук изображены веерообразно. Это признак монотонного, тяжелого и глупого труда. Только два человека справа выделяются из общей толпы. Это странные наблюдатели в пальто и шляпах, спрятавшие руки в карманы.
   В колористическом решении последовательно раскрывается метафора тяжелого течения обыденной жизни.
   Филонов гранит формы голубыми, красноватыми и зелеными отсветами, уподобляя их кристаллам, но эти кристаллы вязнут в общем коричневом потоке.
   В своем стиле Филонов парадоксально сочетал эстетику кубизма и футуризма с натуралистическим восприятием (которое радикально отвергалось модернистскими направлениями).
   Марк Шагал (1887-1985)
   Марк Шагал привносит в искусство авангарда тему любви, берущую свои истоки в романтизме и символизме (кубисты и футуристы отвергали изобразительную лирику как проявление литературности, Кандинский пришел к идее «лирической абстракции» — чисто эмоциональной экспрессии, не привязанной к сюжетам и символам).
   Любовная лирика Шагала требует воображения, опыт авангарда дает ему возможность расширить пределы фантазии.
   «Над городом»
Художник сталкивает большие и малые величины, объединяя микрокосм провинциального городка (угадывается его родной Витебск), с макрокосмом, где происходит фантастический любовный полет. Герои – сам художник и его жена Белла. Они отрываются от земли, их темные фигуры сливаются в единое пятно на фоне неба.
Это бегство от земного? (См. фигура под забором). А мужчина – кто он: спутник или похититель? Полет над городом больше напоминает бегство от какой-то невидимой опасности. Полет совершается между сном и явью – в пространстве воображения. Появляется желание чуда и возможность его совершить.
   Казимир Малевич (1879-1935)
  В свободной интеллектуальной игре ищет универсальные законы и абсолютные эталоны живописного восприятия.
   «Черный супрематический квадрат».
   Одна из главных культурных икон ХХ века.
   Всего «черных квадратов» пять. В ГТГ – самый первый вариант 1915 г. и третий – 1929 г. Первые изображения квадратов появились в эскизах Малевича к опере «Победа над солнцем» 1913 г. Черный квадрат размещался в углу прямо под потолком, что сразу же вызывало ассоциации с иконами, располагавшимися в «красных углах» русских домов.
   Малевич унифицирует формы до состояния простых геометрических фигур. Их композиционное, цветовое и ритмическое расположение, по мысли художника, способно выразить основные жизненные ощущеенияч: динамика, статика, гармония, дисгармония, полет, зависание и т.д. В цветовом решении он ограничивается только основными цветами спектра. Это был самый радикальный опыт зрительной редукции (упрощения) в искусстве модернизма.
   Художник называл свою супрематическую систему «новым живописным реализмом»: «Наш мир искусства стал новым, беспредметным, чистым. Исчезло все, осталась масса материала, из которого будет строиться новая форма».
   Согласно идее Малевича, супрематизм завершает историю изобразительного искусства и открывает новую историю, в которой искусство освобождается от функций и задач, навязанных ему религией, культурой и обществом.
   Стороны квадрата неравны, фигура больше тяготеет к трапеции. «Черный квадрат» — это скорее экран. Пропорции рассчитаны таким образом, что фигура «зависает» между пространством и плоскостью. Квадрат вибрирует, сжимается в один момент восприятия и расширяется в другой. Малевич стремится проникнуть в «четвертое измерение», в котором сходятся время и пространство, а привычные законы гравитации уже не действуют.
   «Квадрат» отчасти воспроизводит форму икон, но не содержит никакого образа. Малевич предполагал, что его картины будут оказывать универсальное воздействие независимо от культурного и религиозного контекста.
  Освободить живописную форму означало освободить восприятие и, в конечном счете, освободить зрителя от влияния мира вещей и мира образов.
   Искусство беспредметное обращено прежде всего к интеллекту. Оно не рассказывает историй из жизни, не показывает знакомые картины мира, оно предлагает зрителю абстрактные картины мира.
   (Можно вспомнить легендарное соревнование художников в Древней Греции. Победителем должен был стать автор картины, которую трудно отличить от натуры. Победил Парасий, написавший черный занавес, закрывающий всю картину. Зрители попросили открыть полотно).
   Художник как бы закрывает черным экраном всю предшествовавшую историю искусства, сохраняя традиционную форму картины, где черное поле (черное – отсутствие цвета) обрамлено белой рамой (белое – слияние всех цветов).
  Любовь Попова (1889-1924)
   «Кувшин на столе»
Можно воспринимать как попытку создания промежуточной формы между живописной картиной и скульптурным рельефом.
   На толстой деревянной доске размещен белый кувшин, разрезанный на части. И это не живописная иллюзия, реальное тело кувшина составлено из выгнутых кусков, сильно выступающих над плоскостью.
   Использован прием светотеневой моделировки, На самых выступающих участках – чистые белила, а углубления заполнены темно-серыми, почти черными мазками.
   Композиция строится путем удвоения, фрагментации и сдвигов пластических форм.
   Александра Экстер (1882-1949)
   Панно «Венеция».
   Составляющие стиля – французский кубизм, итальянский футуризм и украинское барокко.
   По масштабам и особенностям композиционного построения «Венеция» напоминает театральный задник, но для театральной декорации это панно слишком активно по цвету. «Протекание» красочных плоскостей, разрывы и сдвиги в сочетании с тяжеловатой барочной патетикой создают ощущение напряженности и тревоги.
   В нижней части – крупная  надпись черным шрифтом  — «Мир тебе, Марк» (евангелист). Эти слова  — на гербе Венеции. Но мира уже нет.
   Город раскалывается на отдельные фрагменты, каждый из которых будто охвачен пламенем, вовлечен в динамику центробежных и центростремительных ритмов, заданных группой светящихся сфер в центре картины.
   В панно «Венеция» фантастический театр эпохи модерна и авангарда превращается в театр военных действий.
   Первая мировая война развеяла грезы о золотом веке и чистом искусстве.
   Именно война обозначила разрыв между классическим авангардом и последующей эпохой конструктивизма – искусства индустриального, функционального и социального.
   Казимир Малевич (1879-1935)
   Композиция «Женщина с граблями» — из «Крестьянского цикла»
формируется из плоскостей, образующих фигуру на переднем плане и панорамный пейзаж за ее спиной. Объемность фигуры и пространственная иллюзия достигаются за счет цветовых контрастов, строго выверенной системы масштабов и пропорций.                                
   Лицо непроработано, ибо проработанность как правило разрушает структурную логику композиции.
   Владимир Татлин (1885-1953)
вошел в историю модернизма как создатель контррельефов – объемно-пространственных композиций, в которых осуществился выход за пределы станковых форм.
   «Материальный подбор»
   Достигнута чистота пластического высказывания. Большой полуконус из оцинкованной жести и другие металлические элементы композиции уже не вызывают ассоциаций с формами реальности.
   В качестве форм Татлин использует фрагменты металлических листов – кровельный материал или куски водосточных труб – и свободно оперирует плоскостями и объемами, сталкивая поверхности холодного серого металла и теплой красноватой древесины.
   Контррельеф – открытая форма, и отдельные металлические элементы выступают за пределы деревянной основы, вторгаясь в пространство. Это первые лабораторные опыты пространственного конструирования в самом широком, не только дизайнерском смысле.

                                   Конструктивизм.
                                    Залы 6-8, 10, 11
   Коструктивизм – ведущее направление в искусстве 20-х годов – формируется прежде всего на основе супрематизма и производных от него вариантов геометрической абстракции.
   Конструктивисты использовали авангардистские системы для манипуляций восприятием и формирования, буквально «конструирования» нового человека и новых социальных отношений.
   Конструктивизм создавался как новый тип пролетарской индустриальной культуры. Идея пролетарского искусства как продолжения производства с ориентацией на художественную промышленность. Эта идея не всеми воспринималась, ведь подавляющее большинство населения России 20-х годов составляли крестьяне – люди традиционной культуры.
   Александр Родченко (1891-1956)
   Скорее критик, чем апологет супрематической системы. Он раскрывает возможности ее применгения в самых разных сферах – дизайне, архитектуре, кино, фотографии.
   «Композиция 64/84. Абстракция цвета. Обесцвечивание».
   Это его интерпретация «Черного квадрата» и вместе с тем развитие темы «черное на черном».
  Композиция проста: две перекрещивающиеся эллипсовидные формы, включая общий фон, окрашены в черный цвет, который представляет собой чистую абстракцию и в природе не существует.
   Ближний эллипс покрыт лаком, выходит на первый план и приобретает свойства материального объекта. Остальные фигуры, лишенные блеска и матовые по фактуре, отступают в глубину. Однако черные фигуры на черном фоне создают такое мощное излучение, которое вызывает обратное движение – из глубины картины вовне.
   В картине возникает эффект солнечного затмения, а сама картина становится источником и аккумулятором энергии.
   Любовь Попова (1889-1924)
   Серия «Живописные архитектоники»
   Максимальное напряжение цветовых контрастов.
   Серия «Конструкции»
   Игра полупрозрачных и встроенных друг в друга больших цветовых плоскостей. В некоторых работах отношения между формами и пространством , фигурами и фоном настолько относительны, что невозможно понять, где кончается одно и начинается второе.
   Серия «Пространственно-силовые построения»
   Вместо холста используется фанера, обыгрываются цветовые и фактурные качества этого материала. Часть поверхности остается незакрашенной, но тем не менее входит в общую цветовую гамму. Основа композиции – две «супремы» — черный и красный прямоугольники. По логике, красный должен выходить вперед. Но здесь вперед выходит черный, а красный отступает в пространство.
   Границы контрастных цветовых плоскостей акцентированы белыми пятнами, напоминающими пробела древнерусской живописи.
   Эта серия обозначила одну из вершин в истории русского авангарда.
   Александр Родченко (1891-1956)
   Формирование «клубной культуры», где клуб – важнейший информационный, досуговый и пропагандистский центр.
   Пространство клуба уподобляется пространству заводского цеха.
   Признаки быта в привычном его понимании полностью исключаются.
Им спроектированы:  
читальня,
вращающаяся установка для стенной газеты.,
уголок Ленина,
встроенные шкафы для хранения книг.
   «Красные уголки», существовавшие во всех советских учреждениях, представляли собой упрощенный вариант «Рабочего клуба».

        Неоклассицизм, символизм, поздний модерн
                                  Залы 13-14
   Многие работы, представленные в этих залах, объединяют мифологические темы.
   Источниками нового мифотворчества могли быть самые разные традиции: античность, Ренессанс, древнерусское искусство, поэтому постоянно присутствуют ретроспекции и отсылки к художественным образцам прошлого.
   Петров-Водкин (1878-1939)
   «Купание красного коня»
Композиция имеет плоскостное решение и строится на контрастном сочетании больших и малых фигур.  Художник строит композицию на основе силуэта, локального цвета и контрастного сопоставления плоскости и объема, динамики и статики. Красный конь на первом плане занимает почти половину картинной плоскости и уподоблен распространяющейся огненной стихии. Движение красного коня словно запускает ход времени. Конь красного цвета часто встречается в древнерусской иконе (красное-прекрасное). Возможно, здесь красный цвет ассоциируется с предчувствием революционных событий – Петров-Водкин воспринял революцию как грандиозное событие, которое сулит обновление мира.
   Всадник и конь существуют в напряженном равновесии. Энергия и мощь коня, а также осмысленность его взгляда контрастируют с пассивной отрешенностью мальчика, чья нагота имеет скорее жертвенный, чем героический характер.
   Автор вдохновлялся фигурами укротителей коней на Аничковом мосту в Петербурге. Но здесь мотив укрощения полностью сменяется мотивом диалога и «события», который берет свое начало в древнерусской живописи, и от нее же происходит тема красных коней.
   «1918 год в Петрограде» («Петроградская мадонна»)
   Отражен важнейший культурный код советского общества, которое, декларируя атеизм, по своей сути было религиозным. Идеи всеобщего равенства, уничтожения эксплуатации и построения Царства Божия на Земле определяли возникновение новых форм религиозного искусства – пролетарских икон, первые из которых создал Петров-Водкин. В картине сочетаются конкретных приметы времени (листовки на стенах домов, очереди) с символическим образом матери.
   Александр Матвеев (1878-1960)
   Его скульптуры занимают в экспозиции особое место.
   «Сидящий мальчик»
   «Надевающая чулок»
своим «пластическим безмолвием» намекают на существование некой реальности, незримого мира покоя и гармонии, которого не коснулись бурные события ХХ века и в которой нет места кубистическим деформациям, цветовым взрывам и радикальным экспериментам русского авангарда.
   Александр Яковлев (1887-1938)
   «Автопортрет»
   Художник представил себя в процессе работы над собственным портретом – «двойником» реальной картины.
   Не каждый зритель может выдержать испытующий и вместе с тем невидящий взгляд художника, поскольку  тот смотрит в зеркало.
   Таким образом, зритель оказывается уже в зазеркалье, а реальностью становится картина.
   Юрий Анненков (1889-1974)
   «Адам и Ева»
   Композиция с древом познания в центре и двумя большими фигурами по сторонам раскалывается на отдельные фрагменты с приемом кубистических «сдвигов».
   Ева с нательным православным крестом! Под ее ногами сумрачный фрагмент церкви. Грехопадение Евы – попрание божественного закона.
   Одетый Адам в костюме фольклорного балалаечника выглядит почти эфемерным.
Черный петух привносит в картину тревожные интонации.
   В своей картине автор свободно манипулирует языческими и христианскими мотивами, традиционными символами и знаками современности.
   Мартирос Сарьян (1880-1972)
   Одна из ведущих тенденций европейского искусства еще с XIX века – ориентализм.
   «Улица. Полдень. Константинополь»
   Создана картина воображения на основе натурных впечатлений, без всякой детализации. Все фантазии реализованы через цветовые созвучия.

                                               Советский модернизм
                                                         Залы 13-14
   Это промежуточная стадия, когда авангардистские и конструктивистские программы постепенно исчерпывали себя, а соцреалистические еще не сложились.
   Климент Редько (1897-1956)
   «Революция»
   Картина – один из первых опытов исторической картины на революционную тему и единственная в своем роде «пролетарская икона».
   В центре картины красный цвет концентрируется в окружности. Фон фигуры Ленина в световом блеске серого и охристого цветов. Этим достигнуто сочетание холодного металла с ударами красного огня.
   Соломон Никритин (1898-1965)
   «Прощание с мертвым»
   Синтез абстрактного и фигуративного искусства. Из композиции исключены привычные категории пространства и времени.
   Пол сужается к верхнему краю картины, создается эффект обратной перспективы. Фигуры обобщены до состояния геометрических тел. Персонажи словно подходят к некой незримой черте, за которой начинается инобытие. Их одежды почти лишены признаков времени. Центральная фигура облачена в коричневую одежду наподобие ризы священника.
   Картина практически не имеет аналогов в советской живописи.
   Александр Дейнека (1899-1969)
   Его живопись лаконична и в то же время объективно точна, яркая и в то же время объективно суровая.
   «На стройке новых цехов»
   Фигуры отодвинуты к краям, что усиливает пространственную перспективу. Парадоксален контраст героинь: массивной плотной женщине, изнемогающей под тяжестью заводской вагонетки, противопоставлена легкая радостная девушка.
   Ощущение «двоемирия»: может быть, это работница видит себя в светлой радостной девушке – преображенной и свободной.
   Юрий Пименов (1903-1977)
   «Даешь тяжелую индустрию!»
   Картина написана по заказу Совнаркома и получила премию на «Выставке государственных заказов», которая положила начало советской системе функционирования искусства.
   Выразительны линейные ритмы и яркие цветовые акценты. Образы жесткие, формальные.
   Картина сродни плакату.
   Давид Штеренберг (1881-1948)
   «Аниська»
   Фигура девочки представлена строго фронтально наподобие иконных образов, за ней в обратной перспективе изображена поверхность стола с краюхой хлеба. Мастер пишет девочку в простом и скудном интерьере.Она живет в непонятное и голодное время, когда хлеб воспринимается как драгоценность. Подчеркнутая самоценность каждого предмета делает фигуру девочки беззащитной и одинокой.
   Очевидное сопоставление круглой тарелки с головой девочки создает подобие нимба.
   «Старое»
   Фигура в рост имеет индивидуальные черты, но при этом является аллегорией «старого мира», на что указывает название картины, а также «патриархальна» борода героя, то ли еврея, то ли русского крестьянина-«единоличника», не желающего вступать в колхоз.
   Персонаж резко выделяется на голубом фоне и не принадлежит ни к одному из миров. Передана трагедия индивидуума, лишенного всех традиционных связей и повисающего в пустоте – без земли и неба.
   Петр Вильямс (1902-1947)
   «Портрет Мейерхольда»
   Мейерхольд в парадном портрете – это художник и комиссар, идеолог и вдохновитель конструктивистского театра.
   Режиссер представлен крупным планом в самом центре композиции. В его позе заключена собранность, уверенность в себе и решительность, что соответствует жестким ритмам театральных конструкций на заднем плане.
   Акцентирован чеканный профиль лица с характерным открытым лбом, крупным носом и тонкими губами.
   Коричневое кожаное пальто характерно для стиля первого революционного десятилетия, и только бабочка под воротником белоснежной рубашки намекает на артистическую деятельность и богемный статус героя.
   Портрет революционера и реформатора становится иконой современности, но вместе с тем соответствует жанровым формам традиционного парадного портрета.
   Константин Вялов (1900-1976)
   «Милиционер»
   Фигура милиционера размещена строго фронтально в соответствии с центральной композиционной вертикалью. Левый верхний и правый нижний углы высветлены наподобие шахматного порядка. Жезлом герой словно разрезает пространство, отделяя свет от тьмы и задерживая автомобиль.
   Ночная атмосфера ассоциируется с авантюрной историей. Часы похожи на луну.
   Милиционер управляет движением в пространстве и ходом времени, а луна и автомобиль – атрибуты его абсолютной власти.
   Андрей Гончаров (1903-1977)
   «Смерть Марата»
   Представлена историческая сцена убийства Шарлоттой Конде Марата – одного из лидеров французской революции.
   При этом кровавая сцена лишена натурализма, пластика фигур непроработана и смазана. Персонажи – как призраки на фоне пустой стены. Верхнее окно с тщательно прописанной развевающейся занавеской только усиливает ощущение нереальности.
   Картина напоминает фильмы ужасов с вампирами и призраками.
   Сергей Лучишкин (1902-1989)
   «Шар улетел»
   Художник совмещает несколько точек зрения – вид сверху и вид снизу, и в результате зритель приобретает дар «всевидения»: он может двинуться по аллее с чахлыми молодыми деревцами, а может и подниматься и опускаться по вертикали, заглядывая в окна, где происходят события – трагические (повешенный) и обыденные (женщина поправляет прическу).
   Пространственная перспектива перекрыта забором, и невозможность пройти в глубину заставляет блуждать между двумя точками-ориентирами – фигурой девочки и шаром, исчезающим в небе.
   Александр Тышлер (1898-1980)
   «Сакко и Ванцетти»
   После казни Сакко и Ванцетти стали героями-мучениками левого движения.
   Тышлер представил своих героев гуляющими в тюремном дворе под надзором охраны и редуцировал их до состояния опознавательных знаков с некоторым намеком на портретные черты.
   Персонажи задавлены в пространственной перспективе.
   Совмещены две точки обзора – сверху и снизу, — заставляя зрителя скользить по вертикалям параллельных стен и вызывая ощущение клаустрофобии.
   За каменными стенами двора – каменный город как продолжение тюрьмы.
   Александр Лабас (1900-1983)
   «Первый советский дирижабль»
   Художник часто обращался к теме полета, и композицию он строит как праздничную церемонию с участием большого количества людей в цветной спортивной форме.
   Участники праздника изображены как движущийся разноцветный поток.
   Лабас явно преувеличил размеры дирижабля в попытке придать ему планетарный масштаб и уподобить все происходящее рождению чуда.
   Борис Голополосов (1900-1983)
   «Восстание»
   Происходящие события увидены с большой дистанции и показаны так, как будто бы «свидетель» не совсем понимает смысл происходящих событий.
   Пространство картины формируется двумя резкими перспективами, уходящие в противоположные стороны. «Красный клин» заборов, наоборот, прорывается из глубины картина на передний план. В правой части представлено бегство рабочих, в левой идет бой и подтягивается новый отряд с красным знаменем.
   Вся поверхность картины электризуется красными закатными всполохами.
   Восстание – как природная стихия.
   Композиция «Ленин – вождь мирового пролетариата»
   Нет активного действия, только предстояние.
   К портретному образу Ленина, который представлен в красном ареоле, стягиваются рабочие и встают позади него плотными рядами, обожженные сиянием вождя.
   Павел Челищев (1889-1957)
   «Феномена»
   Композиция складывается из отдельных сценок.
   Персонажи кажутся невероятными существами, а вместе с тем многие из них вполне узнаваемы. В левом нижнем углу сам художник. Человек и лошадь в противогазах в правом нижнем углу отсылают к реалиям Первой мировой войны, воспоминания о которой были особенно острыми на пороге войны новой.
   Работа аккумулирует многие страхи современной цивилизации. Стихийные бедствия, экологические катастрофы, мутации, горящие груды отходов составляют картину ада современной цивилизации.  
   Наталия Гончарова (1881-1962)
(вместе с Ларионовым приехала в Париж для постоянной работы в дягилевской антрепризе; в Париже прожили до конца жизни).
   Триптих «Купальщицы»
   Композиция организована в соответствии с жестким принципом: сидящая центральная фигура фланкируется двумя шагающими к ней боковыми фигурами, представленными в строгой симметрии.
   Название – скорее ироничное, в нем ничего не указывает на половую принадлежность персонажей, а оранжевый цвет вызывает разве что самые отдаленные ассоциации с обнаженным телом. Однако через название работа вводится в широкий контекст – от обнаженных моделей в классическом искусстве до купальщиц Сезанна и Пикассо.
   Монументальные фигуры моделируются с помощью больших контрастных плоскостей, при этом они легко распадаются на отдельные фрагменты.
   Картина трактуется как декоративное панно или даже гобелен.
   Александр Древин (1889-1938)
   «Пейзаж. Дорога. Армения»
   Мотив прост и лаконичен. Дорога, уходящая вдаль, по сторонам – большие деревья, земля с высохшей на солнце травой. Мир, представленный в картине, кажется извечным, как тысячи лет назад, деревья будут расти и будут умирать.
   Неясная фигура путника, который оглядывается, прежде чем начать спуск.
   Тонкая цветовая гармония.
   Дорога приобретает метафорическое значение дороги жизни.
   Искусство Древина – альтернатива официозу соцреализма.
   Роберт Фальк (1886-1958)
   «Женщина в белой повязке»
   Образ наделен портретными чертами, но Фальк пишет модель.
   Художник выдерживает равновесие между анализом форм и абстрагированием от натуры.
   «Красная мебель»
   Даже в таком жанре, как интерьер, художник выражает сложные душевные переживания. Его внутренняя тревога в сочетании с раздумьями о тяжелом и противоречивом времени нашли отражение в беспокойном красном цвете, динамике мазка, множестве ассоциаций: от прочтения картины как «Тайной вечери» до желания увидеть в ней символ революционных событий.
   Картина демонстрирует иррациональный опыт «политизации» живописного восприятия, совершенно не свойственный Фальку, для которого красный цвет в большей степени ассоциировался с Рембрандтом, чем с новой властью.
   Фальк пытается углубить пространство картины, интегрируя красные формы в общую цветовую гамму.
   Георгий Рублев (1902-1975)
   Портрет Сталина
   Этот самый странный из неканонических портретов Сталина до сих пор вызывает споры относительно авторской концепции и отношения к образу вождя.
   Портрет как будто тяготеет к народной картинке. Однако вариации фиолетового и красно-кумачевого цвета привносит в изображение элемент драматизма, не характерный для лубочной стилистики. В некоторых участках картины открытый красный цвет звучит как сигнал опасности, однако ситуация, в которой представлен вождь, располагает к доверительным отношениям.
   При этом лубочная простота сталинского образа сразу настораживает: вождь с ироничным прищуром смотрит прямо на зрителя и словно упреждает возможные оценочные суждения.
   Картина скорее всего создавалась в начале 1930-х годов, когда формировался культ «отца народов». В «домашнем» образе Сталина прослеживаются отеческие черты.
   Однако что-то заставило автора навсегда спрятать картину в штабелях своей мастерской.
                                    Социалистический реализм
                                      Залы 15, 16, 21, 22, 24-28
   Соцреализм объединяет направления в официальном искусстве сталинского периода и отражает новую политику, вследствие которой радикальная «культура коммун», предполагавшая разнообразие художественных группировок и конкурирующих программ, сменилась консервативной «культурой дворцов» с традиционной иерархией искусств и системой академического образования.
   В рамках сталинской модели достижением социализма считался доступ советских трудящихся к сокровищам мировой культуры, которыми прежде распоряжалась только элита правящего класса.
   Теперь рабочие и крестьяне могли жить во дворцах, хотя бы раз  в жизни посетив санаторий.
   Дворцами становились общественные здания, научные учреждения, дома культуры, станции метро и даже коровники на Всесоюзной сельскохозяйственной выставке.
   Сложился уникальный вариант массовой культуры соцреализма, построенной по принципу культуры элитарной.
   Дворцы требовали соответствующего оформления: мозаик и фресок, крупноформатных картин и монументальных скульптур в «классическом» стиле. Результатом стал «сталинский неоклассицизм», создаваемый в производственных масштабах по системе государственных заказов и планирования.
   Исключались все проявления индивидуальных влечений, свойственных художественной деятельности, Но их невозможно полностью исключить или полностью контролировать, поэтому современные зрители находят в искусстве соцреализма так много иррациональных моментов и необъяснимых парадоксов.
   Начало становления системы соцреализма положил правительственный указ о расформировании всех художественных группировок и объединении деятелей искусств в творческие союзы. Годом раньше был основан Союз писателей во главе с Горьким, которому принадлежит определение «социалистического реализма» как художественного метода отображения действительности в ее революционном развитии. Конкретных рецептов никому не предлагалось: каждый действовал на свой страх и риск, но мог руководствоваться образцами, отмеченными государственными премиями.
   Критики держали художников в напряжении, упрекая одних в формализме, других в натурализме, третьих в чрезмерном увлечении импрессионизмом.
В определенном смысле соцреализм был культовым искусством, возродившим почитание образов, так же как советская культура в целом воспроизвела многие ценности православной культуры, только низвела их с небес на землю с целью построения земного рая.
   Предметом художественной сакрализации стали встречи с вождями, смотры, праздники, трудовые и спортивные достижения.
   Иосиф Чайков (1888-1979)
   Скульптура «Футболисты»
   Лица спортсменов имеют обобщенный характер: они лишены портретного сходства и не отвлекают внимания от основной идеи – стремительного вращательного движения. Это не жанровая композиция, это формула футбола.
   Главный нерв – напряженное равновесие динамичной композиции. Автор развернул композицию так, чтобы оставить только одну точку опоры и создать ощущение, будто фигуры отрываются от постамента.
   Александр Дейнека (1899-1969)
   «Вратарь»
   Мотив предельно прост: футболист прыгает за мячом, еще немного – и он упадет на землю.
   Дейнека представил острый момент, несколько секунд, которые могут быть зафиксированы только с помощью фотоаппарата. В интерпретации художника эти запечатленные мгновения приобретают совсем иную длительность. Устремляясь за мячом, вратарь словно зависает между землей и небом и его падение на глазах у зрителя превращается в медленный полет, как в сновидениях.
   Александр Самохвалов (1894-1971)
   «Девушка с ядром»
   Редкая для соцреализма попытка сочетания антично-ренессансного идеала телесности и опыта символического обобщения.
    Иван Шадр (1887-1941)
   «Булыжник – оружие пролетариата». Бронза.
   Рабочий, бросающий камень в незримого врага, стал одним из центральных образов пролетарской революции.
   Шадр участвовал в реализации ленинского плана монументальной пропаганды.
   В этой скульптуре Шадр обратился к теме революции 1905 года, когда во время баррикадных боев рабочие выламывали булыжники из мостовой, используя их в качестве оружия.
   Герой представлен перед броском, в момент наивысшей концентрации энергии.
   Использованы бытовые реалии: штаны, фартук, стоптанные башмаки.
   В строении лица автор акцентирует надбровные дуги и провоцирует на сравнение с лицами первобытных людей. Таким образом, герой Шадра совершает исторический скачок из каменного века в революционную современность, за которой последует настоящий золотой век всеобщего равенства при полном отсутствии эксплуатации.
   Вера Мухина (1889-1953)
   Фигура «Ветер»
   Женщина сопротивляется сильному порыву ветра. Ее ноги крепко стоят на земле. Ощущение устойчивости усиливается благодаря широкой драпировке. Кажется, что основная точка опоры – в вытянутой вперед ладони левой руки, сдерживающей сопротивление невероятной силы.
   Скульптурная группа «Рабочий и колхозница» (авторский вариант в небольшом масштабе)
   Мухина снова обратилась к теме стихии и резкую вертикаль поднятых рук уравновесила горизонталью длинного шарфа, развевающегося на ветру.
   В данном случае мотив борьбы сменился мотивом овладения стихией и устремленностью ввысь.
   Исаак Бродский (1883-1939)
   «Ленин в Смольном»
   Репродукции картины расходились миллионными тиражами.
   Ленин не любил позировать, но Бродский среди очень ограниченной группы художников был допущен в кабинет вождя и делал зарисовки с натуры.
   Первые месяцы советской власти. Кабинет Ленина находится в Смольном.
   Максимально, протокольно точно переданы элементы обстановки интерьера.
   Вождь погружен в работу. Пространство кабинета с минимальной обстановкой воспринимается как пространство пустоты и тишины.
   Это не портрет в интерьере, а скорее интерьер с портретной фигурой. Присутствие вождя в картине кажется почти незримым, что придает ему дополнительную, чуть ли не сакральную значимость.
   Ни художник, ни зритель не могут нарушить заданную дистанцию, как не могут нарушить рабочей тишины кабинета.
   Подчеркнута скромность и простота вождя, что художник выразил при помощи аскетичной, рабочей обстановки.
   Михаил Нестеров (1862-1942)
   Портрет художников Павла и Александра Кориных
   Братья изображены в их мастерской на Арбате.
   Двойной портрет акцентирует внимание на сопоставлении братьев, которые отличались и по внешнему облику, и по характеру.
   Корины представлены на фоне барельефа. Павел изображен в профиль, в руке он держит античную вазу, которая становится композиционным и смысловым центром картины. Братья словно пребывают в состоянии медитации, завороженные античным творением. В противоположность сумрачному и строгому силуэту Павла, фигура Александра развернута к зрителю в три четверти и ярко освещена. Александр представлен в момент озарения, поза Павла выдает сдержанность аналитика.
   Сама мастерская с античными фризами, книгами, баночками с краской трактуется как храм искусства, а художественная деятельность уподобляется служению и приобретает ореол священнодействия.
   Нестеров создал целую серию портретов ученых, врачей, деятелей искусств – тех, в ком он увидел талант и внутреннее горение.
   Павел Корин (1892-1967)
   Портрет А.М. Горького
   Писатель представлен в рост на фоне закатного панорамного пейзажа с низким горизонтом, что вполне соответствует канонам парадного портрета.
   Фигура Горького занимает почти половину изобразительного поля, но смещена влево относительно центральной оси, будто герой покидает картину, оставляя за собой величественный, но пустой пейзаж. Столь «неуверенная» постановка монументальной фигуры вызывает диссонанс в восприятии образа, сочетающего в себе интеллектуальную силу и внутренний надлом, выраженный в согбенной позе и отрешенности взгляда.
   Борис Иогансон (1893-1973)
   «Допрос коммунистов»
   Эта картина стала одним из канонизированных образцов соцреализма.
   Сцена эпохи гражданской войны не вызывает никаких сомнений относительно расстановки сил. Герои-красноармейцы, захваченные в плен, гордо стоят посреди комнаты и смотрят на своих палачей – белогвардейских офицеров, наделенных гротескными чертами. Один из них показан со спины так, чтобы зритель мог оценить его жирный загривок. Другой, в угрожающе сгорбленной позе, вовсе не имеет никакой индивидуальности и обозначен атрибутами «злодея» — нагайкой и пенсне. Лица красноармейцев (один из них – девушка), наоборот, написаны с портретной тщательностью.
   Палачи ассоциируются с пустотой и смертью, а обреченные красноармейцы олицетворяют торжество жизни и торжество идеи.
   Борис Яковлев (1890-1972)
   «Советские консервы»
   Советский проект предполагал идеологизацию и «диалектическое» осмысление всех явлений реальности. Советским становилось все, включая природу.
   Постановка включает в себя ряды банок, частично выставленных из деревянных ящиков с соломой. И зритель получает возможность рассмотреть ассортимент консервного производства и одновременно оценить тонкость живописной техники, в которой выполнен этот натюрморт.
   Кажется, что классический фламандский натюрморт с плодами и фруктами был подвергнут консервированию, закатан в банки и уложен в ящики.
   Василий Ефанов (1900-1978)
   «Незабываемая встреча. Руководители Партии и Правительства в Президиуме Всесоюзного совещания жен хозяйственников и инженерно-технических работников тяжелой промышленности в Кремле»
    Воплощен принцип парадной репрезентации образов советской власти.
   Работа многофигурная. В основе сюжета лежит реальное событие. «Каждая жена должна найти свое место в строительстве социализма».
   Картину, несомненно, можно назвать групповым портретом, однако главное здесь – это рукопожатие Сталина и Суровцевой. Ярко освещенные симметричные фигуры женщины и вождя выведены в центр композиции, и ощущение восторга главной героини распространяется по всей картине и обыгрывается в концентрических ритмах, подхваченное аплодисментами участников сцены.
   Пышные букеты – словно фейерверки.
   Вся сцена торжественной встречи воспринимается словно мистический обряд обручения вождя и народа. Многое соответствует свадебному фольклору: огромные букеты, пиршественный стол, где даже микрофоны напоминают бокалы, присутствие восторженных «родителей», роль которых берут на себя Калинин и Крупская. Зрителю отведена роль свидетелей чуда.
   Александр Герасимов (1881-1963)
   «И.В. Сталин и К.Е. Ворошилов в Кремле»
   Эта картина стала иконой социалистического реализма.
   На смену революционному порыву приходит властная статика парадного портрета.
   Монументально-плакатные образы вождей представлены на фоне панорамного пейзажа, разработанного ровно настолько, чтобы быть узнаваемым, но не отвлекать от главных героев.
   В отличие от классических парадных портретов, вожди стоят боком и созерцают нечто за пределами картины, дальнюю перспективу, которая недоступна простым смертным.
   Художник явно подталкивает зрителя к сравнению героев с кремлевскими башнями, задавая архитектурный масштаб человеческим фигурам.
   Сталин, изображенный в простой шинели, и Ворошилов в генеральском мундире – это реальные и одновременно аллегорические фигуры, олицетворяющие советский лозунг «Народ и партия едины!».
   Юрий Пименов (1881-1964)
   «Новая Москва»
   Представлена новая широкая улица, на дальнем плане в дымке – первые высотные дома, и в этот голубой мираж устремляется девушка в легком платье и с модной короткой стрижкой, управляющая первым советским легковым автомобилем марки ГАЗ-А. Зритель не может видеть ее лица, но понимает, что эта непременно прекрасна, как прекрасен окружающий ее мир.
   Показать желаемое как действительное художнику помогают приемы импрессионизма.
   Александр Лактионов (1910-1972)
   «Письмо с фронта»
   Художник представил солдата, принесшего счастливую весть матери, сестре и брату бойца, который пока что еще не вернулся с фронта, но непременно вернется, судя по радостному настроению героев.
   Чувство радости во многом передается благодаря игре света.
   Татьяна Яблонская (1917-2005)
   «Хлеб»
   Прообразы героев картины – колхозники украинского села. Колхоз имени Ленина стал известен на всю страну благодаря высоким показателям сбора зерна, и 11 жителей села удостоились звания Героя Социалистического Труда.
   В конце 1940-х годов сбор урожая был вопросом жизни и смерти – после сильнейшей засухи 1946 года, когда голод унес более миллиона жизней.
   Следующий, 1947 год, стал урожайным, и вся тяжесть полевых работ легла на женские плечи.
   В селе более половины мужчин погибло на фронте.
   Образ золотого века, в котором властвуют женщины и царит всеобщее изобилие.
   Подчеркнута ведущая роль женщины в возрождении страны после войны.
   Аркадий Пластов (1893-1972)
   «Сенокос»
   Представлено буйство растительности, которая занимает половину картинной плоскости.
   Живописное великолепие цветущего луга буквально захватывает четырех косарей, чьи темные лаконично обрисованные фигуры контрастируют и даже диссонируют с праздничным окружением.
   Этот тревожный диссонанс вполне оправдан: изображены два старика, женщина и мальчик-подросток, но взрослых мужчин на картине нет. Они или еще не вернулись с войны, или уже никогда не вернутся. Так возникает тема смерти
   В центре композиции – мальчик – идеализированный образ, оставляющий надежду на восполнение человеческих потерь.
   Матвей Манизер (1891-1966)
   «Физкультурница». Бронза
   Одним из главных в социалистической иерархии стал образ нового человека, олицетворяющего молодое советское государство.
   Живым олицетворением античного принципа «в здоровом теле здоровый дух» стали изображения спортсменов и физкультурников. В рамках советской идеологии спорт рассматривался как важнейшее средство общественной мобилизации, а идеи физического воспитания не отделялись от воспитания идеологического.
   Советские физкультурники заменили собой классических богов и героев античности.
   В «Физкультурнице» Манизер переосмысляет классическую тему любующихся собой венер и наделяет свою спортивную Венеру специфическим мужским атрибутом – мощным бицепсом, предлагая новый идеал женской красоты, вбирающий в себя и мужские качества.
   Федор Решетников (1906-1988)
   «Опять двойка»
   Картина явно отсылает к традициям жанровой живописи передвижников и уподобляется короткому рассказу.
   Перед зрителем разыгрывается немая сцена домашнего суда. Подобные «товарищеские суды» были частью повседневной жизни каждого советского человека, и предметом разбирательств могли стать успеваемость, поведение, высказывания и другие аспекты личной и общественной жизни.
   В картине Решетникова приватная по существу сцена становится публичной, а мальчик словно предстает перед всем миром.
                                
                                  «Суровый стиль»
                       и позднее советское искусство
                                    Залы 28, 36, 37
   С началом десталинизации в эпоху хрущевской оттепели молодые художники стремились вырваться из культурного вакуума соцреализма.
   Определение «суровый стиль» намекает на «суровые будни» и «правду жизни», которую шестидесятники противопоставили вечному празднику соцреализма.
   Кроме будничной тематики правдивость и убедительность «суровому стилю» придавала плоскостная огрубленная трактовка образов.
   Сергей (р. 1922) и Алексей Ткачевы (р. 1925)
    «Матери»
   Мотив прост: женщины показаны сидящими на скамье в ряд лицом к зрителю, и точка зрения снизу вверх в сочетании с высоким горизонтом, выведенным за пределы полотна, буквально привязывает их к земле, как будто художники пытались визуализировать метафору «мать-земля».
   Создан обобщенный образ материнства и аллегорический сюжет трех возрастов – весь цикл от рождения до смерти.
   Лица портретны, но не детализированы. Внимание акцентировано на натруженных руках.
   Передана атмосфера напряженного ожидания, которое может ассоциироваться с недавней войной и невосполнимыми потерями.
   Виктор Попков (1932-1974)
«Строители Братска»
   Искусство «суровых»в пику сталинскому соцреализму отличалось упрощенными моделировками форм, жесткими ритмами контуров, использованием открытых цветов. Считалось, что это отражает «суровую правду» в противовес «вечному празднику» соцреализма.
   Однако в центре внимания по-прежнему стройки гигантов социалистической индустрии.
   Братская ГЭС – стратегическая стройка.
   Художник не конкретизирует обстоятельства места и времени, погружая своих героев в ночной сумрак с мельканием огней на горизонте.
   Строители представлены не за работой. Они не действуют, они буквально выступают вперед, гордые, спокойные и уверенные в себе.
   Николай Андронов (1929-1998)
   «Плотогоны»
   В строгой лаконичной композиции пространство делится на 3 четких плана. Фигуры в рост вынесены на первый план и занимают большую часть картинного поля. Второй план задан железнодорожным мостом с товарным поездом. На третьем плане намечены высокие берега.
   В картине нет и намека на достижения советской индустрии. Бесконечный состав воспринимается как часть природного ландшафта, а лодка ассоциируется с традиционным деревенским укладом.
   Фигуры плотогонов очерчены прямыми ломаными линиями и написаны крайне обобщенно. Они совсем не похожи на «героев труда» в привычном советском понимании и больше ассоциируются с романтическими первопроходцами и покорителями природы
   Павел Никонов (р. 1930)
   «Геологи»
   Геологи, передвигающиеся на оленях, встретили группу заблудившихся туристов, оборванных и оголодавших, потерявших плот и сбившихся с маршрута.
   Фигуры обобщены до состояния знаков, пейзаж доведен до состояния условных иконописных горок. Таким образом герои получают возможность жить в безграничном мире.
   Здесь просматривается не только отказ от парадной репрезентации, но и радикальное отрицание скрупулезного бытописательства.
   Таир Салахов (р. 1928)
   Портрет композитора Кара Караева
   Никакого действия не происходит.
   Основной цветовой контраст: белая фигура на фоне черного рояля.
   Минимум предметов.
   Караев развернут в профиль, его согнутая фигура задает напряженную диагональ, которая заменяет собой движение. И Салахов передает этим движение мысли и предельную концентрацию внутренней энергии.
   Фигура композитора – как нотный знак.
   В облике Караева отсутствуют даже намеки на артистизм и богемность. Тему труда физического, характерную для сталинского соцреализма, здесь сменяет тема умственного труда.
   Дмитрий Жилинский (р. 1927)
   «У моря. Семья»
   Просматривается одна из главных тенденций в позднесоветской живописи – ретроспективизм. Здесь читается наследие древнерусской иконописи, а также Возрождения.
   Техника темперы на древесно-стружечной доске взамен натурального дерева.
   Отчасти это портрет семьи художника, хотя лицом к зрителю обращен только он сам, показывающий семью как свою гордость, свое продолжение.
   На активную позицию главы семейства указывает его атрибут – гарпун с пойманной рыбкой. Это и оружие охотника, и дирижерская палочка, и символ мужской власти.
   Супруга  представлена с нескрываемым восхищением. Она доминирует в композиции, наполняя мир любовью и красотой. Образ жены – как вечный идеал. У образованного зрителя это вызывает ассоциации с фигурами граций Боттичелли («Весна»).
   Картина представляет собой уникальный образец компромисса между элитарной и массовой культурой. Отсылки к Ренессансу совпадают с идеологией доступности каждому советскому человеку отдыха на Черном море.
   Максим Кантор (р. 1957)
   Полиптих «Чернобыль. Звезда Полынь»
   Апрель 1986 – чернобыльская трагедия.
   В переводе с украинского «чернобыль» означает «полынь», и в связи с этим все, кто знал Священное писание, вспоминали книгу Апокалипсис: «И упала с неба большая звезда, горящая подобно светильнику, и пала на третью часть рек и на источники вод. Имя сей звезде полынь; и третья часть вод сделалась полынью, и многие из людей умерли от вод, потому что они стали горьки».
   Кантор обращается к традиционной форме европейских деревянных алтарей-складней. Но при этом композиция воспринимается не как полиптих, состоящий из многих дополняющих друг друга частей, а как единая композиция, расколотая на фрагменты. Это мир распался.
   Фигуры расположены строго фронтально наподобие христианских святых, а деревянные фрагменты похожи на гробовые доски.
   Герои Кантора могут ассоциироваться не обязательно с Чернобылем, а и с узниками концлагерей, лагерной зоной.
   В центре композиции художник изобразил себя и своих родителей, что воспринимается как жест солидарности с живыми и мертвыми.
   Художник создал обобщающие жертв экологических, политических и социальных катастроф ХХ века.
   Наталья Нестерова (р. 1944)
   Триптих «Москва»
   Фигуры людей и пейзажные панорамы смоделированы тяжелыми фактурными мазками, словно вылеплены из теста.
   Триптих построен на контрасте зрелищного яркого города с семью сталинскими высотками и группы людей, словно сделанных из белой липкой массы и покрытых множеством глаз.
   Зрители на смотровой площадке , погруженные в созерцание, буквально теряют себя и превращаются в безликие монументы, слепки фигур, засиженные чужими взглядами.
                                        Искусство нонконформистов
                                                   Залы 30-33, 35
   Движение художников-нонконформистов развивалось вне системы.
   Первые нонконформистские группы возникли на волне оттепели под впечатлением от Молодежного фестиваля 1957 года и Американской художественно-промышленной выставки в Измайлове 1958 года, на которой были показаны картины представителей абстрактного экспрессионизма.
   Суровому стилю» 1960-х годов художники противопоставили экспрессивный и даже брутальный стиль.
   Владимир Яковлев (1934-1998)
   «Цветы и гранат»
   Предметы на столе показаны крупным планом с точки зрения сверху, край стола напоминает горизонт.
  Пространство и формы словно вылеплены из единой плотной субстанции.
  Цветы больше напоминают тяжелые чаши.
  С помощью круговых ритмов создается ощущение, что пространство – это одна из чаш, расширенная форма, способная вместить в себя другие.
   В натюрморте, таким образом, создается равновесие идеального и материального.    
   Анатолий Зверев (1931-1986)
   Натюрморт с лангустом
   Удивительное композиционное мастерство: фигура лангуста развернута и задает резкую диагональ пространственной перспективы, а ряды черных бутылок воспринимаются как дальний «пейзажный» план.
   Формы и пространство Зверев строит одновременно и не делает различий между пятном и линейным рисунком.
   Лев Кропивницкий (1922-1994)
   «Непрерывность творения»
   Художник запускает красочный поток и поверх светлого фона наносит контрастные взрывные мазки. Каждый из них существует по отдельности, но вместе они образуют свободную форму, лишенную четких границ.
   В целом композиция воспринимается как спонтанный выплеск, буквально момент творения.
   Оскар Рабин (р. 1928)
   «Один рубль»
   Гигантская медная монета катится по грязному весеннему снегу городских окраин. Мотив удваивается с помощью отражения в луже, демонстрируются аверс и реверс монеты.
   Символический образ авторитарной власти и довлеющего серого убожества.
   Михаил Рогинский (1931-2004)
   «Коммунальная кухня»
   В 1980-е годы, когда коммунальные кухни начинают уходить в прошлое, художник отсылает зрителя к 1960-м годам.
   На кухне никого нет. Раннее утро. «Тихая жизнь».
   Полумрак написан в теплых лилово-коричневых и серых тонах. Так формируется изысканное цветовое взаимодействие.
   Дмитрий Плавинский (1937-2012)
   «Слово»
   Основа композиции – первая строка из Евангелия от Иоанна «Вначале было Слово, и Слово было у Бога».
   Картина разбита на квадратные сегменты с церковнославянскими буквами, составляющими исходную фразу Евангелия. Это похоже на кроссворд.
   Буквы, пересекающиеся в вертикальных и горизонтальных рядах, образуют кресты.
   Фактурная поверхность уподобляется древней берестяной грамоте.
   Дмитрий Краснопевцев (1925-1995)
   Натюрморт со стрелами
   Картина в большей степени напоминает историческую картину с атрибутами состязаний средневековых лучников.
   Древесный столб, на нем маленький глиняный кувшин. Три стрелы обломаны, ни одна не попала в цель.
   Картина вызывает ассоциацию с образом Святого Себастьяна, одним из самым популярных в эпоху Ренессанса, поскольку смерть христианского мученика есть отрицание смерти.
   И в натюрморте целый сосуд может интерпретироваться как символ бессмертия.
   Виктор Пивоваров (р. 1937)
   «Московская вечеринка»
   Вечеринка ли? Скорее это утро после дружеской попойки.
   Сцена, переполненная фигурами и предметами, кажется гротескной сюрреалистической фантасмагорией.
   Главный герой – человек в галстуке и темных очках – с распростертыми руками летит над столом через картину. Это человек, скрывающий свое лицо, свои чувства и мысли, свою идентичность. Он стремится в другой мир, но остается в прежнем.
   Фрагмент женской ноги – намек на сексуальную раскованность? Но героиня покидает картину.
   В целом композиция с летящим персонажем воспринимается как парафраз «Любовников» Марка Шагала, парафраз ироничный, поскольку полеты и любовные приключения свершаются в условиях жесткой системы советских запретов.
   Утреннее состояние сдвинутого сознания, состояние невесомости, необязательности установленных правил.
   Впрочем, восприятие может быть разное – все зависит от способностей зрителя.
   Эрик Булатов (р. 1933)
   «Тучи растут»
   Текст дублирует изображение и, кажется, полностью исчерпывает или даже уничтожает его смысл.
   Острым треугольником слово вторгается в небо и создает напряжение – как перед грозой.
   Слово «тучи» весомее и материальнее, чем тучи на небе.
   Но конфликт изображения и текста разрешается в пространственной иллюзии, и они дополняют друг друга благодаря комбинации эффектов прямой и обратной перспективы.
   Стерты границы между вербальным и визуальным восприятием.
                           Отдел новейших течений
                                     Залы 39-42
   Экспозиция отдела посвящена истории современного искусства с рубежа 1950-60-х годов до настоящего времени и периодически меняется.
   Находят отражение новые виды искусства, такие как инсталляция, объект, перформанс, видеоарт.
   Отныне произведение искусства – это уже не материальный объект, замкнутый в себе, а открытая система, которая формируется из культурного контекста.
   Лев Нусберг (р. !937)
   «Начало отсчета»
   Образец оптического искусства.
   На белом фоне один над другим размещены два красных прямоугольника, разделенные белой линией как «линией горизонта».
По обеим сторонам – черные «лесенки» с неравными интервалами, определяющими композиционную динамику. От нижнего края картины до белой линии общий ритм «ступенек» учащается и создается эффект перехода из плоскости в пространство.
   Вячеслав Колейчук (р. 1941)
   «Мачта»
   Образец стержнево-вантовых структур. В качестве стержней – трубки из металла и плексигласа, в качестве вантов – нити и проволока.
   Конструкция – облегченная, способная удержаться на одной точке опоры. Такая конструкция может быть реализована в любом масштабе.
   Франсиско Инфанте (р. 1943)
   Проект кинетического освещения старинных архитектурных сооружений Красной площади
   Диаграмма завораживает настолько, что заставляет забыть о ее функции. Она может показаться фантастическим абстрактным рисунком или современным образцом компьютерной графики.
   Это был официальный заказ Моспроекта.
   По замыслу Инфанте, внутри каждой башни и на Мавзолее должны были быть установлены мощные «точечные» прожекторы со сменными светофильтрами, которые давали бы разную цветовую окраску архитектурных элементов.
   Изменения в цветовой интенсивности лучей, отраженные в вертикальной шкале диаграммы, были рассчитаны по минутам в горизонтальной шкале, и в целом диаграмма позволила объединить категории света, цвета, пространства, времени и даже звука (в качестве основы для своей композиции автор использовал структуру фуги Баха).
   К сожалению, проект остался только на бумаге, хотя многие идеи Проекта все-таки были реализованы группой «Арго», организованной Инфанте позже (1970).
   Юрий Васильев-Мон (1925-1990)
   «Страдание современной женщины»
   Работа представляет собой ассамбляж – предметную картину с элементами коллажа.
   В трактовке образа обнаруживается широкий диапазон традиций – от Древнего Египта до символизма.
   В центре композиции – рельефная женская фигура в застывшей позе. Лицо героини с закрытыми глазами заставляет вспомнить древние погребальные маски.
   Героиня наделена ореолом тайны благодаря значкам, вырезкам из иностранных журналов и прочих «находок», которые в ситуации товарного дефицита и голода на образы приобретали значение культурных фетишей.
   Пышная прическа создана мотком медной проволоки. Темная блузка в цветочек и бархатная юбка от французского костюма в сочетании с янтарным кулоном и большой круглой брошью создают образ скорее старомодно-чопорный, чем современный. А зеленая рука с мужскими часами словно вырастает из груди и воспринимается как намек на удушение во сне.
   На уровне живота – слово «lubi».
   В композицию вкраплены лезвия и шипы = тема жертвенности.
   Атмосферу сновидения усиливает фон: героиня погружается в мир «несоветских» образов: на вырезках из иностранных журналов – джазовый трубач, танцоры рок-н-ролла, ультрамодная мебель и предметы косметики.
   Создан своего рода «аккумулятор» культурных влечений, распространенных в советском обществе 1960-х годов.
   На рубеже 1960-70-х годов ассамбляж станет одним из самых популярных жанров в среде московских нонконформистов, стремящихся выйти за пределы традиционных картинных форм.
   Борис Турецкий (1928-1997)
   Ассамбляж. «Разрезанный туфель»
   Ассамбляж, или «вещевая картина». Частью это житейский мусор – выброшенные вещи, но некоторые из них вполне пригодны для дальнейшего использования, хотя и несут на себе печать времени.
   Вопреки ожиданиям, вместо двух представлено три предмета обуви в разном состоянии. Правый туфель распался полностью, левый разрезан на три части, но сохраняет целостность формы. Центральный туфель остается нетронутым.
   По сторонам закреплены кухонный нож и прибор для закручивания консервных крышек как символ энергии физического воздействия.
   В левой части фрагменты тканей, кожи, резины, бумаги и металлическая крышка от консервной банки. Заготовки для создания новых вещей?
   Таким образом, «вещевая картина» служит рабочим столом, где осуществляется полный «производственный цикл» от создания до разрушения, от материализации до дематериализации.
   Автор исследует возможности перехода из бытовой реальности в художественную.
   Иван Чуйков (р. 1935)
   «Панорама. Берег моря»
   Художник опредмечивает природный ландшафт, которому придается трехмерная форма.
«Панорама» Чуйкова предполагает обход вокруг предмета.
   Виталий Комар (р. 1943) и Александр Меламид (р. 1945)
   Портрет отца
   Темпера.
   На первый взгляд, мужской профиль нам красном фоне напоминает канонические образы советских вождей. Но явное отступление от канона – это трактовка лица, которое складывается из отдельных фрагментов наподобие мозаики.
   На картине изображен отец А. Меламида – известный советский историк и писатель Даниил Мельников (Меламид), автор многих книг по истории фашистской Германии.
  Ресурсом для создания художниками авангардной живописи стал советский оформительский китч – лозунги, агитационные щиты, картины и статуи.
   Этими художниками в соавторстве с Владимиром Паперным в 1972 году был написан
Манифест соцарта.
   «Мы живем в стране, где бытие определяет сознание. Соц-арт  — это возрождение на авангардных принципах стиля и методов классического соцреализма… Соцреализм вошел в наше подсознание, в то время как подсознательное стало предметом разговоров на общественном уровне.
   Соц-арт – это отрицание, что духовная жизнь индивидуальна. Она государственная и общественная собственность. Произведение соц-арта – это символ той области сознания, где граничит личное и социальное.
   Художник соц-арта – не ремесленник, обслуживающий эстетические потребности среднего класса. Художники соц-арта – акушеры новых слоев.
   Соц-арт не имеет отношения к понятиям красоты и эстетического переживания. Важна не картина, а разговор о ней. Важен не живописный прием, но столкновение стилей и ожидаемая реакция на это столкновение.
   Соц-арт – это столкновение между стилем, подразумевающим определенную тему, и темой, противоречащей этому стилю.
   Путь соц-арта – это диалог со зрителем и требование права на этот диалог от зрителя.
   Соц-арт – это преодоление круговой поруки страха перед антиэстетическим».
   Илья Кабаков (р. 1933)
   «Ответы экспериментальной группы»
   Работа представляет собой опросный лист из 52 ячеек. Каждая из них содержит имя «персонажа» и его короткий комментарий по поводу некоего третьего лица, которое во всех комментариях фигурирует под местоимением «он». Кто-то из «персонажей» знает «его» лично, кто-то понаслышке, одни убеждены в «его» хороших качествах, другие не уверены, о ком именно идет речь, и вместо ответов задают уточняющие вопросы. От ячейки к ячейке Кабаков меняет контекст восприятия для своего персонажа, и зритель начинает понимать, что этот «он» может быть кем угодно и чем угодно: одушевленным существом и неодушевленным предметом, местом на географической карте, деталью одежды или едой и т.д. «Он» исчезает и появляется, присутствует среди опрошенных «персонажей», растворяется в пространстве. Но, что самое главное, — «он» существует только в комментариях и реализуется в системе связей, которые возникают внутри воображаемого сетевого сообщества или «экспериментальной группы».
   Группа «Гнездо» :Виктор Скерсис (р. 1956), Михаил Федоров-Рошаль (1956-2008), Геннадий Донской (р. 1956)
   «Железный занавес»
   Попытка избавиться от власти навязчивых метафор, которыми обросла политическая пропаганда и политическая риторика холодной войны.
   Объект смущает своей подлинностью: он действительно сделан из железа и имеет «оригинальное» английское название – iron curtain.
   Слово превращается в материальный «продукт».
   Советская идеология страдала нехваткой образов, однако имела огромный словарный запас и в прямом смысле продуцировала слова.
   Леонид Соков (р. 1941)
   «Сталин и Монро»
   Оригинальная версия соц-арта, опирающаяся на фольклорную эстетику и радикально сталкивающая культурные оппозиции «авангарда» и «китча», критерии «элитарного» и «массового» искусства.
   Золотой фон в картине не возвышает героев, а, наоборот, придает им дешевый «блеск». Как на любовной открытке, Сталин и Монро показаны крупным планом в окружении розочек и вместе образут две половинки одного сердца.
   В трактовке лиц наблюдается некоторая стилистическая разница. Лицо Мерилин – это раскрашенная фотография, лицо Сталина – тоже фотография, но сделанная с карикатурного рисунка, источником для которого, возможно, послужила официальная советская гравюра с каноническим профилем вождя.
   Стилистика деревянной гравюры очевидно проявляется в изображении волос. И может показаться, что некий официальный портрет Сталина, перемещенный в контекст соц-арта, вдруг неожиданно обмяк и приобрел лирические интонации.
   Андрей Монастырский (р. 1949)
   «Дышу и слышу». Фотография, картон, алюминиевый прут, пластиковые трубки.
   Персонаж – в исполнении  самого А. Монастырского, странный герой с пучком волос на макушке, облаченный в черную шинель.
   В его руках – загадочный прибор с четырьмя трубками, вставленными в уши и ноздри, и этот прибор позволял обладателю полностью переключиться от зрительных к звуковым ощущениям.
   Стремление к стимуляции зрительского воображения.
   Римма Герловина (р. 1951) и Валерий Герловин (р. 1945)
   «Предметы с планеты ФС-9Х»
   Жанр манипулятивных объектов (сложился в 1960-е годы в среде участников интернациональной группы «Флюкус»-«Поток»). Художники создают  «внедемонстрационные», антизрелищные произведения, которые невозможно увидеть, но можно почувствовать и осознать путем тактильного контакта, ощупывания, верчения в руках и т.п. Они считают, что искусство – это в первую очередь представление о нем и все художественные образы в основе своей умозрительны, то есть конструируются в сознании.
   Подобные идеи привели к попыткам создания чисто «умозрительных» форм, исходя из тактильных или звуковых ощущений, минуя зрение.
   Предметы Горловинных невозможно увидеть, они зашиты в черные мешочки – своеобразные «черные квадратики», которые отличаются друг от друга только размерами. К каждому мешочку пришита бирка с названием предмета, находящегося внутри. Эти названия как правило представляют собой абстрактные понятия. Их практически невозможно себе представить в конкретных образах, но зрителю предлагается пощупать мешочки (в открытой витрине). Мешочек с биркой «Произведение искусства» на ощупь оказывается пустым.
   В процессе тактильного контакта зритель понимает, что в мешочках находятся самые обыкновенные бытовые предметы: ключ, карандаш, пластиковая банка и многое другое. При этом название всей серии, отсылающее к фантастическим романам, указывает на «внеземное» происхождение предметов.
   Герловины предлагают один из вариантов искусства будущего как искусства новых опытов и ощущений, искусства, способного изменить сознание.
   Таким образом, практика Герловиных меняла привычные представления о статусе произведения искусства, позиции зрителя и деятельности художника, для которого создание «новых форм» отныне означало создание новых отношений.
   Борис Орлов (р. 1941)
   Инсталляция «Пантократор» (Стоять смирно)
   Орлов создает «имперский» стиль, включая в него греко-римские и византийские мотивы, интегрируя в него элементы классического авангарда и китча, проявленного в советской идеологической продукции.
   «Пантократор»: гигантский бюст незримого божества состоит исключительно из знаков отличия, его «тело» собрано из наградных планок, медалей и перепоясано орденской лентой.
   Путь к этому идолу ведет по лестнице, деревянной ковровой дорожке, по которой невозможно пройти: она держит на расстоянии и многократно призывает «Стоять смирно!». Так произведение искусства обращается к зрителю в приказном тоне и указывает на единственно возможный путь к своему постижению. Стоять смирно – основная поза советской медитации.
   «Пантократор» — образец нового культового искусства, которое по масштабности и всеохватности уже соперничает со своим первоисточником – соцреализмом.
   Дмитрий Пригов (1940-2007)
   «Плачущий глаз»
   Одна газете – плоская; здесь кипа газет – словно скульптура.
   В советской культуре газета обладала особым статусом медиапосредника между читателем и верховной властью.  Но в качестве такого посредника она существовала только один день, после чего превращалась в макулатуру для обмена на ценную книгу или оберточную бумагу.
   Глаз символизирует ее «телесные муки».
   Объект отчасти становится субъектом – то, что ты видишь, становится тем, что смотрит на тебя.
   Константин Звездочетов (р. 1958)
   «Роман-холодильник»
   Это один из самых странных объектов в собрании ГТГ.
   Художники «новой волны» 1980-х годов стирали границы между жанрами и видами искусства и в целом не делали разницы между искусством и жизнью.
   В принципе, это квест.
   Это действительно роман-холодильник, то есть литературное произведение со своей фабулой, сюжетной структурой, авторскими интонациями и особенностями языка. Однако в качестве носителя текста служит не плоскость бумажного листа, а пространство реального холодильника.
   По авторскому замыслу, действие романа должно было разворачиваться перед зрителем-читателем в процессе последовательного знакомства с содержимым холодильника. Отсюда сноски в виде звездочек и цифр, отсылающие к частям повествования и указывающие на место расположения предметов.
   Большинство глав и отдельных эпизодов романа было написано на свитках и отдельных листах, уложенных в коробки на разных полках холодильника. Таким образом, читатель погружался в мир тайных комнат, коробок, шифров и ключей, и, как в любом шпионском романе, он понимал суть происходящего только в результате длительного расследования.
   В 1983 году практически все текстовые фрагменты были изъяты сотрудниками КГБ во время обыска, и сейчас «Роман-холодильник» — это больше холодильник, чем роман, то есть скорее объект, чем текст. Но утрата цельности не противоречит изначальной концепции произведения: «Роман-холодильник»задумывался и создавался как саморазрушающаяся конструкция. Автор начал наполнять еще действующий холодильник, и в процессе замораживания-размораживания многие предметы быстро старели и портились. Автор воспринимал свою «непонятную металлическую коробку» как образ человеческой культуры: « Я могу уподобить ее древнему храму – мы заходим в него и видим остатки изображений, какие-то надписи, и мы даже знаем, когда и ради чего его создали, но мы не знаем главного – той психологической ситуации, в какой существовал этот храм, а значит, мы не знаем ничего».
    Сергей Мироненко (р. 1959)
   «Голдобины»
   «Великолепная семерка» — так называли детей семьи Голдобиных , отличившихся своими успехами в спортивной и общественной жизни уральского города Кунгур в 1920-е годы.
   Семь человек  плечом к плечу стоят по росту на фоне пустынного пейзажа с небом, испещренным молниями и закрученными ветрами. Облаченные в светлые спортивные блузы и темные шорты члены военно-спортивного центра величественно спокойны и готовы прямо сейчас отправиться в героический поход.
   Композиция с фигурами вписана в картуш и окружена орнаментальной рамкой с растительными мотивами. В советском искусстве этот принцип использовался в оформлении станций кольцевой линии московского метро, декорированных в стиле так называемого сталинского ампира.
   Здесь опрокинута иерархия изобразительных ценностей: фигурная сцена становится маргинальной, в то время как орнаментальное обрамление довлеет. Это снижение героического пафоса до «сладкой прелести» китча.
   Дмитрий Врубель (р. 1960)
   «Господи, помоги мне выжить среди этой смертной любви!»
   Эта работа с поцелуем вождей и христианской молитвой в качестве названия стала знаковой работой эпохи перестройки и визитной карточкой Д. Врубеля.
   Источником для композиции послужила знаменитая фотография «братского поцелуя» Брежнева и Хонеккера. По мотивам этой фотографии и создана на фрагменте Берлинской стены.
   В сознании поздних коммунистических лидеров «братские поцелуи» символизировали дружбу народов и единение партийных соратников.
   Этот канон переосмыслен с помощью христианской молитвы. При этом стилистика изображения придает молитвенной фразе характер политического лозунга, и однозначное на первый взгляд произведение остается открытым для интерпретации и полемики. Так, современные зрители уже с большим трудом считывают пафос «братского поцелуя» и рассматривают его даже в связи с проблемами однополых браков.
   Группа «Инспекция «Медицинская герменевтика» — Павел Пепперштейн (р. 1965), Сергей Ануфриев (р. 1964), Юрий Лейдерман (р. 1963)
   «Товарная панель при легком искажении»
   Свою деятельность участники группы воспринимали как тотальную инспекцию, то есть оценку, анализ и ревизию художественного процесса и окружающей действительности. Понятие «герменевтика» в названии группы указывало на метод истолкования всех воспринимаемых явлений как зашифрованных текстов, а определение «медицинская» намекало на то, что процессы истолкования могут осуществляться в состоянии измененного сознания.
   Это состояние стало всеобщим в эпоху капитального обрушения советской системы и все ее устоев, норм и ограничений. Слова и вещи уже не соответствовали друг другу.
   Жанр «готовых изделий». В композиции задействованы предметы медицинского инвентаря, расставленные на зеркальной панели по принципу демонстрации товара.
   Конечно, предметы, ставшие художественными объектами, первоначально имели конкретные функции и в массовом порядке выпускались советской промышленностью. В конце 1980-х годов с прилавков исчезали товары первой необходимости и оставались только «ненужные» вещи, которые наводили на мысль, что советская промышленность занимается производством сомнительных изделий, имеющих то ли бытовое, то ли культовое предназначение.
   Владимир Дубосарский (р. 1964) и Валерий Кошляков (р. 1962)
   Инсталляция «Археология утопического города»
   Инсталляция, соединяющая несколько архитектурных пейзажей, написанных В. Кошляковым, и множество гипсовых осколков, найденных В. Дубосарским в мастерской Николая Томского – одного из крупнейших скульпторов сталинской эпохи — , наполнена светлой меланхолией, романтическим и даже сентиментальным переживанием красоты руин.
   Кошляков приклеивает на холст отдельные куски непрочной рыхлой бумаги и создает изображение отдельными пятнами темперы, а также отрывистыми линиями, нанесенными углем и сухим соусом. В отдельных местах он специально надрывает бумагу, и в каком-то смысле это намеренное состаривание, разрушение картины.
   «Археология» в контексте 1990-х годов представляла наилучшее отражение постмодернистской концепции конца истории в ее традиционном линейном понимании.
   Игорь Макаревич (р. 1943)
   Инсталляция «Сон живописи порождает чудовищ»
   В названии – перекличка со знаменитой гравюрой Гойи «Сон разума рождает чудовищ», где Гойя представил спящего художника, одолеваемого призраками.
   В работе Макаревича субъект отсутствует и вместо него действуют вещи и предметы интерьера. Главный среди них – шкаф – это и одушевленный объект, и портал в другой мир, и бездонное вместилище для фантастических предметов. На его полках можно разглядеть маленькую игрушечную кроватку, на которую бережно, как новорожденные дети, уложены тюбики масляной краски. Они символизируют тот самый сон живописи – искусства, которое во второй половине ХХ века уступило место новым практикам и новым видам художественной деятельности – объектам, перформансам, инсталляциям.
   Все предметы имеют зеленый цвет, глухой и мертвенно-казенный.
   Ощущение грубой реальности усиливается благодаря присутствию резиновых калош. Они множатся и бесцеремонно снуют повсюду, будто пытаются захватить как можно большую территорию.
   «Чудовищная» инсталляция вторгается в реальность, порожденная сюрреалистическими сновидениями и пропущенная через опыт советской коммунальной эстетики.
   Олег Кулик (р. 1961)
   «Бешеный пес, или Последнее табу, охраняемое одиноким Цербером»
   Это была акция: Олега Кулика вел на поводке Александр Бренер. Кулик изображал собаку, непрерывно лаял, запрыгивал на проезжающие машины и бросался на зрителей. Акция длилась около часа.
   Из писем Ван Гога к брате Тео:
   « Взъерошенный пес – это мой характер, а жизнь этого художника – моя жизнь. Я вижу двух братьев… Один говорит: «я должен сохранить определенное положение; я должен остаться на службе у фирмы; я не верю, что стану художником». Другой говорит: «Я буду собакой; я чувствую, что в будущем сделаюсь, вероятно, еще уродливее и грубее; я предвижу, что уделом моим до некоторой степени будет нищета, но я стану художником». Итак, один – определенное положение в фирме, Другой – живопись и нищета… Я сознательно избираю участь собаки: я останусь псом, я буду нищим, я буду художником, я хочу остаться человеком – человеком среди природы».
   Ассоциации с «Собачьим сердцем» Михаила Булгакова и воспринимаемым в качестве аллюзии на советский проект.
   Опыт радикального акционизма как опыт вторжения в реальность и преображения реальности некоторые критики связывают с традицией древнерусского юродства.
   Анатолий Осмоловский (р. 1969)
   Акция «Путешествие Нецезиудика в страну Бробдингнегов»
   1993 год. Художник и поэт А. Осмоловский взобрался на знаменитый памятник Владимиру Маяковскому на Триумфальной площади.
    Труднопроизносимое название отсылает к роману Джонатана Свифта «Путешествие Гулливера», в котором описана фантастическая страна Бробдингнегов – великанов, обладающих собственной культурой, невыносимой для людей обычного роста.
   С 1960-х годов у памятника начали собираться молодые поэты и читать стихи «во весь голос». Так площадь Маяковского стала местом выражения если не оппозиционных, то по крайней мере неформальных
   Жест Осмоловского был ориентирован на то, чтобы «оживить» памятник и создать вокруг него «революционную ситуацию».
   Нецезиудик – вымышленный герой и одновременно название «конкурирующей программы» Осмоловского, призванной сформулировать позиции художественного авангарда на новом историческом этапе после окончания холодной войны, когда многие исследователи заговорили об утрате критических позиций в современном искусстве и срастании с индустрией зрелищ.

   В Новую Третьяковку поступают все новые экспонаты. Иногда неискушенному зрителю они могут казаться странными. Часто заставляют задуматься или удивиться.
   Но, во-первых, как философски высказалась Президент Музея Изобразительных искусств Ирина Антонова, «есть искусство, а есть просто творчество», во-вторых, «всякое произведение искусства есть дитя своего времени» (Василий Кандинский).

   ИСПОЛЬЗОВАНЫ МАТЕРИАЛЫ
— Анны Дикович
— Сергея Епихина
— Алены Рассказовой
— Кирилла Светлякова
— Натальи Сидоровой
— Софии Тереховой
— Яны Шклярской
— Галины Шубиной
В ПУТЕВОДИТЕЛЕ по Государственной Третьяковской галерее на Крымском Валу. Искусство ХХ века. Под редакцией К. Светлякова. Москва, 2014

Третьяковская галерея. От авангарда до постмодернизма. Мастера ХХ века. Москва, 2009.

Сборник материалов для подготовки и повышения квалификации гидов-переводчиков и экскурсоводов. Гл. редактор, составитель Л. Глобачева. Консультант И. Шнайдген. Москва, 2000.

            Пособие подготовлено  Л. Глобачевой

Композиция картины

Слово «композиция» происходит от латинского соmpositiо, что означает сочетание частей в определенном порядке.

Композиция в живописи — это такое расположение элементов изображения на картинной плоскости, которое позволяет с наибольшей полнотой и силой выразить замысел. Чтобы привлечь внимание и взволновать зрителя, художник старается найти сильные и выразительные средства изображения. В любой картине художник стремится построить композицию, показав объект в наиболее выразительной форме. Все лишнее отбрасывается, оставляется только то, что необходимо, второстепенное подчиняется главному. Чувство восторга от произведения вызывается

внутренним содержанием изображаемого, выраженным всем образным строем картины. Действуют все элементы композиционного построения, самые разнообразные изобразительные средства: формат холста, точка зрения, высота горизонта, характер освещения, место композиционного центра и т. д.. Все влияет на силу эмоционального воздействия картины.

Готовых рецептов композиционных построений не может быть. Одно только неизменно и верно на любой случай: композиционное построение картины основывается на жизненной группировке и сочетании объектов природы, а также на особенностях нашего зрительного восприятия. Нельзя строить композицию картины только, например, по принципу «треугольника» или «диагонали», который применяли старые мастера. В зависимости от задач, поставленных в картине, композиционное построение будет меняться и определяться идейным замыслом, содержанием произведения.

В окружающей реальной действительности художник находит не только типаж для своих картин, но и основу композиционного построения. Так, например, основой для построения композиции «Крестного хода» И. Репина стал яркий образ увиденной им в жизни огромной толпы. В композициях картин «Утро стрелецкой казни» и «Боярыня Морозова» В. Суриков использовал типичную обстановку Красной площади и старых московских улиц. Для создания композиции картины о походах Ермака он проехал на лошадях по Сибири более трех тысяч километров. О том, как зародилась композиция картины .«Меншиков в Березове», Суриков вспоминал: «Да, вот у меня было летом так, я жил под Москвой на даче, в избе крестьянской. Лето дождливое было, изба тесная, потолок низкий. Дождь идет, и работать нельзя. Скучно. И стал я вспоминать: кто же это вот точно так в избе сидел? И вдруг… Меншиков… сразу все пришло — всю композицию целиком увидел». Жизненная правда — вот основное правило создания композиции картины.

В своей творческой работе, в построении композиции художник руководствуется законами природы и особенностями зрительного восприятия. Симметрия, равновесие и ритм, целесообразность строения, разнообразие форм, колористическая целостность, единство точки зрения, размер и формат изображения — все эти элементы композиции художник подчиняет выражению замысла. Познакомимся с ними подробнее.

Формат холста и размер изображения

Важной задачей композиционного построения картины является выбор формата холста (его размер и пропорции сторон) и величины самого изображения. Задуманное изображение хорошо размещается далеко не в любом размере холста, а различные формы картинной плоскости могут придавать изображаемым объектам разный характер.

Круглый формат холста придает картине спокойную завершенность. Овальный портрет хорошо сочетается с округлостью лица и придает изображаемому человеку мягкость и женственность.

В изображениях мужа и жены Ривьер художник Энгр поместил портрет госпожи Ривьер в овальном обрамлении. Портрет супруга художник изобразил на прямоугольном холсте, с которым гораздо лучше вяжется более Твердый и жесткий силуэт этой фигуры.

Вытянутый вверх прямоугольный формат повышает монументальное впечатление от изображения. Чрезмерно вытянутый по горизонтали прямоугольный холст сковывает и принижает изображаемый объект. «Демон» М. Врубеля изображен именно на таком формате. Портреты В. Серова исключительно разнообразны по форматам полотен. Для каждого портретируемого человека он находил соответствующий формат.

Размер картины, разумеется, тоже зависит от ее содержания. Не каждый сюжет можно втиснуть в рамки малого холста или чрезмерно его увеличить. Для каждого сюжета должен быть найден подходящий размер. Сюжеты эпические требуют для своего выражения более крупных размеров холста, чем сюжеты бытовые. Несоответствие формата содержанию может сказаться отрицательным образом на раскрытии замысла.

Для композиции картины, для выделения сюжетного центра имеет большое значение величина самого изображения на плоскости холста. Крупное изображение всегда выступает из картинной плоскости, из того пространства, которое воображается за плоскостью холста. Слишком мелкое изображение далеко отступает за картинную плоскость, кажется второстепенной частью плоскости холста или бумаги. Удачная композиция получается в том случае, когда у зрителя не возникает желания раздвинуть или уменьшить края холста, изменить его масштабность.

Точка зрения в композиции.

Выразительность художественного образа определяется выразительностью самой натуры. Каждый предмет или объект может показывать свои особенности с какой-то стороны полнее, с какой-то меньше. Надо уметь выбрать горизонт, зайти слева и справа, ближе или дальше — найти такое местоположение, с которого натура будет видна наиболее выразительно.

На рис.1,б взята такая точка зрения, с которой предметы видны плохо организованными, вытянутыми в одну линию, не связанными друг с другом. Если переменить точку зрения, то натура может выглядеть как взаимосвязанное целое(рис.1,а).

а           б

Рис. 1

Подобным образом изменяется вид пейзажа в зависимости от перемены точки зрения. Ниже приведены примеры того, как по-разному меняется композиция пейзажа в зависимости от разной точки зрения. На рис. 2, а деревья находятся далеко сбоку и не сочетаются с домом. Если отойти влево и выбрать другую точку, вид пейзажа изменится (рис.2, 6).

а         б

Рис. 2

Точка и угол зрения в картине являются важным элементом создания композиции. Так, например, при изображении действия людей в условиях пейзажа очень важно приблизить их, чтобы они не терялись в изображаемом пространстве и заняли преобладающее место в общем построении. Неверно будет также, если мы очень близко придвинем массу фигур к переднему плану. Действие под открытым небом требует некоторого пространства. По этому надо выбрать такую точку зрения, чтобы в композиции уравновесились группы людей и пространство.

Каждый сюжет для своего выражения нуждается в своей точке зрения, особом горизонте. Горизонт на уровне глаз выражает более спокойное впечатление от картины. Высокий горизонт открывает больше пространства, и просторы природы выглядят более величественно. Картина И. Левитана «Над вечным покоем» имеет высокий горизонт, который позволил художнику показать беспредельные просторы родины, выразить мысль о вечности природы.

Композиция с низким горизонтом создает более монументальное впечатление. Низкая точка зрения используется художниками в тех случаях, когда надо подчеркнуть большие размеры изображаемых объектов. В картине В. Васнецова «Богатыри» впечатление эпической мощи и величавости усиливается применением низкой точки зрения.

Композиционный центр.

Как уже отмечалось, в картине все должно быть подчинено выражению основной мысли, идеи. Цельность композиции зависит от подчиненности второстепенного главному, увязки всего изображения в единый организм произведения. Каждая деталь должна что-то добавлять для развития замысла. Второстепенное, малозначительное в композиции не должно бросаться в глаза, должен быть выделен основной объект.

В этюде это может быть дерево пи опушке, уходящая вдаль дорожка или человек на фоне леса. Если картина представляет пестрый набор равнозначных объектов, пятен, контрастов, она теряет свою композиционную выразительность. Основному объекту изображения надо найти наилучшее место в картине, изобразить его наиболее внимательно и подробно.

Главный действующий объект обычно размещается на картине вблизи его оптического центра. Это позволяет зрительно охватывать взором всю картину сразу и воспринимать содержание на большом расстоянии.

Наше зрение так устроено, что когда мы смотрим на окружающую нас действительность, то всегда выделяем из рассматриваемой группы такой объект, который привлекает наше внимание. Он находится в центре поля зрения, и его мы видим с подробностями и четко. Остальные предметы, находящиеся в поле зрения вне зрительного центра, воспринимаются обобщенно, без деталей. Получается так, что все предметы, окружающие главный рассматриваемый предмет, по своей заметности, значению как бы подчиняются главному и все, что попадает в поле зрения, воспринимается цельно и уравновешенно.

Композиционное построение картины во многом обусловливается этой спецификой зрительного восприятия. Чтобы изображение воспроизводилось правдиво, цельно, уравновешенно, в нем должен быть композиционный центр, которому обязаны подчиняться все другие элементы изображения. Следует вновь подчеркнуть: без подчинения всех элементов картины главному не может быть достигнута естественность зрительного впечатления от картины. Несколько равнозначных композиционных центров разрушат единство и целостность композиции. Она не будет отвечать специфике зрительного восприятия. Однако художник может иметь в картине два или несколько композиционных центров, если только это оправдано содержанием.

Последовательность восприятия картины должна соответствовать не только специфике зрительного восприятия, но и логике развития ее содержания. В картине И. Репина «Не ждали» прежде всего бросается в глаза фигура вошедшего. Восприняв центральный образ, глаз зрителя постепенно находит других персонажей, детали обстановки, способствующие раскрытию темы.

В картине П. Федотова «Сватовство майора» взор зрителя приковывается прежде всего к фигуре невесты, очаровывается ее женственностью и прекрасным живописным мастерством художника. Взгляд зрителя останавливается на фигуре матери, которая удерживает невесту за платье, затем на фигуре отца, свахи и, наконец, на самом герое сватовства. Верно найденные пропорции фигур и деталей, использование контрастов — все способствует восприятию логики происходящего события. Картина маленькая по своим размерам, но сюжет становится понятным сразу и на большом расстоянии.

Таким образом, цельность композиции зависит также от связи всех элементов произведения.

Выделение главного действующего лица в жанровой композиции достигается не только тем, что оно изображается в центре на видном месте, но и в самой технике письма. Второстепенные фигуры, или второплановые, пишутся более обобщенно, без живописных подробностей, чтобы они не отвлекали на себя слишком много внимания, не «забивали» главные образы, При таком выделении внимание зрителя сначала сосредоточивается на главном, затем на второстепенном, которое, как многие инструменты в оркестре, не мешает главному, а только аккомпанирует, помогает ему.

Выделение композиционного центра и создание естественного зрительного впечатления в картине достигается также светотенью, величиной фигур, цветовыми сопоставлениями и расстоянием между фигурами. Художник может выделить главное в картине и цветом, и тоном, и заметностью деталей на нем.

Равновесие картины.

Если холст неравномерно заполнен изображаемыми объектами, рисунок смещен к какому-либо краю, картина воспринимается перегруженной в одной части холста и слишком облегченной в другой. Она выглядит неуравновешенной. Такое изображение противоречит нашему зрительному восприятию действительности, смотрится плохо организованным и неестественным.

Когда мы смотрим на предметы действительности, в зрительном поле они распределены равномерно. Оптический центр находится приблизительно посредине. Соответственно этому в картине размещаются объекты и устанавливается композиционный центр. Композиционный центр в большинстве случаев не совпадает с геометрическим центром, но и не удаляется далеко от него. Чрезмерное смещение центрального объекта изображения или целой группы предметов создает и картине впечатление перегрузки и одной ее части и пустоты в другой. На рис. 3, а деревья сосредоточены слева, а справа — пустой горизонт. Левая сторона явно перегружена в ущерб правой. Этот недостаток отсутствует на рис. 3, б.

                                       Рис. 3                                          

а              б

Равновесие в композиции достигается равномерным распределением элементов изображения на плоскости картины слева и справа, вверху и внизу. Особо важное значение имеет правильное распределение масс справа и слева от вертикальной оси, проходящей через центр полотна. Однако надо избегать деления плоскости на две равные части как по горизонтали, так и по вертикали. Горизонт в картине не должен совпадать с горизонтальной серединой картины, а на среднюю вертикаль не должны попадать крупные объекты. В противном случае вся картина распадается на две самостоятельные части.

Уравновешенность картины не предполагает точной, геометрической симметричности. Композиция будет страдать надуманностью, если главное действующее лицо, помещенное в композиционном центре, будет находиться посредине. Главное действие лучше отнести.в сторону от центра.

В уравновешенности картины имеют значение не только сами массы предметов, но их тон и цвет. Маленький темный объект может уравновесить большой, но серый. Пятно яркого цвета в одной стороне требует своего повторения в другой.

Чтобы обеспечить композиционный выбор сюжета при изображении натюрморта или портрета с натуры, можно использовать рамочный видоискатель. Двигая видоискатель, подбирают подходящий сюжет, запоминают его расположение в прямоугольнике рамы и соответственно этому размещают объекты на холсте или бумаге.

Можно и по другому выбрать размещение предметов на холсте: сделать композиционные наброски с разных точек зрения и очертить набросок прямоугольной рамкой таких размеров, чтобы получить хорошее отношение плоскости холста и предметов изображения. Иногда на бумаге сначала намечают карандашом рамку и в ней набрасывают эскиз натюрмортного или портретного сюжета. Так равномерно заполняют плоскость картины, определяют масштаб изображения и находят нужное композиционное размещение.

Необходимо отметить, что для целей создания художественного образа художник имеет право сознательно нарушать устойчивое равновесие изображаемых объектов.

Контрасты в композиции.

Важную роль в построении композиции картины играют сопоставления и контрасты. Выразительность композиции усиливается, если она строится на сопоставлении большого и малого, динамичного и неподвижного, яркого по цвету и сдержанного, красивого и уродливого, доброго и злого и т. д.. О значении сопоставлений и контрастов говорил еще Леонардо да Винчи, подчеркивая, что в исторических сюжетах следует смешивать по соседству прямые противоположности, чтобы в сопоставлении усилить одно другим.

В самых разнообразных картинах великих художников можно найти множество сопоставлений такого рода. В «Отказе от исповеди» И. Репина образ мужественного, убежденного в своих взглядах революционера контрастирует с образом равнодушного священника. В «Боярыне Морозовой» В. Сурикова рядом с трагическим лицом раскольницы помещена злорадно посмеивающаяся физиономия возницы, и тут же недалеко голова мальчика, который глуповато смеется. В картине Сурикова «Меншиков в Березове» композиционный контраст составляют огромная фигура Меншикова и низкий потолок избы, благодаря чему создается впечатление, что неукротимой фигуре Меншикова в этой комнате тесно, как в клетке. В картине контрастируют между собой и одежды сестер: расшитая золотом шубка Александры и черное одеяние Марии дают почувствовать различие их характеров. В картине В. Серова «Петр Первый» величественности и беспрепятственному движению Петра противопоставлен робкий шаг не поспевающей за ним свиты. Согнутые фигуры хорошо усиливают впечатление неукротимой энергии Петра.

Ритм в композиции.

Жизнь ритмична во всех своих проявлениях. Ритмично движутся планеты, сменяются времена года. Каждому человеку присущ определенный ритм поведения. По ритму движения, по тому, как люди ходят, говорят друг с другом, можно определить смысл происходящего события. Разный ритм поведения бывает у людей. находящихся, например, на вокзале: у отъезжающих он быстрый и суетливый, у приезжающих он совсем другой.

В живописи ритм проявляется в повторении отдельных элементов изображения:

в чередовании масштабных соотношений,

в расположении световых и цветовых пятен,

в динамике жестов, движений и т. д.

Ритмичные построения осуществляются как на самой плоскости картины, так и в расположении объектов в пространстве. Ритм всегда связан с содержанием картины и подчинен выражению идеи. Ритм помогает зрителю акцентировать внимание на важных моментах и настраивает его на определенный лад, усиливает выразительность изображения. В картине А. Дейнеки «Оборона Петрограда» отчетливо проявляется ритмичность композиции. Марш вооруженных рабочих пронизан бодрым и уверенным ритмом. Этот ритм выявляет целеустремленное движение. В то же самое время ритм движения раненых на мосту сбивчив и неорганизован.

Роль цвета в композиции.

Колорит, как и все составные элементы композиции, находится в тесной связи с замыслом и помогает зрителю воспринимать содержание. Когда говорят об эмоциональном воздействии колорита картины, меньше всего надо предполагать возможность эмоционального воздействия цветов самих по себе. Не следует преувеличивать связь абстрактных цветов с различными эмоциями. Эмоционально сильный и выразительный колорит нельзя создать голой броскостью открытых красок. На зрителя действует только правда жизни, поэтому скромная, но правдивая гамма, выражающая колористическое состояние природы, иногда может дать гораздо большее эстетическое наслаждение и сильнее обогатить чувство и мысль, чем декоративная броскость открытых цветов.

Тем художникам, которые строили колорит картины на декоративной силе и звучности красок, И. Репин говорил: «Не в силе бог, а в правде».

Колорит природы подобен мажору или минору в музыке. Так, например, в зависимости от освещения мы испытываем неодинаковые переживания при восходе солнца или заходе, днем или в лунную ночь, в туман или в дождливый день. Разные состояния колорита в природе связываются то с радостными чувствами, то с тревожными и таинственными. Мрачный полусумрак подвального помещения действует на человека угнетающе. Залитая светом комната будет производить на человека иное впечатление. Яркий солнечный день, освещенное зеленое поле или лес в картине обязательно вызовут радостное настроение. Серо-синеватые тучи, закрывшие небо в картине, общее тоновое состояние пасмурного дня могут вызвать тяжелую задумчивость и грусть. Эти испытанные переживания постоянно содержатся в нашем жизненном опыте, и, если художник верно передает в картине состояние освещенности определенного времени дня или состояние погоды, у зрителя могут возникнуть те или иные переживания, аналогичные тем, через которые он проходил в жизни. Только так художник может повысить в картинах выразительность колорита.

Если присмотреться к пейзажам и жанровым картинам известных художников, то можно заметить, что изображаемый момент и состояние освещенности в картине всегда определялись замыслом, и колорит картины в конечном счете выражал это состояние. Именно ассоциативные качества конкретного состояния природы учитывались художниками в стремлении добиться наиболее сильного эмоционального воздействия на зрителя.  «Журавли летят» А. Степанова.

П. П. Чистяков в письме к Васнецову по поводу одной его картины указывал, что смысл события, его поэзия требуют «набросить сумеречный покров» на всю картину, объединить ее цветом, соответствующим идее картины.

В картине В. Сурикова «Меншиков в Березове» настроение тоски и безысходности в композиции создается колоритом мрачной и темной избы. В картине И. Левитана «У омута» верно переданное состояние сумерек, сырость и прохлада заросшего пруда вызывают впечатление таинственности и сказочности пейзажа. В пейзаже Левитана «Летний вечер» почти нет ничего привлекательного по своим объектам: на первом плане ворота, кусочек поля и лес вдали, но как он прекрасен своим вечерним колоритом! Правдивость вечернего состояния делает картину поэтичной. Она захватывает нас своей красотой, напоминает о летних вечерах и рождает вновь когда-то пережитые чувства. Вспомним еще одну картину И. Левитана —«Владимирка». Серое небо, однообразная пустынная дорога тянется вдаль к горизонту. Все это создает определенное минорное настроение. Если бы художник передал другое состояние пейзажа, солнечное освещение, весенние цветы вдоль дороги, он внес бы в пейзаж и совсем иное настроение.

Чтобы передать безысходную тоску родителей, их одиночество, В. Перов в картине «Старики родители на могиле своего сына» тоже использовал состояние хмурой погоды. Именно колорит серого дня, погасивший все краски, низко нависшее небо наряду с острой характеристикой самих фигур пожилых людей помогает передать тяжелое впечатление.

Можно назвать бесконечное множество картин, колорит которых определялся состоянием освещения и только таким образом способствовал выражению содержания.

Если цвет в картине не выражает естественный колорит происходящего события, если он излишне условен, содержание картины обедняется, в ней не будет чувствоваться жизнь. Даже незначительные изменения общей тональности картины или силы цветового звучания влекут за собой изменение настроения, состояния картины и, следовательно, содержания. Значительное же нарушение естественной целостности цветового строя картины, несгармонированные пятна красок сильно обедняют живопись, неестественно характеризуют пространственные планы. Предметные краски одежд и лиц воспринимаются как сырые и открытые краски. К такому изображению зритель равнодушен.

Попытки организовать цветовой строй живописного произведения на основе физиологического действия цвета еще никогда не приводили художников к положительным результатам. Это элементарное и незначительное влияние цветов самих по себе ни в какое сравнение не идет с тем эстетическим впечатлением, которое оказывают материальные цвета в реалистическом изображении: голубой цвет, например, тогда может показаться нежным, лирическим, когда он выражает состояние неба в определенные часы, при определенном освещении. Воздействие же на нас отвлеченного голубого цвета крайне слабо и незначительно. Синие фиалки в натюрморте возбудят наши чувства неизмеримо сильнее, чем синий цвет вообще.

Красный цвет действует на организм возбуждающе. Но это само по себе в живописи ничего не значит: совершенно разные впечатления вызовут изображения красной крови, красной клубники, красного знамени.

Просто зеленый цвет благоприятен для глаз и для психики, повышает работоспособность, но примененный в живописи с этой целью он отталкивает и раздражает своей тупой «ядовитостью». Если же зеленый цвет будет выражать состояние березовой рощи весной в солнечный день, он приобретает высокое эмоциональное воздействие. Ярким примером этому может служить «Зеленый шум» А. Рылова.

Черный цвет по своему условному значению — цвет печали и траура. Но портрет Ермоловой В. Серова, где доминирует черный цвет, производит светлое, оптимистическое настроение.

Искусствовед Н. Дмитриева в своей книге «Изображение и слово» приводит убедительный пример того, что цвет в живописи обладает красотой и воздействием на чувства людей до тех пор, пока он относится к предметному изображению. Она пишет: «Раковина» Врубеля производит сильнейшее впечатление, и кажется, что оно зависит только от красоты цветовых переливов, ни от чего другого. Но можно сделать простой опыт: закрыть эту картину, оставив открытым какое-либо ее место, по которому нельзя догадаться о предмете изображения, о том, что изображена именно раковина. И сразу же она как бы поблекнет, распадется на отдельные безжизненные штрихи и утеряет поэзию колорита.

В прошлом веке немецкий психолог Фехнер по поводу воздействия цветов самих по себе остроумно замечал, что красный цвет на щеках девушки может быть очень красив, но он станет безобразным, едва мы передвинем его всего на несколько сантиметров — на ее нос.

Из этих примеров достаточно хорошо видно, что восприятие цвета неразрывно связано с восприятием объекта изображения.

Как гармония звуков в поэзии неотделима от смысла и содержания, так и эстетическое воздействие красок, их гармония и красота неотрывны от изображаемых вещей и их свойств.

Колорит в живописи — это результат познания художником в действительности цветового богатства природы.

В природе все предметы и объекты всегда сгармонированы благодаря единству и объединенности красок общим освещением, взаимными рефлексами и контрастным взаимодействием цветов. Художник везде может найти гармонию и согласовать любые «некрасивые» и «противоречивые» цвета.

Свет и цвет в картине — это но только средство изображения объемных форм, материала, пространства, состояния освещенности, но и элемент композиционного построения. С помощью цвета и света художник организует восприятие зрителя, направляет его внимание на главное и вводит его в содержание всей композиции.

Выделение композиционного центра при помощи тона и цвета основано на свойстве зрения воспринимать в первую очередь те предметы, которые контрастны по отношению к фону. Чем интенсивнее и ярче цвет, тем он сильнее действует на глаз, привлекает внимание. Интенсивно окрашенный предмет воспринимается в первую очередь. Это используется в композиции для правильного размещения цветовых пятен. Светом художник выделяет самое важное — композиционный центр, связь с ним групп и фигур, подчеркивает те фигуры, движения и жесты, те предметы окружения, которые имеют большое значение для развития сюжета. Тенью художник поглощает все второстепенное, что может отвлечь внимание зрителя.

При первом взгляде на картину П. Федотова «Сватовство майора» наше внимание привлекают главные ее персонажи: невеста, одетая в светлое розовое платье, и жених в темном мундире, видимый через открытую дверь. Остальные фигуры написаны в более темных цветах и выделяются слабо. В картине «Утро стрелецкой казни» выделены шесть стрельцов в белых рубахах. Они — одни из главных персонажей изображаемого события.

Создавая картины, художник иногда, как лучом прожектора, освещает более ярко и контрастно композиционный центр. В картине «Возвращение блудного сына» Рембрандт освещает героев таким образом, что более всего выделены светом в главных персонажах изображаемого события фигура сына, лицо и руки отца. Все остальное погружено в тень. В картине «Иван Грозный и сын его Иван» И. Репин освещает только центральную группу — отца и сына. Он направляет на нее свет спереди, светлое окошко в глубине картины художник приглушил, чтобы детали обстановки не отвлекали внимания от главного.

Понравилась статья? Поделитесь с друзьями.

Твитнуть

Поделиться

Поделиться

Отправить

Класснуть

Линкануть

18 бесплатных мастер-классов преподавателей Школы рисования Вероники Калачевой

Мне нравится делиться с людьми — знанием, вдохновением, опытом. Частичку всего этого я и хочу подарить сейчас вам. Вероника Калачева, основатель Школы рисования

Посмотреть

Вы можете догадаться, что на самом деле представляют собой эти крупные планы повседневных предметов?

Есть много вещей, которые мы видим каждый день, но вне контекста их действительно трудно распознать.

На этих фотографиях крупным планом показаны 10 объектов, которые мы все знаем, но когда они увеличены, сложно понять, что это такое.

Съемка с близкого расстояния, также известная как макрофотография, — это настоящее искусство.

Обычно его используют для фотографирования крошечных насекомых и растений, но использовать его, чтобы изменить то, как мы видим эти вещи, довольно умно.

С помощью макрофотографии вы можете увидеть все мельчайшие детали, которые трудно увидеть невооруженным глазом.

Вы можете догадаться, что это за 10 вещей?

Нажмите на изображения ниже, чтобы получить ответ.

Нажмите, чтобы увидеть

Подсказка: сладкий и хрустящий

Нажмите, чтобы вернуть

Соты

Нажмите, чтобы увидеть

Подсказка: что-нибудь на завтрак

Нажмите, чтобы вернуть

Крупа

Нажмите, чтобы увидеть

Подсказка: нанеси удар первым

Нажмите, чтобы вернуть

Горящая спичка

Нажмите, чтобы увидеть

Подсказка: это история

Нажмите, чтобы вернуть

Книжные страницы

Нажмите, чтобы увидеть

Подсказка: главный продукт Италии

Нажмите, чтобы вернуть

Макаронные изделия крупным планом

Нажмите, чтобы увидеть

Подсказка: запах Рождества

Нажмите, чтобы вернуть

Корица конечно

Нажмите, чтобы увидеть

Подсказка: сыграй

Нажмите, чтобы вернуть

Ага, это гитара

Нажмите, чтобы увидеть

Подсказка: хрустящие овощи

Нажмите, чтобы вернуть

Болгарский перец

Нажмите, чтобы увидеть

Подсказка: Цитрус

Нажмите, чтобы вернуть

Лайм

Нажмите, чтобы увидеть

Подсказка: часть праздника

Нажмите, чтобы вернуть

Пробка

Кто знал, что все эти повседневные предметы могут выглядеть по-разному с помощью нескольких уловок с камерой.

Изображения были созданы в рамках викторины Ленстор.

БОЛЬШЕ: Deliveroo завтра раздает тысячи бесплатного мороженого, чтобы нам было прохладно в жару.

БОЛЬШЕ: Люди кричат ​​Forever 21 за рассылку диетических закусок Аткинса с одеждой

Электронная почта об образе жизни от Metro.co.uk

Решение

Получайте самые важные новости об образе жизни и функции прямо в свой почтовый ящик.

На снимках сверхкрупным планом можно увидеть предметы повседневного обихода в совершенно ином свете

Вы можете сказать, что это за изображения? Снимки сверхкрупного плана показывают повседневные предметы в совершенно ином свете

• Невероятные экстремальные крупные планы показывают повседневные предметы в новом свете в этой потрясающей макросъемке
• Можете ли вы понять, что изображено на каждом снимке? Прокрутите вниз, чтобы найти ответы — подсказка также есть в подписях

Крис Дайер для Mailonline

Опубликовано: 12:28 BST, 25 апреля 2019 г. | Обновлено: 14:17 BST, 25 апреля 2019 г.

Реклама

Эти потрясающие макроснимки показывают повседневные предметы в совершенно новом свете — так вы можете сказать, что это такое?

Макросъемка — это съемка крупным планом очень маленьких объектов и живых организмов, например насекомых.

Замечательные фотографии были сделаны фотографом по имени Пьянек, родом из Лондона, Англия, но живущим в Буэнос-Айресе, Аргентина, в рамках его серии «Удивительные миры II».

Можете ли вы понять, что изображено на каждой картинке? Прокрутите вниз, чтобы найти ответы.

Наденьте колпачок с чернилами: этот предмет любят молодые художники … но иногда он может стать проклятием для их родителей!

Это может выглядеть как здоровая миска с хлопьями, но вы не захотите есть ее

Чтобы угадать эту, может потребоваться гениальный ход.

Боретесь с этой? Постарайтесь сохранить это вместе…

Это может выглядеть как красивое кристаллическое образование, но вы не могли быть дальше от истины

Вам понадобится доля удачи, чтобы получить это — и сильный желудок, если вы пойдете вперед и съедите его

Другой еда крупным планом. Если вы боретесь, не пакуйте, продолжайте попытки …

Трудно понять, что это? Нет, это сталь

Вы должны подумать об этом, латте, чтобы разобраться с этим

Эта викторина идеально подходит для вашего перерыва на чай… как и предмет на этой фотографии

Ответы: маркер; сигарета, кисть, полоска липучки, бургер, форма для хлеба, картофельные чипсы, проволочная губка, кофейное зерно, шоколадное печенье.

Поделитесь или прокомментируйте эту статью:

Можете ли вы угадать эти повседневные предметы вблизи? Пройдите тест с увеличением

От хлопьев до сушеных макарон и страниц книги — на этих удивительных фотографиях крупным планом видны незнакомые текстуры повседневных предметов домашнего обихода.

Эти фотографии с невероятным увеличением были сделаны с использованием процесса, называемого макрофотографией, который сочетает в себе микроскоп и фотографию.

Используя приведенный ниже тест, читатели могут увидеть, могут ли они обнаружить повседневные предметы, но не занимайте слишком много времени, поскольку у вас есть только 30 секунд, чтобы идентифицировать каждый из них.

Макрофотография, также известная как фотомакрография и макрография, — это фотография с очень близкого расстояния.

Он используется для фотографирования очень маленьких объектов, чтобы они казались больше, чем на самом деле.

Кольцевые вспышки с лампами, расположенными по кругу вокруг передней части объектива, могут помочь осветить объекты с близкого расстояния.

Обычно это делается с очень маленькими объектами, такими как капли дождя, насекомые или более мелкие детали чего-то, что не сразу видно невооруженным глазом.

От хлопьев (на фото) до макаронных изделий и страниц книги — на этих удивительных фотографиях крупным планом видны незнакомые текстуры предметов домашнего обихода. Вы можете пройти тест фотосъемки с увеличением, чтобы увидеть, сможете ли вы идентифицировать эти 10 предметов по незнакомым текстурам.

В рамках интерактивного модуля читателям показывается серия из десяти замечательных изображений, и у них есть 30 секунд, чтобы идентифицировать объект на изображении. Фото.На фото страницы книги

Сочетая микроскопы с фотографией, эти впечатляющие изображения показывают многие вещи, которых вы никогда раньше не видели. На фото — кусок макаронных изделий (увеличенное изображение слева)

После полного увеличения повседневного предмета он может выглядеть совершенно иначе.

«С помощью 150-миллиметрового макроса вы можете подойти довольно близко к объекту, но при этом иметь достаточно большое фокусное расстояние, чтобы вы могли расположить источники света вокруг объекта, не мешая камере и объективу», — сказал фотограф Ян Гаван, создавший викторина для Lenstore, которая также доступна на сайте компании.

«Для действительно близких съемок я просто переместил объектив и камеру очень близко к объекту», — сказал он.

Макрофотография, также известная как фотомакрография, макросъемка и макросъемка, — это фотография с очень близкого расстояния. На фото матч. Фотограф, проводивший викторину, сказал, что это его любимый снимок для создания

Макрофотография используется для фотографирования очень маленьких объектов, чтобы они казались больше, чем жизнь. Кольцевые вспышки с лампами, расположенными по кругу вокруг передней части объектива, могут помочь осветить объекты с близкого расстояния.На фото гитара

Обычно это очень мелкие предметы, такие как капли дождя, насекомые или более мелкие детали чего-то, что не сразу видно невооруженным глазом. На фотографии показан болгарский перец в увеличенном масштабе

ЧТО ТАКОЕ МАКРОФОТОГРАФИЯ?

Макрофотография, также известная как фотомакрография, макросъемка и макросъемка, — это фотография с очень близкого расстояния.

Он используется для фотографирования очень маленьких объектов, чтобы они казались больше, чем на самом деле.

Кольцевые вспышки с лампами, расположенными по кругу вокруг передней части объектива, могут помочь осветить объекты с близкого расстояния.

Обычно это очень маленькие объекты, такие как капли дождя, насекомые или более мелкие детали чего-то, что не сразу видно невооруженным глазом.

После полного увеличения повседневного предмета он может выглядеть совершенно иначе.

«Я думаю, что очень интересно видеть детали и красоту повседневных предметов.

«С философской точки зрения ценить предметы повседневного обихода как прекрасные вещи», — сказал он.

Г-н Гаван сказал, что ему больше всего нравится создавать поразительный образ.

«Чтобы успешно уловить его в момент воспламенения люминофора, потребовалось много времени», — сказал он.

«Я закончил съемку в ранние утренние часы, потратив 3 коробки спичек, чтобы уточнить время».

После полного увеличения повседневного предмета он может выглядеть совершенно иначе. «С помощью 150-миллиметрового макроса вы можете подобраться к объекту довольно близко, но при этом у вас будет достаточно большое фокусное расстояние, чтобы вы могли расположить источники света вокруг объекта, не мешая камере и объективу», — сказал фотограф Ян Гаван.На фото корица

«Я думаю, что очень интересно видеть детали и красоту повседневных предметов. С философской точки зрения оценивать предметы повседневного обихода как прекрасные вещи », — сказал г-н Гаван, создавший изображения, в том числе изображение лайма

Pictured — увеличенное изображение сот. Изображения были преобразованы в викторину Lenstore

На фото пробка крупным планом. Эти удивительные фотографии крупным планом показывают незнакомую фактуру предметов домашнего обихода

Как делать снимки крупным планом

Хотите красивые фото товара? Или вы любитель природы и хотите яркие, четкие фотографии любимого цветка? Какой бы ни была ваша причина, эта статья поможет вам в этом.

фото Холли и Криса Мелтона

«Вставай, спускайся, готовься, успокойся, подойди ближе и займись личным делом».

Я использую эту мантру при съемке крупным планом (она же макросъемка).

Я потратил много лет на попытки (и безуспешные) сделать идеальный снимок крупным планом. Я сделал все ошибки под солнцем, в том числе, но не ограничиваясь:

1. Подойти слишком близко, чтобы камера не сфокусировалась
2. Ухожу слишком далеко, поэтому я получаю большой кусок фона в
3. Фотокамера держится недостаточно устойчиво, фотографии получаются расплывчатыми
4. И многое другое…

Совершив каждую ошибку, о которой вы только можете подумать, мне наконец удалось ее взломать — получить тот неуловимо четкий, четкий снимок крупным планом. Аллилуйя! Слава Богу!

, фото Nana B Agyei

Теперь, прежде чем я начну, я просто хотел бы сказать, что я использовал великолепный объектив Nikon 35mm f / 1.8G AF-S на фотокамере Nikon D5000 при естественном освещении (боюсь, здесь нет искусственного освещения), но принципы применимы к большинству современных фотоаппаратов. Однако результаты будут отличаться в зависимости от того, какую камеру и объектив вы используете.

Вперед и вверх! Вот список вещей, которые я делаю, чтобы сделать идеальный снимок:

1. Разместите объект где-нибудь рядом с открытым окном, чтобы получить естественный свет с мягкими тенями.Обратите внимание, как я сказал рядом, а не у окна — от полуметра до метра должно хватить.
2. Откройте диафрагму до упора. На моем объективе f / 1.8, но вы должны открыть его до упора на вашем.
3. Используйте достаточно короткую выдержку, чтобы не было размытия при движении.
4. Держите камеру очень устойчиво, в идеале используйте штатив, если он у вас есть, чтобы не было размытия при движении.
5. Подойдите к объекту как можно ближе, сохранив автофокус.Если у вас есть ручная фокусировка и вы знаете, как ею пользоваться, вы сможете подойти еще ближе.
6. Если у вас нет ручной фокусировки или вы не знаете, как ею пользоваться, используйте зум, чтобы приблизиться.
7. Держись и стреляй!

фото Стивена Боулера

Здесь есть предостережение. При диафрагме f / 1.8 вы получите только 1 точку (и небольшую прилегающую область) в фокусе. Остальная часть фото будет не в фокусе. Если это ваше намерение, тогда отлично, но если вы хотите, чтобы все было в фокусе, вам следует немного закрыть диафрагму до f / 2.5 вверх. Это будет означать, что вам нужно немного уменьшить выдержку, чтобы это компенсировать; вам нужно будет держать камеру еще устойчивее.

Об авторе:
Мо Азам — профессиональный фотограф из Великобритании.

Цифровая фотография: съемка крупным планом

Урок 8: Фотосъемка крупным планом

/ en / digitalphotography / фотографирование-пейзажи / содержание /

Съемка крупным планом

Иногда может понадобиться сделать снимки цветов, насекомых, еды или любого другого небольшого объекта крупным планом.Это известно как макрофотография . В макрофотографии объект на фотографии на больше, чем в натуральную величину , поэтому на нем могут быть видны детали и текстуры, которые вы обычно не видите.

Одна из самых серьезных проблем при съемке крупным планом — , фокусировка . По мере приближения камеры к объекту глубина резкости становится меньше. Это означает, что если фокус не совсем правильный, ваше изображение может быть не в фокусе. Фактически, вы даже не сможете сфокусировать весь объект; часто вам придется сосредоточиться на самой важной части объекта и позволить остальной части объекта быть не в фокусе.

Например, на фото ниже некоторые лепестки в фокусе, а большинство — нет. Это придает фотографии мягкий вид, сохраняя при этом текстуру лепестков.

Следующие советы помогут вам максимально эффективно использовать снимки крупным планом:

• Используйте сюжетный режим «Крупным планом» или «Макро». Эти режимы позволяют камере фокусироваться на объектах, находящихся на расстоянии всего нескольких дюймов. Кроме того, в сюжетном режиме «Крупным планом» фокус всегда будет сосредоточен в центре изображения, что упрощает фокусировку.Выбор сюжетного режима «Макро»
• Следите за автофокусом. Снимки крупным планом имеют на меньшую глубину резкости , поэтому важно убедиться, что камера фокусируется на объекте, а не на фоне. Если вы используете сюжетный режим «Крупным планом», вы можете сделать это, удерживая объект в центре кадра. Индикатор фокусировки
• После того, как камера сфокусируется, не перемещайте ее. Если вы переместите камеру после того, как она сфокусируется, фотография может получиться размытой.Если вы хотите переместить камеру, вам придется перефокусировать ее, а затем сделать снимок.
• Избегайте использования вспышки. Вспышка вашей камеры не работает с объектами крупным планом, поэтому лучше выключить ее.
• Попробуйте снимать в пасмурную погоду. Если вы действительно хотите выделить детали при съемке крупным планом на открытом воздухе, вы можете попробовать снимать в пасмурную погоду. Яркий солнечный свет может создавать темные тени, которые блокируют многие детали, но солнечный свет, отфильтрованный облаками, намного мягче.

/ ru / цифровая фотография / фотографирование со смартфоном / контент /

Фотография крупным планом | Фотография Mad

Часто самые полезные фотографии — это те, которые сделаны с небольшой подготовкой или без нее — есть что-то освобождающее в том, чтобы просто взять камеру и отправиться посмотреть, что вы найдете.

Съемка крупным планом в этом отношении идеальна, потому что нас окружают интересные объекты. Практически каждый объект, который вы видите, имеет детали, которые обычно остаются незамеченными, но которые позволяют получить потрясающие фотографии.

Фотосъемка крупным планом — отличный способ развить ваши творческие способности и умение делать хороший снимок, поскольку это заставляет вас находить что-то интересное даже в самых простых предметах. Он также научит вас искать мелкие детали в других типах фотографии, таких как пейзажи и портреты, что поможет вам снимать традиционные предметы необычным или уникальным способом.

Выберите тему

Выберите предмет, у которого есть необычная или интересная особенность, которая привлекает ваше внимание.Эти детали могут быть привлекательного цвета, классной текстуры, необычной формы или чего-то совершенно другого.

Нас окружают интересные детали; нам просто нужно их искать. Изображение Диего Севилья Руис.

По-настоящему изучите свой предмет и решите, что именно вас в нем интересует. Это то, на чем вы сосредоточитесь на фото крупным планом; все остальные детали будут либо второстепенными, либо полностью исключены.

Смотровая площадка

Подойди поближе.Используйте комбинацию увеличения и приближения, чтобы обрезать выбранную деталь как можно точнее. Вы можете включить другие детали, чтобы создать некоторый контекст для вашей фотографии, если хотите, но помните, что тем самым вы можете уменьшить влияние действительно интересной части кадра.

Обрезайте объект плотно, сохраняя только детали, которые создают интересный крупный план. Изображение Ион-Богдана Думитреску.

Приблизиться. 99% фотографий крупным планом, которые не впечатляют, делают это из-за того, что они сняты слишком далеко.Если ваша камера не фокусируется на объекте, когда вы подходите вплотную, увеличьте масштаб как можно дальше, а затем вы сможете обрезать последний снимок позже.

Композиция

Композиция в фотографии крупным планом не обязательно должна быть ракетной — предмет должен вызывать достаточный интерес. Тем не менее, по-прежнему важно изучить вашу сцену и подумать о том, как лучше всего сбалансировать элементы в ней. Применяются обычные правила композиции фотографии, но не бойтесь их нарушать, если найдете лучший способ кадрирования кадра.

Сделайте фон простым, чтобы не отвлекаться от основного объекта. Изображение Дона Соло.

Если за объектом съемки виден фон, постарайтесь сделать его максимально простым и ненавязчивым, чтобы он не отвлекал от основных элементов крупным планом. Поскольку вы снимаете так близко к объекту, фон, вероятно, все равно получится размытым, что помогает, но часто, немного подумав, вы можете выбрать точку обзора, которая полностью избавит от отвлекающих факторов.

Вы можете повлиять на перспективу вашей фотографии, отрегулировав положение камеры и масштабирование. Подойдите ближе и уменьшите масштаб, чтобы получить глубину снимка, но будьте осторожны, потому что он может выглядеть так, как будто он выпирает в середине. Отойдите и увеличьте масштаб, чтобы получить более плоскую перспективу.

Четкая фокусировка — ключ к получению хорошего снимка крупным планом. Используйте ручную фокусировку или будьте особенно осторожны при использовании автоматической фокусировки и убедитесь, что вы сосредоточились на главном интересном месте.

Резкая фокусировка — ключ к получению хорошего снимка крупным планом.Изображение ViaMoi.

Используйте творческую глубину резкости, чтобы привлечь внимание зрителя к наиболее интригующим элементам вашего крупного плана. Имейте в виду, что при съемке очень близко к объекту глубина резкости минимальна, поэтому важно, чтобы ваша фокусировка была точной.

Стрельба

Установите камеру на штатив, мини-штатив или другую твердую поверхность. Размытие из-за дрожания камеры может испортить идеальный снимок крупным планом.

Делайте множество фотографий с немного другой фокусировкой, глубиной резкости, точкой обзора и композицией.Небольшое изменение может иметь большое значение для вашей фотографии крупным планом. При просмотре фотографий на ЖК-экране вашей камеры чрезвычайно трудно определить, где именно ваш снимок находится в фокусе или нет, и легче снять много изображений, пока вы там, чем вернуться к месту съемки и выполнить съемку. второй снимок.

28 потрясающих фотографий крупным планом, сделанных фотографом-самоучкой Pyanek

помогают нам предоставлять наши услуги.Используя наши услуги, вы соглашаетесь на использование файлов cookie.

Опубликовано 2 года назад

Пьянек — фотограф-самоучка и композитор, создавший невероятную серию фотографий «Удивительные страны» — серию невероятных снимков крупным планом, раскрывающих то, чего мы обычно не видим.

Художник говорит, что его проект — это «исследование деталей повседневных вещей, которые мы обычно не принимаем во внимание», и что он воспринимает их как приключения в миры внутри нашего мира. От еды до латунных ключей, вы можете действительно удивиться, увидев столь близкие предметы повседневного обихода.

Посмотрите фотографии Пянека в галерее ниже!

Подробнее: Facebook | youtube.com | Instagram | ч / т

Подробнее

# 1 Книжные страницы

Источник изображения: Пьянек

# 2 Зерно белого сахара

Источник изображения: Пьянек

# 3 Мыльная пена

Источник изображения: Пьянек

# 4 Стальная губка

Источник изображения: Пьянек

# 5 Матч

Источник изображения: Пьянек

# 6 Шариковая ручка

Источник изображения: Пьянек

# 7 Форма для черного хлеба

Источник изображения: Пьянек

# 8 Зубчатый нож

Источник изображения: Пьянек

# 9 Губка кухонная

Источник изображения: Пьянек

# 10 Сигарета

Источник изображения: Пьянек

# 11 Яблочный стебель

Источник изображения: Пьянек

# 12 Кисть

Источник изображения: Пьянек

# 13 Спагетти

Источник изображения: Пьянек

# 14 Маркер наконечник

Источник изображения: Пьянек

# 15 Клавиша «X» на клавиатуре компьютера

Источник изображения: Пьянек

# 16 Пляжный камень

Источник изображения: Пьянек

# 17 Шоколадное печенье

Источник изображения: Пьянек

# 18 липучка

Источник изображения: Пьянек

# 19 Пакетик

Источник изображения: Пьянек

# 20 Картофельные чипсы

Источник изображения: Пьянек

# 21 Помада

Источник изображения: Пьянек

# 22 Кукурузные хлопья

Источник изображения: Пьянек

# 23 Винт

Источник изображения: Пьянек

# 24 Кофе в зернах

Источник изображения: Пьянек

# 25 Ключ латунный

Источник изображения: Пьянек

# 26 Ароматическая палочка

Источник изображения: Пьянек

# 27 Гофрированный картон

Источник изображения: Пьянек

# 28 Бургер

Источник изображения: Пьянек

Аушрис Уптас

Однажды этот парень просто подумал: «Я все равно провожу большую часть своего времени в Интернете, почему бы не превратить это в профессию?» — и он это сделал! Теперь он не только может просматривать последние видеоролики о кошках и свежие мемы каждый день, но и делится ими с людьми по всему миру, следя за тем, чтобы они были в курсе всего, что происходит в Интернете.Некоторые вещи, которые всегда вызывают его интерес, — это старые технологии, литература и всякие странные старинные вещи. Так что, если вы обнаружите что-то слишком странное, чтобы не поделиться им, не забудьте поговорить с ним!

Хотите еще молока?

Хит-лайк для ежедневного арт-шейка!

Не показывай — Демилкед

© 2010-2021 DeMilked.Воспроизведение без явного разрешения запрещено. Все права защищены.