Пастель. Краткая история, художественные особенности материала и выдающиеся художники-пастелисты
Пастель
Пастель — цветные мягкие, сухие мелки или карандаши без какой либо оправы, сделанные из стертых в пудру и спрессованных красочных порошков (пигментов). Чтобы пигменты имели форму, обычно это бруски с квадратным или круглым сечением, в них добавляют клейкий сок из коры некоторых пород деревьев. Этот сок называется камедь. Но если пастель другой разновидности, то в ее составе будут воск, минеральные масла и прочие связующие вещества. Иногда в пастель добавляют гипс, мел или молоко.
Пастель оставляет на поверхности текстурный штрих, он мягкий и с удовольствием поддается ретушевке и растиранию, также этот материал легко можно удалить с бумаги при помощи ластика. Очень удобна, для работы пастелью, шероховатая поверхность, а именно бумага. Плоская, ровная и глянцевая поверхности абсолютно не пригодны для данного материала из-за его состава. Если фактура отсутствует, то пастели просто не на чем будет держаться.
То же самое относится и к крупнозернистым фактурам, и к слишком шероховатым поверхностям. В этом случае материал будет ложится слишком толстым слоем, что тоже сделает его менее прочным. Идеальнее всего будет бумага с умеренной зернистостью или шероховатостью.
Цветовая палитра пастели очень разнообразна и красочна, пигменты остаются яркими и свежими на протяжении очень длительного времени. Единственный минус данного материала — это то, что он одновременно и мягкий и твердый, то есть он не способен высохнуть, и красочный слой легко осыпается и стирается. С тех пор как стали использовать пастель, художники ищут наиболее «безболезненный» способ закрепления ее на поверхности. В настоящее время существуют различные химические фиксаторы пастели, но при их нанесении изображение теряет свою особую бархатистость и мягкость. Свои работы я закрепляю обычным лаком для укладки волос, и здесь тоже имеются свои «подводные камни». Чаще всего, при высыхании лака, оказывается, что с изображения пропадают наиболее светлые пигменты, и их приходится восстанавливать, что порой не так просто сделать.
Но тем не менее пастель остается моим любимейшим материалом. В пастели множество всевозможных ярких и густых оттенков, которые легко можно смешать. Еще одним преимуществом для меня является то, что пастель можно взять с собой на любую прогулку и устроить пленэр, она имеет небольшой вес и в отличии от других цветных материалов (акварель, масляные краски) не требует дополнительных приспособлений, таких как кисточки, вода, либо разбавители и палитры. Пастель привлекла меня и тем, что ошибки и недочеты можно исправить сразу же, не дожидаясь пока высохнет красочный слой, а любой цвет можно сделать абсолютно другим при помощи ластика, или же без него.
История возникновения пастели
Пастель эволюционировала из техники, которую применяли итальянские художники в XVI веке. Она называлась «а пастелло», принцип такого рисования заключался в одновременном использовании красной сангины и спрессованной сажи с примесью клея (итальянский карандаш, иногда вместо спрессованной сажи использовался черный глиняный сланец).
В следующем веке пастель стала очень популярным материалом, в первую очередь во Франции, и стала самостоятельной техникой. Одним из ярких представителе техники пастель был Э. Дега, в его серии работ с изображением балерин ему удалось передать ту легкость и воздушность, ощущение непрерывного движения, которые так присущи самому искусству балета. Не смотря на то, что художник работал ломанными штрихами, которые в его манере довольно таки прерывисты, и через них можно видеть тон бумаги на которой он рисовал, изображения получились очень свежими. В Италии пастель пользовалась большим успехом у представителей Венецианской школы, потому как идеально подходила под стиль рококо. Пастель помогала изобразить все характерные атрибуты данной галантной эпохи, благодаря легкости передачи фактуры шелка, напудренных париков и воздушных кружев.
Пастель в русском изобразительном искусстве
Привезенная заграничными художниками пастель, появилась в России только к первой половине XVIII веке.
И на протяжении всего этого столетия художниками, работавшими пастелью были лишь иностранные мастера, которые приехали в нашу страну работать, а именно они выполняли на заказ портреты. XIX век по праву считается временем расцвета пастельной техники в России, так как именно в то время стал безумно популярным пастельный портрет, который изготавливался по заказу, и выполнялся гораздо быстрее, чем портреты в других техниках. Подъем такого рода портрет получил за счет модных в то время фамильных портретных галерей, так что можно считать, что быстрые пастельные портреты выполняли функцию фотоаппаратов.
Русский живописец-баталист Александр Орловский, который обучался искусству рисования в Европе и был мастером множества техник (литография, гравюра, живопись, рисунок), помимо других, часто работал пастелью. Еще один знаменитый художник того времени, получивший бриллиантовый перстень в подарок от императрицы Елизаветы Алексеевны, супруги императора Александра I, за жанровые портреты крестьян в технике пастель, Алексей Венецианов.
А начинал он с того, что поступив на государственную службу в 27 лет, все свое свободное время копировал пастелью работы итальянских и испанских живописцев, которые на тот момент находились в Эрмитаже.
Популярность пастельного, акварельного и миниатюрного портретов на время пришла в упадок с изобретением тиражирования фотографий в период с 1840–1860-е года. Возрождение данной техники приходится на период 1890-х годов за счет того, что все пастельные работы Исаака Левитана датируются этим временем, хотя до и после указанного периода не использовал пастель. Коллекция Русского музея насчитывает 3 работы в технике пастель под его авторством. Член художественного объединения «Мир искусства» Борис Кустодиев в своих пастельных произведения проявлял не дюжий интерес к театру и жизни за его сценой, что заметно невооруженным взглядом на ряде картин, посвященных цирку, кабаре или, непосредственно, самому театру. Для идейного вдохновителя объединения «Мир искусства» Александра Бенуа, а так же для женской его половины — Зинаиды Серебряковой, пастель стала одним из любимейших материалов.
Бенуа в своем объединении приумножал жанры пастели, потому что представители русского академизма все реже использовали эту технику в своих работах, и без них популярность материала пришла бы в упадок. Манера пастельной техники Зинаиды Серебряковой отличались своей незавершенностью, и за счет этого, легкостью и воздушностью. Это можно видеть в серии работ посвященных балету, а так же в серии марокканских работ, где абсолютно все изображения были созданы во время путешествия художницы, и похожи больше на эскизы и зарисовки, чем на готовые работы, потому что лица прорисованы довольно детально, а одежда еле намечена.
Художественные особенности пастели
Одна из самых главных технических особенностей пастели заключается в том, что работать ей обязательно по умеренно шероховатой поверхности, это позволит пигментам оставлять красочный слой и держаться на фактуре. Раньше мастера рисовали на пергаментах, и даже на замше, сами готовили себе основу под пастель. Сейчас самой популярной подкладкой под пастель является бумага, умеренной шероховатости, или картон.
Данный материал настолько уникален, что им можно создавать как графичные работы, так и живописные картины. С графикой разобраться довольно просто, здесь применяются штрихи, контуры и линии, что так характерны для работ в данной технике. С живописью немного сложнее, тут материал не обязательно требует тщательной растирки, живописные изображения можно создавать и с помощью штрихов (как Эдгар Дега), но за счет того, что в пастели огромнейшая палитра всевозможных цветов и оттенков, которые, при необходимости, можно смешивать, получается настоящая живопись. Поэтому я считаю, что материал очень интересен, он находится между живописью и рисунком, так как содержит в себе и цвет и штрих.
Пастель наносится на поверхность очень легко и не требует сильного надавливания на меловой брусок, линии получаются мягкими, с неровными и рыхлыми краями, создается ощущение неповторимой пастельной мягкости, присущей только этому материалу. Также пастель не выгорает при солнечном свете, не изменяется от температурных перепадов, не трескается и не тускнеет.
Таким образом работа выполненная в этой технике останется свежей и яркой на несколько веков. Единственный для меня недостаток, как я уже говорила ранее, это хрупкость материала. При любом прикосновении красочный слой разрушается, а при попытках сохранить пастель при помощи различных закрепителей, она безвозвратно тускнеет. Так что я все это и учла и свою дипломную серию пастельных работ не закрепляла ничем. Лишь рама, паспарту и стекло. Паспарту не только художественно оформляет работы, но и в данном случае, не дает стеклу касаться изображений. За счет этого они не будут затираться. Яркий пример тому картина Эдгара Дега «Голубые танцовщицы». Произведение выглядит так, будто его только что закончили, хотя оно было создано в 1897 году. В это трудно поверить, так как краски остались свежими и чистыми до сих пор.
Виды и техники пастели
В наше время самыми популярными видами пастели являются масляная пастель, сухая и акварельная.
Сухая пастель — это та пастель, которой рисовали знаменитые художники.
Продается в форме цветных мелков, но встречается и в виде карандашей. Такая пастель разделяется на два вида: твердая пастель и сухая. Отличие между ними только в составе, чем меньше связующего вещества, тем пастель мягче. Бывает и такое, что пастельный мелок состоит только из пигмента, это самая мягкая пастель. Она очень легко крошится, и сама по себе более бархатистая. Ложится на поверхность большими бархатистыми штрихами. Такая пастель не бывает блестящей или глянцевой, а все потому, что в составе есть мел, который препятствует этому эффекту. Мягкая пастель без труда растушевывается и легко позволяет ложиться слою на слой, за счет своей текстуры, что дает нам возможность смешивать цвета и оттенки, делая работу более интересной и живописной.
Пастель твердая является более графичным материалом, штрихи более четкие и точные, а сама она не такая яркая. Встретить ее можно, также в виде пастельных карандашей или мелков. Работать такими карандашами достаточно удобно — они меньше размазываются и практически не пачкают руки.
Существует несколько правил работы с сухой пастелью. Она очень крошится, и чтобы облегчить себе процесс рисования стоит их придерживаться тем более, что эти правила не столь сложные:
– самая частая и распространенная ошибка при работе с сухой пастелью заключается в том, что когда вы рисуете ей, то она очень сильно начинает крошиться и вы сдуваете эту сухую крошку. Не стоит этого делать, иначе потом обнаружите те или иные оттенки и цвета в совсем ненужных местах на своей работе;
– старайтесь работать в специальных перчатках (или в обычных хозяйственных), так как пигмент сильно въедается в кожу. Суть этого правила не в том, что потом с первого раза не получится отмыть руки, а в том, что вы не сможете растирать одним и тем же пальцем разные цвета, потому что въевшийся в палец пигмент будет смешиваться с новым цветом даже тогда, когда вам это не нужно;
– не закрепляйте сухую пастель вообще ничем. Сухая пастель самая чувствительная к различным фиксаторам из всех видов пастели, и чтобы сохранить свежесть и общий тон работы, лучше вообще не прибегать к закрепителям;
– чтобы палитра имеющихся у вас цветов и оттенков оставалась такой же чистой и яркой, после каждой работы стоит отчищать мелки от попавших в них в процессе рисования посторонних цветов ;
– держите планшет вертикально, так пастельная крошка будет падать вниз и меньше пастельной пыли останется на работе ;
Чтобы сухая пастель прослужила вам много дольше следует хранить ее в помещении с невысокой влажностью, а так же избегать прямых солнечных лучей.
Поэтому идеальным место для хранения пастели станет картонная коробка с крышкой в комнате с наименьшей влажностью воздуха.
Акварельная пастель имеет влажную текстуру. Отличается от сухой пастели тем, что в составе акварельной пастели есть водорастворимые вещества. Таким образом можно смело считать этот материал неповторимым, так как на рисунке он выглядит как обычная сухая пастель, но при попадании воды как бы превращается в акварель. Удивительно то, что можно сочетать живопись и графику и все это одним материалом. Бывает, что акварельную пастель путают с акварельными карандашами, но у пастели будет более фактурный и интересный штрих. В акварельной пастели очень легко смешиваются цвета, а эффект акварели достигается при помощи обычной мокрой кисточки.
Масляная пастель сильно отличается от других видов пастели. В ее состав входит минеральное масло, поэтому она более глянцевая, практически не пачкается, ее трудно смазать, не требует вообще никакого закрепления. Еще одно отличие заключается в том, что масляной пастелью можно рисовать на любой поверхности, но лучше она ложится на наждачную бумагу, так цвета будут более насыщенными и яркими.
Такую пастель можно размывать, как и акварельную, и тут еще одно отличие. Акварельная пастель размывается водой, а масляная разбавителем, как масляные краски. Масляная пастель считается более учебным материалом, так как с ней легче работать, а вот сухая применяется и в учебных процессах и в полноценных художественных работах.
Для того, чтобы рисовать пастелью нужна фактурная бумага, и в наше время все чаще используют тонированную бумагу всевозможных цветов и оттенков, так же сейчас мы имеем огромный выбор фактур бумаги (под холст, скорлупа, линейная фактура). Но в классическом варианте присутствует только три вида бумаги для пастели — наждачная бумага, пастельная доска и бархатная бумага. Наждачная бумага продается в больших форматах и обычно используется только для создания художественных работ. Пастельная доска делается из мелких частиц пробки, на такой доске очень удобно рисовать, она имеет сильную пористость и красящий слой хорошо ложится. Бархатная бумага примечательна тем, что с нее пастель менее всего осыпается, а так же усиливает мягкость от пастельного эффекта.
Выдающиеся художники-пастелисты
Во время изучения литературы и книг, связанных с темой моей дипломной работы, я провела опрос среди моих знакомых, посвященный художникам-пастелистам, и к моему большому огорчению оказалось, что больше половины опрашиваемых людей не знают ни одного знаменитого мастера, который бы рисовал этим материалом. Хотелось бы вспомнить известных и узнаваемых зарубежных и отечественных художников, которые рисовали пастелью, и которые внесли огромный вклад в мировое искусство и расширили наше представление об этом уникальном материале .
Пожалуй, начать стоит с итальянской художницы Розальбы Каррьеры (1675–1757), которая была и остается одной из самых ярких и запоминающихся представителей итальянского и французского рококо. В юном возрасте художницу приняли в Рим в Академию Святого Луки за ее работы, а решающим для ее карьеры стал переезд в Париж вместе с семьей в возрасте сорока пяти лет. Во французской столице ее работы пастелью обрели большую популярность, в следствии чего художница получила большой заказ на пастельные портреты членов королевской семьи.
Одна из лучших работ Розальбы Каррьеры это портрет из данной серии — порт Людовика XV. Так же в Париже она обучала шведского художника, представителя рококо, Густава Лундберга. В 1720 году стала членом Французской Королевской Академии живописи.
Через десять лет, в Италии, куда она вернулась, у художницы появился покровитель, Карл VI, чью дочь, Марию Терезию (императрица, мать Марии-Антуанетты) она обучала, живя в Венеции. Работы Каррьеры были очень популярны у европейской знати, от части благодаря своей нежности и свету. Стиль рококо очень характерен для ее произведений, все люди приукрашены и красивы, очень прозаичны и очаровательны. В 1750 году художница ослепла, и осталась незрячей до конца жизни, но ее вклад в искусство на то время уже был колоссальным. Розальба Каррьера одна из первых мастеров, кто начал рисовать пастелью в таких количествах, и кто показал нам всю прелесть данного материала, который так подходил эпохе рококо с ее вечными кружевами, атласными и шелковыми платьями и розовыми щеками.
Еще одним выдающимся мастером пастели был французский художник Жан-Батист Шарден (1699–1779), человек, который, судя по источникам, ни разу за всю свою жизнь не покинул пределы Парижа.
Учился Шарден у французского художника и гравера Ноэля Куапеля, а так же работал у него подмастерьем, выполняя атрибуты и мелкие детали картин, что послужило толчком для развития его профессионального творчества в жанре натюрморт. В возрасте 29 лет был принят в члены французской Академии живописи и скульптуры, как мастер изображения жанровых сцен и натюрмортов. Позже, художник все чаще стал изображать интерьеры и сцены повседневной жизни человека, особенно любил рисовать то, что происходило на кухне своего времени. Персонажами его произведений были вполне обычные предметы той эпохи, а именно всевозможные глиняные кувшины и горшки, большое количество овощей, кастрюли. Посредствам таких незамысловатых предметов, картины Шардена показывают нам спокойную, гармоничную и размеренную повседневную жизнь парижан, их быт.
Художник по праву считается мастером цветовых отношений и цвета в целом. В любых своих самостоятельных произведениях, будь то ранние работы, или же поздние, он показывает себя как отличный колорист и рисовальщик. В конце жизни мастер перешел на пастель и создал несколько портретов (в том числе и автопортретов), в которых не потеряв свой стиль, остался художником умиротворенной и тихой жизни. Считаю, что вклад Шардена конкретно в искусство заключается в том, что он показал нам, что пастель с помощью пастели можно создавать не только графичные работы, но и полноценные живописные произведения.
Следующий известный мастер пастели — шведский художник Жан Этьен Лиотар (1702–1789). На родине он занимался миниатюрой и эмалевой живописью. До того, как я нашла информацию об этом художнике, я никогда не слышала о такой разновидности рисования, поэтому хочу пояснить что же это такое. Эмалевую живопись наносят слой грунта, которым покрывают эмалевую основу. Основой могут быть различные материалы, например пластины из золота, серебра или меди, вырезанная по контуру, и вогнута, если это необходимо, по задней форме.
Перед тем, как наносить грунт (обычно это белая эмаль) нужно отжечь, протравить, хорошенько промыть и просушить. После наложения эмали пластину сушат в печи, затем остужают, накладывают еще один слой эмали и снова отправляют в печь. Затем еще раз остужают и отправляют в печь, без нового слоя эмали до полного ее растекания. Так на пластине появляется изображение. Однако, нет источников, сообщающих о том, что Лиотар занимался этим после своего переезда, в целях продолжения изучения изобразительного искусства, в Париж в 1725 году. Там у него появился покровитель, который взял его с собой в Италию. Художник переехал в Рим и много работал пастелью, в частности рисовал портреты духовенства. Началом его известности стали портреты нескольких кардиналов и портрет папы Климента XII. Позже художник продолжил свои путешествия и побывал в Константинополе, затем в Вене, где у него так же было много заказов на портреты, в том числе на портреты членов королевской семьи и знати, и там же он нарисовал королеву Марию Терезию, в ту пору занимавшую Венский престол.
Посещение Вены стало судьбоносным для Лиотара, хоть он уже и был довольно узнаваемым художником, здесь он нарисовал свою самую известную картину «Шоколадница».
Оказывается, что у «Шоколадницы» имеется довольно интересная легенда: князь Дитрихштейн австрийский услышал про новый популярный напиток из шоколада, и зашел в венскую кофейню опробовать его. Официанткой для него стала, дочь обедневшего дворянина, Анна Бальтауф. Князь был поражен красотой девушки и, хоть его семья была против, взял Анну в жены. Картину, в которой читается любовь с первого взгляда, князь заказал в подарок на свадьбу для своей жены. Эта легенда и есть настоящая история золушки, впоследствии переросшая в сказку, которую так хорошо знает абсолютно каждый ребенок. Так я прихожу к выводу, что художник, подаривший нам «Шоколадницу», внес вклад не только в живопись, но и в литературу, тем самым — в искусство в целом.
Один из самых оригинальных представителей французского импрессионизма, Эдгар Дега (1834–1917), тоже увлекался пастелью.
Биография художника и его жизнь довольно известны общественности, поэтому я хочу рассказать лишь о периоде, когда он работал пастелью. С годами, уже приобретя известность, мастер все чаще и чаще начинает рисовать пастелью, иногда сочетав ее с гуашью или литографией. Никто из его современников не мог похвастаться таким же владением, мастерством и оригинальностью, с которыми он создавал свои работы. Художник ценил пастель за быстроту, с которой можно рисовать, свежесть цвета и большую маневренность за счет вибрирующего штриха. Произведения Дега очень разнообразны, в них мы видим талантливого рисовальщика и колориста. У него есть очень яркие и светлые, а есть темные и очень контрастные, и всего этого он добивался с помощью этого уникального материала. Так же, при помощи всей маневренности пастели, мастер показывает нам колорит и характер жизни сцены, ее ритм, движение, которую он так любил рисовать в своей особой свободолюбивой манере. Одной из инноваций, которую Дега внес в технику рисования пастелью, стала проработка готовой работы пером.
Открытие заключалось в том, что пастель становилась размягченной, края теряли свои четкие очертания, а пастельный порошок, который образовывался после обработки ее пером, можно было втереть в работу.
Вклад художника в искусство пастели заключается не только в том, что он придумывал новые способы рисования мягким материалом, но и создавал с его помощью работы таких размеров, которые во много раз превосходили картины других художников-пастелистов. Даже в последние годы своей жизни, когда у Дега ослабело зрение, он продолжал создавать огромные полотна, сшивая, если нужно, несколько листов вместе. Из-за того, что художник терял зрение, последние его работы не имеют четких контуров, границы как бы растворяются в цвете. Если сравнить живописные работы мастера, выполненные красками, и его пастельные работы, то сразу же видно, что в пастели цвета он использовал более смело, что несомненно раскрыло его творческий потенциал в полной мере.
Еще одним художником, отдававшим предпочтение пастели, был Станислав Выспяньский.
Уроженец Польши был одарен очень разносторонне, он был одновременно и драматургом, и поэтом, и художником, а так же создавал дизайн интерьеров и мебели. В его работах мы видим бесконечную любовь к своему родному Кракову. Пастельные изображения пестрят видами его любимого города, а так же окружавших художника друзей, членами семьи и других местных художников. Выспяньский разрабатывал огромнейшее количество эскизов витражей и росписей для храмов и церквей родного города. Художник работал в собственном, достаточно интересном, стиле. В его произведениях смешался модерн с истинно русским патриотизмом. Яркий пример тому один из его многочисленных автопортретов, на котором мы видим самого Станислава, с типичной для его местообитания прической под горшок с усами, на фоне цветов, изображенных в стиле модерн.
Этот польский художник внес вклад не только в изобразительное искусство и литературу, но и в реконструкцию своего родного города Кракова. Тем самым он оставил после себя огромное количество монументальных памятников искусства, что способствовало тому, что его считают национальной гордостью и достоянием.
Современные художники-пастелисты
Нельзя не отметить, что в наше время техника пастели перешла на новый уровень. Насколько все разные работы, а так же разные техники исполнения, различные современные технологии используют для создания шедевров. Хотелось бы отметить несколько современных художников-пастелистов, как российских, так и зарубежных.
Начать хотелось бы с нашего соотечественника — Дениса Коробкова (1982 г.р.), молодого художника из Пензы. На данный момент Денису 37 лет, но он уже является постоянным участником областных, региональных и всероссийских выставок, а некоторые его произведения находятся в частных коллекциях как заграницей, так и в России. Работает мастер не только масляными красками, но и пастелью, все время экспериментируя в графике с техниками и материалами. В произведениях видна любовь к родной стране, так как персонажи картин все время одеты в традиционные русские костюмы, женщины обязательно изображаются с цветастыми платками на головах и в длинных юбках, а мужчины одеты в свободные белые рубахи, а головной убор на них очень часто шапка–ушанка.
Так же излюбленными персонажами картин у художника стали домашние животные из сельской местности, то есть часто он изображает коров, коз, и конечно же котиков. Что касается пейзажей Коробкова, то в них он редко рисует исключительно природу, чаще это наши местные достопримечательности или храмы. Например, Спасский кафедральный собор, который находится в городе Пенза, или Санкт–Петербургский Исаакиевский собор, нарисованный пастелью. Графика художника довольно интересна, в ней он сочетает старые русские традиции с современными технологиями. Так в его картине «Мегафон не ловит», мы видим пожилую женщину в традиционной русской одежде, с платком на голове, она сидит на лугу, рядом с ней корова, а в руках у бабушки сотовый телефон. Или в произведении «Селфи с врагом», где изображены две девушки, одна из них сидит, опять же в характерной русской одежде, а вторая стоит, у нее солнцезащитные очки и накрашены ногти, выглядит она намного современнее, и одета в полосатую майку, в руке новый смартфон с чехлом в виде английского флага.
Здесь Денис говорит о том, что наш народ портит подражание Западу.
Все его картины отлично сочетают в себе традиции и современность. Возможно поэтому художник так популярен сейчас в социальных сетях и в интернете. В данное время Денис Коробков продолжает свои творческие эксперименты и исследования материалов, не грезит ни о каких выставках во всемирно известных галереях, а только мечтает успеть нарисовать все задуманное, в этом и есть смыл его творчества.
Следующий молодой художник, который привлек мое внимание — испанец Рубен Беллозо Адорна (1986 г.р.). Сейчас ему всего 33 года, а его уже окрестили юным гением. Родом художник из города Севилья, где он учился в университете на факультете художеств и искусства, и где сразу же проявился его талант. Необычным является то, что художник, работает исключительно пастелью и только на деревянных холстах огромных размеров. Гением его называют за то, что он рисует в технике гиперреализма, нисколько не приукрашивая персонажей своих картин, а наоборот, показывая все изъяны и недостатки внешности.
Считается, что работу Рубена имеют огромную художественную ценность, на данный момент он уже был награжден всевозможными премиями за свой талант. Сейчас художник все время участвует в самостоятельных и коллективных выставках и преподает класс пастели в Севильском университете.
Увидев картины профессиональной американской художницы Зарии Форман (к сожалению мне не удалось найти год ее рождения), я не смогла пройти мимо и сейчас расскажу почему. Дело в том, что художница не просто мастерски работает в стиле гиперреализма, но еще и активно пытается обратить внимание своих зрителей на экологию. В 2012 году Зария начала воплощать в жизнь свой проект «В погоне за светом», конечная точка этой экспедиции находилась в Гренландии, что в принципе означает, что художница повторила маршрут Уильяма Брэдфорда, который так же отправился в экспедицию, чтобы увековечить быстро меняющиеся арктические пейзажи. Итогом данной поездки стала одноименная персональная выставка художницы, с видами огромных ледников и воды, в которой она обращает внимание на экологические проблемы острова.
Так как картины художницы огромны (некоторые достигают 1,5 метра в высоту и 2 метра в ширину), то устраивать пленэр было бы очень неудобно, поэтому она делала зарисовки и очень много фотографировала, и уже на основе этого материала создавала свои грандиозные масштабные, во всех смыслах, работы. В 2013 году Зария Форман отправилась на Мальдивы примерно с тоже целью, что и в Гренландию. Мальдивская Республика находится на самой уязвимой к подъему воды точке. В этой поездке она старалась запечатлеть как можно больше видов местности, которая уже через 10 веком может исчезнуть под толщей океанской воды. Художница надеется, что ее произведения привлекут внимание общественности к ситуации с Мальдивской Республикой, надеется, что человечество задумается и примет хоть какие-то меры для предотвращения катастрофы. Заставить людей думать о таких важных вещах очень сложно, но художница прилагает к этому очень много усилий.
Нужно отметить еще и тот факт, что художница не только рисунками пытается помочь природе, но так же спонсирует различного рода фонды защиты окружающей среды.
Зария считает, что при помощи искусства можно рассказать людям о любом кризисе. За свою деятельность мастерицу водной стихии легко можно считать человеком планеты.
О пастели и пастельной живописи. Русские художники — АРТ-Корпорация
В первой части материалов по пастельной живописи мы познакомились с творчеством зарубежных художников, но в России тоже были и есть приверженцы этого прекрасной техники. Продолжим наше знакомство 🙂
С момента своего появления и до конца XVIII в. пастель художники делали вручную, смешивая пигмент, связующее (чаще всего — гуммиарабик) и мел, массу прессовали, формировали из нее палочки и высушивали.* Напомним, что речь идет о сухой пастели. В настоящее время ведущие производители пастели также выпускают элитные линейки пастели ручной работы, чаще всего, такая пастель очень мягкая и очень дорогая, с большим количеством натурального красящего пигмента. Она действительно очень красиво ложится на лист и оставляет насыщенные фактурные мазки, выпускается сложных красивых цветов, но подходит не для всех целей.
Для уточнения деталей, более графичных штрихов используется пастель soft (мягкая), для совсем тонких деталей используются пастельные карандаши. Твердая пастель (hard) используется больше для графических работ, практически как цветные карандаши, но с возможностью рисовать боковой частью.Она плохо растушевывается, но и не крошится. Художник сам выбирает, какой материал ему подходит для реализации своих творческих задач.
Как мы уже знаем, пастель получила большое распространение во Франции XVIII в., и далее распространилась по всей Европе, а ко 2-й половине XVIII в. дошла до России. Картины, написанные в технике сухой пастели, нуждаются в бережном хранении, поэтому в нашей стране предпочтение отдавалось масляной живописи, хотя и в XVIII в. было написано немало портретов представителей высшего света в технике сухой пастели, преимущественно приглашенными европейскими художниками.
Однако в начала XIX века у пастели появились свои приверженцы. Художники зачастую владели многими техниками, поэтому работы пастелью можно встретить и у мэтров масляной живописи.
Венецианов Алексей Гаврилович (1780 — 1847)
Кипренский Орест Адамович (1782 — 1836)
Репин Илья Ефимович (1844 — 1930)
Левитан Исаак Ильич (1860 — 1900)
Серов Валентин Александрович (1865 — 1911)
Бакст Лев Самойлович (1866 — 1924)
Мария Васильевна Якунчикова (Вебер) (1870 — 1902)
Серебрякова Зинаида Евгеньевна (1884 — 1967)
Кстати, 5 апреля в Третьяковской галерее открывается выставка, посвященная творчеству Зинаиды Серебряковой. Уникальная возможность широко познакомиться с творчеством этой талантливой художницы!
Надеемся, что вас вдохновило творчество художников-пастелистов, и вы решитесь попробовать этот прекрасный живописный материал!
* Материалы по истории пастельной живописи взяты из книги Ю.
Ю.Дорофеевой и А.А.Моисеева «Пастельная живопись», ООО «Гуманитарный издательский центр ВЛАДОС», 2014 г. Книга будет интересна всем любителям пастели.
Искусство пастели некоторых из самых известных художников всех времен
ИСТОРИЯ ИСКУССТВА Статьи 3 комментариев 3 минуты чтения
Я люблю историю искусств. Любите это со страстью. Но я также осознал его недостатки, в первую очередь то, что история искусства, с которой я столкнулся, была лишь одной из многих историй искусства. История искусства пастели, безусловно, отвечает всем требованиям как история, которая была отодвинута на второй план на протяжении веков. На «почему» этого есть много ответов, но это не потому, что известные художники не использовали пастель. Они сделали. Любой художник, который сегодня работает с этим материалом, должен помнить об этом. Он имеет захватывающее происхождение и является источником множества уникальных, трогательных и просто прекрасных произведений искусства, причем созданных одними из самых известных художников всех времен!
Одилон Редон
Я веду с французским символистом, потому что я люблю его пастели, как никто другой.
Этот облачный пейзаж выражает все чудеса цвета и создания меток, которые можно исследовать с помощью пастели. Эта среда была одной из любимых у Редона. Рисовал ли он портреты, натюрморты или воображаемые пейзажи, он заставлял пастель казаться богатой, мощной и в то же время честной для среды.
Чайлд Хассам
Иллюстратор по профессии, Чайльд Гассам был одним из самых известных американских импрессионистов, работавших в конце 1800-х и начале 19-го века.00с. Он также является одним из самых известных американских пастелистов. Он выставлялся на четвертой, заключительной выставке Общества художников пастели в Нью-Йорке в 1890 году. Городской пейзаж, летние сады и абстрактное ночное небо были запечатлены его рукой, работающей в этой технике.
Мэри Кассат
Мэри Кассат была одной из самых влиятельных художниц американского искусства 20-го века. Ее друг Эдгар Дега был тем, кто впервые вдохновил ее на работу пастелью, и рисование портретов с использованием этой техники в конечном итоге стало тем, чем она зарабатывала на жизнь в Париже.
С пастелью можно было манипулировать быстрее и легче, она не имела запаха и допускала частые перерывы.
Для Кассат, написавшей много детских портретов, это было важно. Ее пастели наиболее известны своими смелыми линейными мазками, которые создают чувственные, содержательные формы.
Уильям Меррит Чейз
Известный портретист Уильям Меррит Чейз основал Общество американских художников пастели в 1882 году, в которое вошли такие художники, как Джон Генри Твахтман, Чайлд Хассам и Роберт Рид. Общество просуществовало всего восемь лет и провело четыре выставки. Но это привлекло внимание к пастели и помогло ей завоевать уважение как материалу. Чейз работал в различных техниках, включая масло, пастель, акварель и офорт. Его рисунки пастелью иногда были очень большими, до шести футов в высоту, и выполнялись на холсте.
Автопортрет Уильяма Меррита Чейза, ок. 1884 г., пастельЖан Франсуа Милле
С 1865 по 1869 год Милле рисовал почти исключительно пастелью для коллекции, которая в конечном итоге включала 90 работ.
Эдгар Дега
Я заканчиваю знаменитым художником, исторически наиболее связанным с пастелью. Дега считается художником, наиболее ответственным за его превращение в крупную среду. Когда он начал работать с пастелью, она в основном использовалась для портретов и часто в качестве предшественников для завершения картин маслом. Дега, однако, создал очень большое количество готовых рисунков пастелью.
Он работал пастелью на протяжении всей своей карьеры, и в 1880 году она стала его основным материалом. Художник часто сочетал его с другими материалами, такими как акварель, масло и монотипия, создавая богатые поверхности с различными красками, нанесенными сложными слоями.
И, может быть, ты
Используя пастель в качестве ориентира, история искусства открывается по-новому. Что касается меня, меня всегда будет тянуть к медиуму из-за известных художников, которые оживили его в прошлом: Редон, Дега, Шарден, Милле и Шиле. Но меня также заинтриговало, если не больше всего, искусство пастели, созданное современными художниками. Может быть, одним из этих художников являетесь или могли бы быть вы.
Если вы думаете о том, как эта среда может быть способом изучения искусства — во-первых, знайте, что вы находитесь в хорошей компании — и, во-вторых, такие ресурсы, как 
Наслаждайтесь этим чувством открытия! Какими известными (или должны быть известными) художниками, работающими с пастой, вы восхищаетесь? Напишите нам в комментариях. Сохранить
20 пастельных работ и мудрых слов от 20 отмеченных наградами художников
Каждый год в течение двух десятилетий ежегодный конкурс Pastel 100 награждает 100 исключительных работ пастелью лучших художников и начинающих талантов. Когда в апреле 2019 года чествуют победителей 20-го ежегодного конкурса Pastel 100выпуск Pastel Journal , в журнале будет представлено в общей сложности 2000 картин пастелью! Чтобы отметить наше 20-летие, мы повторно посетили архив пастельных 100 картин и выбрали 20 наших любимых лауреатов. Интригующий. Энергичный. Мощный. Неотразимый. Элегантный, свежий. Яркий. Увлекательный. Безупречный. Смелый. Это лишь некоторые из слов, которые использовались для описания этих отмеченных наградами пастельных работ. Взгляните, вдохновитесь, а затем примите участие в 20-м ежегодном конкурсе Pastel 100 здесь.
Наслаждаться!1.
Морозное утро Скип Уиткомб Морозное утро Скип Уиткомб, пастель, 30 x 36; Гран-при журнала Pastel Journal, 2000 г. Никогда не прекращайте учиться. Что отличает великих мастеров живописи от остальных? Скип Уиткомб говорит, что если бы он свел его только к одному атрибуту, то это была бы способность продолжать учиться. «Все великие мастера всю свою жизнь были великими учениками», — отмечает Уиткомб, который любит изучать мастеров, чтобы продолжить свой творческий рост. «Вы можете пойти в музей, взять альбом для рисования, сесть и нарисовать эскизы любимых картин. Вы начнете понимать, о чем говорил этот художник, почему в картине нет ничего случайного. Это максимально близко к тому, чтобы поговорить с этим художником о создании картины».2.
Сюита «Весна пустыни» У. Трумана Хоснера Сюита «Весна пустыни» У. Трумэна Хоснера, пастель, 20 x 26; Гран-при Pastel Journal, 2001 г. Меньше значит больше.
«Есть истины, которые на первый взгляд кажутся почти простыми, но чем больше вы их изучаете, тем больше вы понимаете, насколько они верны», — говорит Трумэн Хоснер. «Например, вы часто слышите фразу «меньше значит больше», и она звучит просто. Но чем больше я рисовал с натуры, тем больше я узнаю, что важнее то, что я не записываю, чем то, что я делаю».
Художник отмечает, что 9Набор 0045 «Весна пустыни» — хороший тому пример. «В пустыне есть этот ясный резкий свет, и вы можете видеть каждую деталь каждого растения, каждую колючку на кактусе», — продолжает он. — Но ты не можешь все это нарисовать. Вы должны сделать выбор».3.
Three Reds Бренни Брэкетт Three Reds Бренни Брэкетт, пастель, 25 x 20; Первое место в категории «Натюрморты и цветы», 2002 г. Работа для «Вау». Вначале композиция была одной из самых сложных вещей для художника Бренни Брэкетт. Теперь он предлагает ей безграничные возможности для творчества. «Мне нравится рисовать, но самое интересное для меня — это думать о том, чем я хочу заниматься», — говорит она.
«В основном это возиться с множеством объектов, пока они не образуют приятную композицию. Обычно я громко восклицаю, когда добираюсь до того места, где хочу быть».4.
Downtown , Эндрю Макдермотт Downtown, Эндрю Макдермотт, пастель, 18 x 24; Гран-при Pastel Journal, 2003 г. Будь собой. Композиция Макдермотта с высоты птичьего полета привлекла внимание жюри, но его лауреат премии также уникален тем, что был нарисован на черной бумаге. Макдермотт говорит, что в школе ему сказали не использовать черную бумагу. «Я хотел выяснить, почему, поэтому я попробовал. При этом я обнаружил, что нет причин не пробовать разные вещи», — объясняет он. «Вы можете нарушать правила. Вы должны найти свой собственный путь. Ходите на семинары, посещайте занятия, учитесь у своих инструкторов, но не подражайте им. Просто будь собой.»5.
Драгоценности Нэнси Макдональд Драгоценности Нэнси Макдональд, пастель, 30 x 26; Золотая медаль Фонда Art Spirit / Дайан Б.
Бернхард, 2004 г. Игра с цветом. Цвета, которые любит использовать художница Нэнси Макдональд, соответствуют ее ощущениям. «Я не следую никаким правилам, — говорит она. «Мне очень нравится играть с цветом, и я считаю, что тонкие контрасты так же важны, как и другие».
Чтобы начать свою картину, Драгоценности, , она нанесла динамичную лилово-фиолетовую акриловую заливку неравномерно на белую отшлифованную пастельную бумагу. «Я пробовала много разных оснований, но мне больше всего нравятся насыщенные цвета. Они создают своего рода гул, который проходит через всю картину».6.
Проповедник Сэма Гудселла Проповедник Сэма Гудселла, пастель, 60 x 40; Третье место в категории «Портрет и рисунок», 2005 г. Примите правильную позу. Важным аспектом портретной живописи является поиск правильной позы, позы, раскрывающей личность натурщика. Эскизы-миниатюры помогают Сэму Гудселлу разобраться в этих вопросах, так как он в то же время рассматривает негативное пространство вокруг предмета.
«Думайте о человеке как о силуэте и ищите интересные внешние пространства — вот что я делаю», — заявляет он.7.
В задумчивом настроении Дайаны ДеСантис В задумчивом настроении Дайаны ДеСантис, пастель, 22 x 30; Третье место в категории «Портрет и рисунок», 2006 г. Начните с абстракции. Диана ДеСантис говорит, что последнее, о чем она думает, когда рисует портрет, — это сходство. Вместо этого ее внимание сосредоточено на формах фигуры, чертах лица и даже деталях. Она исходит из абстракции: крупные, неразличимые формы разбиваются на более мелкие, пока не возникает что-то — да, подобие. «Если художник стремится получить сходство и теряет фокус на формах, позитивных и негативных, то он потерял рисунок и потерял сходство», — объясняет она.8.
Transitory Shadows Ким Лордье Transitory Shadows Ким Лордье, пастель, 24 x 36; Гран-при Pastel Journal, 2007 г. Знайте, когда остановиться. Упрощение — ключ к импрессионистическому стилю Лордье.
Она благодарит Барри Джона Рэйбоулда, художника-самоучку, масляного художника, за то, что он научил ее находить основной абстрактный рисунок в композиции, создавая быстрые этюды света и тени (notans). «Я обнаружил, что чем больше я работаю, тем быстрее я могу найти суть сцены — и остановиться», — отмечает Лордье.9.
Чупитулас Брайана Коббла Чупитулас Брайана Коббла, пастель, 15 x 34; Гран-при Pastel Journal, 2008 г. Ищите настроение. Чупитулас изображает некогда шумную улицу, а теперь тихую. Брайана Коббла, известного своими городскими пейзажами, часто привлекает безлюдное место. Когда он наткнулся на эту часть окраины Нового Орлеана в 2004 году, ураган «Сэнди» был еще впереди. Но район уже был «жутким и заброшенным», говорит Коббл, и очень похож на среду, которая вдохновила бы его на картину.10.
Нитки Питера Зельцера Нитки Питера Зельцера, пастель, 24 x 20; Премия Рут Ричесон/Unison Pastels, 2009 г.
Дайте зрителю пищу для размышлений. В творчестве Питера Зельцера есть символы, которые нужно прочесть — «ниточки», за которые нужно тянуть, если хотите. «В моих работах часто есть подтекст, — объясняет он, — но я стараюсь сделать картину достаточно визуально убедительной, чтобы тем, кто хочет подойти к ней на чисто визуальном уровне, было чем заняться, а тем, кто приходит к ней в поисках нарратив тоже что-то найдет».11.
Женщины Гат Дон Эмерсон Женщины Гат Дон Эмерсон, пастель, 19 x 15; Серебряная медаль Фонда Art Spirit / Дайан Б. Бернхард, 2010 г. Захватите ритм. Когда она делала набросок для Ghat Women , Дон Эмерсон отреагировала на ритм и паттерны. «Я сразу поняла, что это станет картиной, — вспоминает она. «Я увидел круговой дизайн фигур и то, как я мог заставить красные работать по всей картине. Дизайн — большая часть того, чем я занимаюсь. Композиция была очень важна с самого начала. Я знал, что хочу перевести взгляд зрителя с фронта на тыл».
12.
«Пробужденные солнцем» Фредерика Сомерса «Пробужденные солнцем» Фредерика Сомерса, пастель, 16 x 24; Второе место в категории «Пейзаж и интерьер», 2011 г. Позвольте своему сердцу вести за собой. В поисках того, что нужно этой картине, Сомерс позволил своему сердцу указать путь. «Я немного увеличил композицию — чтобы она дышала», — говорит он. «С левой стороны было больше линейных штрихов, темных линий и бликов, а справа — более крупные тональные формы. Я играл теплом апельсинов с тенью на снегу, заставляя ее светиться. Я добавил красные оттенки, соединив их с фоном, чтобы сделать его интереснее».13.
Уже весна? Элизабет Ганджи Уже весна? Элизабет Ганджи, пастель, 12 х 16; Третье место в категории «Животные и дикие животные», 2012 г. Работа без сети. Элизабет Ганджи часто создает набросок миниатюр с серыми маркерами, чтобы помочь спланировать дизайн и значения своих пастельных работ; но она не рисует на настоящей бумаге.
Вместо этого она начинает с подмалевка углем, чтобы эскиз не стал слишком ценным.
«Чем больше я работаю над картиной, тем более застойной она становится, и я начинаю терять суть и энергию, которые пытаюсь передать», — отмечает она. «Если я полюблю его слишком рано, я буду меньше рисковать, и мои удары станут менее беззаботными и игривыми».14.
Йеллоустонский финал Аарон Шюрр Йеллоустонский финал Аарон Шюрр, пастель, 20 x 30; Первое место в категории «Пейзаж и интерьер», 2013 г. Редактировать сцену. Чтобы объединить контрастную теплоту света с прохладой снега в тени, Аарон Шюрр применил все значения к яркому свету на горизонте. «На картине синева на снегу или золото в воде — это не обязательно то, что я видел», — объясняет он. «Это то, что лучше всего связано со светом на горизонте. Я также пытался отрегулировать температуру потока на переднем плане так, чтобы он был холоднее, чем пар у горизонта».15.
Путь в Живерни Рэя Хассарда Путь в Живерни Рэя Хассара, пастель, 10 x 12; Золотая награда Pastel Journal, 2014 г.
Дизайн истории. На эталонном фото пейзажа, отмеченного призом, велосипедист вместе со своей девушкой уезжает из города. Но Рэй Хассард перевернул его и вырезал вторую фигуру, чтобы усилить композицию и повествование.
«В каком-то смысле это была картина утра, когда я впервые направлялся в Живерни и увидел его в конце этого поля», — отмечает Хассар. «Я хотел, чтобы зритель почувствовал, что он или она тоже движется туда». Велосипедист и дорожка, которую он намеренно разместил не по центру, направляют взгляд зрителя на деревню вдалеке.16.
Приятного аппетита, № 3 Яэль Маймон Приятного аппетита, № 3 Яэль Маймон, пастель, 17,5 x 23,5; Первое место в категории «Животные и дикие животные», 2015 г. «Знай свой предмет». Удостоенная наград пастель Яэль Маймон является частью серии Cat , над которой она работала в течение многих лет. «Я знаю кошек вдоль и поперек, — говорит Маймон, — и тем не менее с каждой картиной я узнаю что-то новое о своем предмете».
Художница проводит много времени, наблюдая за животными, рисуя цвета и делая быстрые наброски, изучая анатомию кошек и даже посещая кошачьи операции в местном центре спасения животных. «Я думаю, что хорошее знание своего предмета необходимо для того, чтобы нарисовать его убедительно и уверенно, а также передать его истинную суть», — объясняет Маймон.17.
Хлоя Дауда Ахриева Хлоя Дауда Ахриева, пастель, 19 х 25; Серебряная награда Richeson Pastel, 2016 г. Захват света с помощью слоев. Ахриев достигает блестящих световых эффектов с помощью процесса наслоения. «Мне нравится начинать с более темного и насыщенного цвета, чтобы в конце я мог выделить свет», — объясняет он. «С Chloe , чтобы усилить свет, я начал с очень темного цвета, а затем, в конце, я наложил толстые слои на светлые участки, используя мягкую пастель Sennelier и Unison, нанося более тяжелые, маслянистые слои».18.
Губная помада Jian Wang Губная помада Jian Wang, пастель, 29,5 x 21,5; Премия журнала Pastel за выдающиеся достижения, 2017 г.
Сила ограничений. Мы не можем нарадоваться мастерству, с которым Цзянь Ван ограничил детали для впечатляющих результатов в губной помаде . «Художник заставляет зрителя сосредоточиться на том, что важно, используя более законченные области вместо областей, которые просто предложены», — говорит член жюри Вианна Сабо. «Пусть рука растворяется в ритмичном рисунке руки, держащей зеркало, фокусирует внимание зрителей на лице и жестах женщины. Всплеск розового на заднем плане создает атмосферу и свет, не помещая ее в какую-либо конкретную среду».
Ван использовал силу внушения, позволив зрителям свободно интерпретировать тихую сцену по-своему.19.
Картина «Старая китайская керамика» Аурелио Родригеса Лопеса Картина «Старая китайская керамика» Аурелио Родригеса Лопеса, пастель, 17,75 x 35,5; Премия основателя Pastel Journal, 2018 г. Знай свою концепцию. Хотя картина Аурелио Родригеса Лопеса, отмеченная призом, ослепляет своей технической точностью, большое достижение художника заключается в том, что техника играет центральную роль в изобретательской концепции «живопись в картине» — в самом акте выражения, который Лопес описывает как «дань уважения к пастели».