Рококо в живописи: особенности стиля
Дорогие друзья, посетители и постоянные читатели блога!
Хочу спросить, а волнует ли вас веселый и загадочный стиль Рококо? Знаете ли вы, что стиль считается самым легкомысленным, так сказать, «с легким ветерком в голове» из всех стилей в истории искусства, по словам критиков того времени?
Мне же кажется, что среди всех стилей искусства он занимает особое место. Кстати, не только потому, что я ему очень симпатизирую! Согласитесь, само журчащее название «Рококо» уже обеспечивает часть успеха, оно интригует и запоминается.
Как всегда, законодательницей мод в искусстве выступила Франция. Именно там, в первой половине XVIII века, начал развиваться стиль Рококо, стиль легкости, изящества и беззаботности. А название «Рококо» производное от французского слова rocaille, что означает «скальный», также может переводиться как ракушка, коралл, обломки скал.
Причем тут ракушки, — спросите вы? А потому что изначально Рококо появился в декоре, а визитной карточкой стал завиток в виде морской раковины, самым ярким элементом композиций декора! А уже затем появились затейливые орнаменты, всякие милые глазу S-образные завитушечки.
Мебель с завитушками в стиле Рококо
Надо отметить, что эпоха Рококо — это стремление к свободе и непринужденности, освобождение от канонов и требований. То есть уход от стиля Барокко, который тогда находился в расцвете. А главной идеей Рококо является красота, идиллия, отказ от проблем и реальности, такая счастливая красивая жизнь.
Появление стиля Рококо в искусстве было закономерным. Как это часто бывает, публика пресытилась излишней пышностью, вычурностью и тяжеловесностью Барокко. И вот в начале XVIII века в декоре парковых павильонов появилось нечто новое, легкое и непринужденное.
На фото:
Слева — Франсуа Буше «Завтрак» 1739 г, на картине можно увидеть элементы интерьера того времени
Справа — неизвестный художник, на картине аристократка в одежде того времени
Стиль Рококо в живописи
А дальше все очень просто: появился спрос на подобные украшения, а затем и мода. С этого момента стиль Рококо стал активно распространяться по странам Европы.
Что же касается видов искусства, то наиболее ярко он проявился в архитектуре и живописи.
Архитектура Рококо с игривостью противостоит строгой симметричности и парадности сооружений Барокко. Построенные в эпоху Рококо дворцы и храмы и сейчас радуют изысканностью форм, приветливостью и веселой красотой. Чаще всего, в этих сооружениях почти полностью отсутствуют прямые линии.
Как, это же архитектура, — скажете вы? Просто все эти линии старательно замаскировывались растительными орнаментами, плавными изгибами, кокетливыми карнизами и другими затейливыми элементами.
Архитектура в стиле Рококо
Но еще более ярко стиль Рококо выразился в декоре интерьеров! Сложные лепные узоры, завитки, гирлянды – все это создавало впечатление сказочной роскоши и живописной легкости. Картину интерьера дополняли многочисленные зеркала и хрустальные люстры.
Интерьеры эпохи Рококо
Для оформления в стиле Рококо кроме традиционных пастельных тонов, часто использовались золотистые и жемчужно-серебристые оттенки.
Что и сказать, интерьер получался роскошный, даже сказочный! Помещение, украшенное таким декором, казалось изнутри невероятно красивой шкатулкой.
- Самое главное отличие стилей, это их происхождение. Искусство Барокко в своем начале религиозное, так как основным заказчиком картин была церковь, а Рококо — чисто светское, аристократическое. Ни правительство, ни церковь не покровительствовали в подъеме стиля Рококо
- Для Барокко характерна масштабность, монументальность и строгая симметричность. А Рококо напротив – изящный, построен на асимметрии.
Примеры картин эпохи Барокко и Рококо
- Барокко свойственны темные, контрастные, яркие цвета. А Рококо, будто бы играючи, все поменял: для него характерны мягкие цветовые переходы и светлые пастельные тона.
- Стиль Барокко создает театральность и торжественность, а Рококо – мягкую утонченность и галантность.
Основоположником Рококо в изобразительном искусстве стал французский живописец Жан Антуан Ватто (Antoine Watteau).
Вначале он копировал картины фламандских мастеров, а со временем нашел свою тему в живописи. Он стал писать милые легкие картинки из жизни аристократов, и это было началом нового галантного жанра. А затем и нового стиля в живописи – Рококо.
Картины Рококо живописца Жана Антуана Ватто
Картины Рококо наполнены, как сейчас сказали бы, няшностью. Полный уход от проблем современного мира и жестоких реалий, только идиллия и наслаждение жизнью. Элегантно одетые персонажи, находящиеся на фоне красивой природы, играющие, отдыхающие – традиционный сюжет картины Рококо.
В эпоху Рококо художники постоянно находились в поиске особенных изысканных оттенков. Были модными неестественные цвета, которых практически не встречалось в природе. Так вот, некоторые редкие оттенки даже получали милые названия за свою красоту.
Например: «голубиная шейка» (понятно, что голубой цвет), а вот как выглядел «цвет потерянного времени» или «цвет бедра взволнованной нимфы» даже догадаться сложно! Кстати, cuisse de nymphe émue (бедро взволнованной нимфы) считается бледно-розовый цвет, и даже есть розы с таким чудесным названием!
Картина Рококо и роза «cuisse de nymphe émue»
На заметку: Франсуа Буше, автор пасторального жанра и живописец Рококо, считал, что природа несовершенна, к тому же часто природному сюжету недостаточно освещения.
Поэтому он добавлял изумрудные, розовые и бирюзовые оттенки, делая свою живопись яркой и радостной.
Примеры картин Франсуа Буше (François Boucher)
Слева — «Венера, утешающая Амура» («Venus Consoling Love»), 1751г.
Справа — «Птичья клетка» («La cage d’oiseaux»), 1750г.
Картины Рококо Франсуа Буше
На заметку: Стиль Рококо иногда называли «стилем Помпадур». Почему? Да потому что мадам де Помпадур, фаворитка короля Людовик XV , была настоящей иконой стиля того времени! Маленькие, почти кукольные, ручки и ножки, изящная обувь, эротичное декольте, складочки, рюшечки, розочки, бантики… Такой она предстает на картинах художников того времени.
На фото: Франсуа Буше «Портрет мадам де Помпадур)
Стиль Рококо в живописи — Франсуа Буше
А знаете ли вы, кто сделал Францию центром культуры, искусства и моды? Именно король -солнце, как его называл французский народ, Людовик XIV! Со времен рассвета стиля Барокко на территории Франции все и началось, потом засветил поярче «культурный маяк» и последователь трона- Людовик XV.
Так с легкой руки короля, Франция до сих пор считается центром искусства и моды…
Еще одна особенность стиля Рококо в живописи – это отношение к внешнему виду персонажей. Герои картин все как на подбор румяные, нежные и холёные. Причем, это касается не только дам, но и мужчин. Стало модным иметь румяный вид, что подразумевало крепкое здоровье и молодость. Именно в этом был секрет стиля: неувядающая молодость и красота!
На фото:
Элизабет Виже-Лебрен, «Портрет мадам Дюбарри» 1782г.
Густаф Лундберг, «Портрет Франсуа Буше» 1741г.
Рококо в живописи
Кстати, как вы думаете, кто рисует больше, мужчины или женщины и почему? Читайте мою статью с примерами, надеюсь, она вам понравится. А здесь вы можете почитать об малоизвестных художницах Франции, например, об Элизабет Виже-Лебрен, чья картина находится выше.
Вот и получается, что Основная идея Рококо в живописи — запечатлеть вечную молодость и красоту! В картинах персонажи как бы изящно убегали от реальности, показывая всем своим существованием радостную беззаботность.
Как ни странно, но характерной чертой Рококо в живописи также является… эротика. Получилось, что в это время было полностью пересмотрено отношение к обнаженному телу. Художники еще со времен античности писали обнаженную натуру, но теперь в этих картинах добавился привкус соблазна и сладострастия.
Кстати, именно это служило темой для критики шедевров французских живописцев Франсуа Буше и Жана Оноре Фрагонара. Уж слишком откровенными и манящими выглядели молодые дамы на картинах этих художников!
На фото:
Слева — Фрагонар «Девочка играющая с собачкой» 1770г.
Справа — Франсуа Буше «Геркулес и Омфала» 1731г.
«Манящие» картины в стиле Рококо
Критики того времени осуждали не только картины, но и все направление в целом. Они считали, что стиль несерьезен и безвкусен. Многие отмечали, что стиль Рококо несет распущенность в массы и не имеет эстетики …. Только вечная моложавость, беззаботность и любовь! Это критики того времени высказывали свое мнение по поводу стиля, а сейчас, современные критики искусства оценивают стиль совершенно иначе!
Кстати, стиль Рококо имеет популярность и в современной моде, и даже отражается в картинах многих современных художников
Стиль рококо в современной моде
В моей творческой деятельности есть совершенно разные картины, написанные в разных стилях, жанрах и направлениях.
В том числе имеются и картины в современной интерпретации стиля Рококо. Выставляла их на выставке современного искусства во Франции.
Я заметила, что к картинам современного Рококо проявляется интерес, возле них задерживаются и задают вопросы. Поверьте, для творческого свободного художника это хороший знак, чтобы и дальше проводить эксперименты в картинах!
Картины Рококо в современной интерпретации
В картинах на фото выше, помимо краски, я использовала натуральные стразы, для ожерелья, папье маше для головного убора и нижней части платья, а также маленькие кусочки зеркала. В таком виде картина выглядит куда интереснее, ведь живопись и микс медиа на холсте относится к новым направления в искусстве!
Видео для размышления: Зачем нам нужны картины и По какому принципу мы их выбираем?
https://www.youtube.com/watch?v=SsW_14md9sY
Друзья, чтобы статья не затерялась среди множество других статей в интернете, сохраните ее в закладках.
Она всегда будет под рукой, если вы захотите к ней вернуться!
Задавайте ваши вопросы внизу в комментариях, обычно, я отвечаю быстро на все вопросы
Рококо и искусство XVIII века — Искусствоед.ру – сетевой ресурс о культуре и искусстве
Просмотры: 41 426
Скачать как PDF
Стиль рококо рождается во Франции в 20-е годы XVIII столетия. Его развитие начинается в эпоху Регентства, но расцвет приходится на время правления Людовика XV. Сначала он проявляется в архитектуре, особенно в новых тенденциях оформления интерьера дворцов и фешенебельных городских домов знати, которые приходят на смену торжественному, величавому убранству залов Версальского дворца при Людовике XIV. Парадная декорация интерьеров, в которой ведущую роль играют строгие линии ордера, постепенно уступает место изощренно-прихотливым, волнистым очертаниям. Важное место в них занимает мотив
Французское слово rocaille (букв. – дробленый камень) обозначало искусственные скалы, покрытые ракушками, которые с эпохи Ренессанса использовали для создания фонтанов и гротов в парках.
Само название стиля является производным от этого слова, однако термин рококо появляется только в XIX веке. Первоначально во Франции он назывался «стиль Помпадур» по имени знаменитой фаворитки Людовика XV мадам де Помпадур, что было связано с ее значительной ролью в развитии нового вкуса и нового направления в искусстве.
Характерным для рококо является отказ от парадных анфилад эпохи Людовика XIV и создание меньших по размеру, более удобных и комфортабельных комнат, отвечающих естественным потребностям человека. Оставаясь прежде всего стилем внутреннего убранства богатого дома, рококо редко проявляется полноценно в самой архитектуре. Лучшим примером рокального интерьера являются залы и комнаты Отеля Субиз в Париже, созданные Жерменом Бофраном (1738-1739).
Легкие настенные панели с золочеными бордюрами, зеркала, золоченая лепнина плафона, гирлянды золотых цветов, изгибающиеся на белой поверхности стен, создают ощущение праздничности, роскоши, воздушной легкости.
Пространство богато украшено живописью, размещенной на небольших поверхностях на стенах, плафоне, над дверьми, имеющими сложные затейливые формы. В создании живописного декора Отеля Субиз принимали участие лучшие художники рококо – Франсуа Буше, Шарль-Жозеф Натуар, Карл Ван Лоо. Для сюжетов выбраны любовные сцены из Овидия, Апулея, Лафонтена, галантные празднества.
Необходимость декорировать интерьеры богатых «отелей» – частных домов знати, – которые активно строятся в Париже и других городах страны, стимулирует быстрое распространение стиля рококо в декоративно-прикладном искусстве. В мебели и фарфоре эпохи Людовика XV богатство, элегантность и фантазийность его форм проявляются особенно ярко. Знаменитая севрская фарфоровая фабрика, недалеко от Парижа, директором которой некоторое время был скульптор Фальконе, автор «Медного всадника» в Санкт-Петербурге, является одним из известнейших центров производства фарфоровых изделий в стиле рококо.
В живописи, наряду с темой любви, которая часто приобретает эротический оттенок, активно используются мотивы шинуазри, тюркери, изображающие придуманный, сказочный восток.
Интерес к экзотике, к необычному, который все более активно начинает проявляться в европейской культуре, становится важной чертой искусства рококо. Рокайльная живопись отличается красочностью, яркими колористическими эффектами. Таким образом, борьба между «пуссенистами», поклонниками Пуссена, настаивающими на первенство рисунка над цветом, и «рубенсистами», приверженцами Рубенса, охватившая французскую Академию на рубеже XVII-XVIII веков, решается для рококо в пользу цвета и богатства колорита, но само противостояние между «пуссенистами» и «рубенсистами» в XVIII веке трансформируется в спор между «древними» и «современными». В этом плане культура рококо с ее попыткой создать более естественную, комфортабельную, органичную для человека среду, созвучна идеям «современных».
Из Франции рококо распространяется в другие европейские страны.
Наиболее значительными центрами становятся католические регионы южной Германии и Австрия. Церковные интерьеры баварского архитектора Доминикуса Циммерамана в Виесе, недалеко от Мюнхена и Бальтазара Ноймана в Вюрцбурге остаются выдающимися образцами рококо вне Франции. Замечательным примером архитектуры, садово-паркового и декоративно-прикладного искусства рококо является дворцовый комплекс Сан Суси в Потсдаме (Германия), построенный королем Пруссии Фридрихом Великим.
С 1760-е годы стиль рококо вытесняется зарождающимся неоклассицизмом.
Новые общественные противоречия, новые проблемы, свойственные эпохе капитализма, вели к перевороту в европейской культуре и общественной мысли, которым были отмечены первые десятилетия нового 19 века.
Восемнадцатый век, расширив и углубив достижения предшествующей эпохи, внес много нового в развитие искусства европейских стран. Значительное влияние на него оказали изменения общественной жизни, укрепление капиталистических отношений и окончательное разложение феодального строя.
Философия просветителей, быстро распространившаяся по всей Европе, активно воздействовала на духовную жизнь людей даже в самых отдаленных странах. В свете новых воззрений на мир, на общество, на человека пересматривались старые духовные ценности, рушились традиционные верования и представления. Во всех сферах культуры и искусства торжествовало светское начало. В зодчестве преобладающим стало гражданское строительство, в живописи обрели новые силы реалистические тенденции. Получили дальнейшее развитие светские жанры — портрет, пейзаж, натюрморт, изображение быта. Светский характер приобрела религиозная живопись, как правило, теряющая былую серьезность и глубину чувства.
18 век вошел в историю как век Разума, и, действительно, стремление подвергнуть все сущее контролю и суду рассудка стало господствующей тенденцией мироощущения эпохи. Однако это не означало подавления живого чувства в искусстве того времени. Критическое постижение мира часто сочеталось в нем с утонченной поэзией, ирония — с мечтательностью и причудливой игрой воображения.
В 18 столетии утверждается новое отношение к человеку, значение личности чаще, чем прежде, оказывается независимым от сословных прерогатив. Поиски новых духовных ценностей нередко ведутся в сфере частной жизни. Идея «естественного человека» оказывается неотделимой от представления о столь же естественных чувствах. Художников, как и писателей, все больше интересует интимная духовная жизнь конкретного человека. Они углубляются в мир тонких и сложных эмоций, замечают бесконечное многообразие индивидуальных проявлений личности. Искусство, особенно живопись, становится более утонченным и изысканным, а с другой стороны, приобретает более интимный, камерный характер. 18 век — время особого расцвета станкового искусства. И хотя монументальная живопись и скульптура продолжают развиваться, лишь в редких случаях они достигают былого масштаба п значения. Открывая новые возможности развития искусства, художники 18 века постепенно теряли универсальную широту охвата явлений мира, характерную для великих мастеров Ренессанса и 17 столетия.
Искусство рококо выработало оригинальные приемы изобразительности, сопоставимые с уменьшительно-ласкательными формами естественной речи. Сентиментальность, готовность умиляться малым сквозят в языке живописи. Даже излюбленный формат рококо — овал — свидетельствует об этой наклонности. При сравнительно небольших размерах полотен эффект интимности изображенного становится полным. Масляная живопись нередко уподобляется пастели, и совсем не случайно расцвет этой нежной техники приходится именно на эпоху рококо.
Некая интригующая двойственность — неотъемлемая черта живописи рококо, о чем столь выразительно свидетельствуют «галантный жанр» или портрет. Живописец ведет со зрителем игру, взаимопонимание в которой поддерживается языком намеков. Полуоборот, легкий жест, чуть заметное мимическое движение, полуулыбка, как бы затуманенный взгляд или влажный блеск в глазах — из подобных градаций сотканы образы представителей «галантного» века. От изысканного Ватто через Буше этот язык передается Фрагонару.
В излюбленных мотивах Фрагонара всегда есть некий эффект мимолетности: художник будто ловит момент, когда звучит кокетливое «ах!» или что-нибудь в том же роде. Живопись Фрагонара — это язык междометий.
Сотни и тысячи картин, номинальными героями которых выступают одни и те же мифологические персонажи: Венера, Амур, Марс, Адонис, Вакх, Диана, Актеон, Юпитер, Европа, Аполлон, Дафна, Ариадна, Психея, нимфы, сатиры, вакханки, — все это множество изображений являет собой один предмет, преследует одну цель. Предмет и цель эти — любовь как чувственное наслаждение. Превратить наготу, а прежде всего обнаженное женское тело, в утонченное пиршество для глаза и ведомых им интимных чувств — в этом французская живопись XVIII века преуспела как никакая другая. Стоит сравнить любую из пуссеновских мифологических сцен с аналогичными сценами Буше, Ванлоо или Натуара, чтобы убедиться в метаморфозе жанра, слагавшегося под знаком Любви. Картина Карла Ванлоо «Юпитер и Антиопа» (ок. 1753; Санкт-Петербург, Эрмитаж) написана для собрания эротических сюжетов (Cabinet de nudites) по заказу маркиза де Мариньи, брата маркизы Помпадур.
Искусство 18 века чрезвычайно многообразно и противоречиво. Весьма значительными были различия между отдельными школами, происходила борьба течений и направлений внутри каждой из школ, а иногда противоречия проявлялись в творчестве одного художника. Поэтому не существовало единого стиля, объединяющего все разноречивые искания эпохи. Лишь с большой степенью условности можно выделить в начале и середине столетия как определяющую стилистическую тенденцию позднее барокко, перерождавшееся почти повсеместно в рококо.
Во второй половине века господствующей тенденцией стал классицизм.
Искусство 18 столетия было вместе с тем важной ступенью в развитии реализма. В некоторых странах, в частности в Англии, складываются элементы критического реализма, отразившего передовые взгляды представителей третьего сословия.
По сравнению с предшествующим периодом в 18 веке меняется соотношение различных искусств в общей структуре культурно-художественной жизни. Живопись во многих странах уступила первое место музыке и литературе, увеличилась роль театра, оказавшего значительное влияние на изобразительные искусства.
Продолжалось развитие многих национальных школ, но искусство разных стран развивалось неравномерно. Некоторые ведущие школы, совсем недавно достигшие блестящего расцвета, сошли со сцены. Так, Фландрия и Голландия уже пе выдвигали художественных явлений, которые могли бы претендовать на европейское значение. Это в большой мере относится и к Испании, где возрождение национальной культуры наступило лишь в последней четверти 18 века.
В Италии оригинальные и крупные произведения создавала в основном лишь венецианская школа.
Яркий расцвет культуры и искусства переживали другие страны, и прежде всего Франция, которая уже в конце 17 столетия приобрела ведущее значение в художественной жизни Европы. Английская школа впервые после эпохи средневековья начала играть видную роль в развитии мирового искусства. После долгого упадка начинали возрождаться архитектура, скульптура и живопись Германии, Австрии, Польши, Чехии. К концу 18 века относится ряд значительных достижений в изобразительном искусстве Соединенных Штатов Америки.
Развитие европейских стран повлекло за собою усиление связей между ними. Интенсивный хозяйственный обмен активизировал культурные отношения. Новые художественные идеи быстро становились достоянием живописцев, скульпторов и архитекторов во всех уголках Европы. Рим, в известной мере уступивший роль столицы европейского художественного мира Парижу, сохраняет, однако, значение крупного культурного центра, куда съезжались люди искусства со всех концов света, где происходил обмен мнениями и рождались новые художественные идеи.
Значение Рима стало особенно очевидным с середины 18 века, когда усилился интерес к античному наследию и началось его систематическое изучение. Рим превратился в крупнейший учебный центр для молодежи, многие академии ведущих стран имели там свои филиалы.
10 произведений, определивших стиль рококо
Искусство
Рэйчел Лебовиц
29 мая 2018 г. 16:41
После смерти короля Людовика XIV в 1715 году культурный центр французской элиты переместился из королевского дворца в Версаль и в сторону частных домов в Париже. Эта более личная среда нашла свое художественное выражение в рококо, которое представляло собой отказ от формального величия искусства барокко. Получив свое название от французского слова rocaille (означающего камень или гальку), которое первоначально относилось к склонности эпохи Возрождения к украшению искусственных гротов ракушками и камнями, рококо зародилось как стиль дизайна интерьера, предпочитаемый высшим городским классом.
Элегантность, легкость, цветочные мотивы, приглушенные цвета и изогнутые асимметричные линии, рококо вскоре распространились на живопись, где его эстетика сочетается с темами чувственной любви и природы.
Стиль быстро распространился на остальную часть Франции, а затем в Германию, Австрию, Англию и другие европейские страны.
Несмотря на то, что в конечном счете он потерял популярность из-за своей кажущейся легкомысленности, в то время как сторонники неоклассицизма преобладали в популяризации более сдержанного стиля, живопись рококо остается очаровательной — не только своими сладкими красками, но и своей игривостью, сочетанием натурализма. и украшение, и праздник отдыха, любви и молодости. Далее следуют 10 знаковых произведений искусства, которые иллюстрируют рококо в его различных итерациях, от мифологических сцен до исторических портретов, от пышных пейзажей до роскошных интерьеров.
Jean-Antoine Watteau,
Pilrimage to Cythera (1717)Жан-Антоин Ватто
Pélerinage à l’-Ile de Cythère (Pilgrimage to Cythera).
Жану-Антуану Ватто приписывают рождение живописи в стиле рококо. Сочетая влияние фламандского мастера Питера Пауля Рубенса и гигантов венецианского Возрождения, таких как Тициан и Паоло Веронезе, с театром, Ватто создал динамичные композиции в блестяще сформулированных цветах.
Он представил природу как идиллическую и дикую. Эти качества продолжали вдохновлять более поздних великих рококо, в том числе Жана-Оноре Фрагонара и Франсуа Буше.
Паломничество на остров Кифера (1717), известное также как Посадка на Китеру , пожалуй, самая известная работа Ватто. На картине пышный пейзаж в стиле ренессанс сочетается с аллегорической сценой, в которой группа пар либо возвращается, либо направляется (ученые расходятся в своих интерпретациях) с Киферы, небольшого греческого острова, расположенного недалеко от мифического места рождения Афродиты. долгое время ассоциировался с богиней любви. Каждая из трех пар на переднем плане представляет собой разную фазу ухаживания, а летящие амуры, взлетающие в небо, сигнализируют о любовных ассоциациях острова.
Выполненная в течение пяти лет работа ознаменовала поступление Ватто в Королевскую академию живописи и скульптуры. Приняв картину длиной более 6 футов, которая в настоящее время висит в Музее Лувра, Академия также официально признала новый жанр, положивший начало живописи в стиле рококо: galante .
Показывая придворных персонажей в идеализированной пасторальной обстановке, этот жанр отражал период французского Регентства — время между смертью Людовика XIV и правлением Людовика XV, когда Филипп II правил как регент. Это была эпоха мира и процветания, когда люди упивались празднованием ритуалов ухаживания.
François Boucher,
Triumph of Venus (1740)François Boucher
Triumph of Venus , 1740
Nationalmuseum, Stockholm
Permanent collection
Advertisement
As a young artist, Paris-born Франсуа Буше создавал гравюры по рисункам Жана-Антуана Ватто. Позже он отправился в Италию, чтобы изучать как венецианское барокко, так и голландскую пейзажную живопись 17-го века. Вернувшись в Париж в начале 1730-х годов, Буше получил признание как художник больших мифологических сцен, таких как его ликующие Триумф Венеры (1740 г.), на котором изображена богиня Венера (она же Афродита) после ее рождения из морской пены в сопровождении водяных нимф, тритонов (водолазов) и херувимов-путти.
Обильная розовая плоть изобилует цветом и конфигурацией обнаженных фигур, которые перекликаются с розово-белым поясом, парящим над группой.
Хорошо сбалансированная, но активная, беззаботная, но сексуально заряженная сцена является примером рококо своей энергией и палитрой и указывает на дальнейшее развитие Буше игривого чувства эротики как определяющего элемента жанра. Чрезвычайно популярные в свое время работы Буше были преобразованы в гравюры, фарфоровые статуэтки и гобелены, а за пять лет до своей смерти он стал первым художником короля и директором Королевской академии, двух высших должностей во французском искусстве. мир в то время.
Жан-Оноре Фрагонар,
Встреча (из «Любви пастухов») (1771–72)Жан-Оноре Фрагонар
Встреча (из «Любви пастухов»)6 ,6 , -1773
Коллекция Фрика, Нью-Йорк
Размещенная в коллекции Фрика в Верхнем Ист-Сайде Манхэттена, картина Жана-Оноре Фрагонара «Встреча » (1771–1772 гг.
) была заказана как часть набора из четырех картин для Кинга. Любовница Людовика XV, графиня дю Барри. Вместе эти панели «Прогресс любви» иллюстрируют развитие романтических отношений. Второй в сете, Встреча показывает сцену, которая происходит после того, как молодая женщина принимает предложение руки и сердца своего возлюбленного; любовник взобрался на ограду сада ради украденного интимного момента со своей невестой. Работа раскрывает обучение Фрагонара исторической живописи, поскольку он наполняет интимную любовную сцену величием и драматизмом.
Как и Франсуа Буше, в мастерской которого он когда-то работал, Фрагонар находился под влиянием как итальянского барокко, так и голландской пейзажной живописи. Однако быстрые, живописные мазки, которыми прославился Фрагонар, представляют эволюцию поколений в рококо, а в Встреча , художник продемонстрировал свое мастерство в работе с различными текстурами, от вздымающихся облаков до пестрых листьев и цветов, а также тщательно сложенными тканями одежды пары.
Вероятно, из-за того, что они не были достаточно неоклассическими, графиня вернула картины Фрагонару, который создал еще семь работ из этой серии.
Морис-Кантен де Латур,
Портрет маркизы де Помпадур (1748–1755)Морис-Кантен де Латур
Portrait en pied de la marquise de Pompadour (Портрет маркизы де Помпадур)
Лувр
Постоянная коллекция письменный стол, на котором лежит пьеса, энциклопедия, тексты Вольтера и Монтескье, глобус и гравюра. Блестяще выполненный пастелью — фирменной техникой Мориса-Кантена де Латура — этот портрет маркизы в полный рост демонстрирует мирские таланты, ум и любовь модели к искусству.
Подруга и бывшая любовница Людовика XV, маркиза покровительствовала таким великим мыслителям, как Дени Дидро и Жан-Жак Руссо. Она стремилась убедить короля отстаивать идеи Просвещения, которые пронизывали парижское общество. Несмотря на серьезность картины в продвижении этой цели и ее относительную сдержанность, что проявляется в отсутствии у маркизы украшений и простой прическе, она, тем не менее, демонстрирует некоторую прихоть рококо в голубых оттенках и цветочных мотивах, которые переплетаются по всей композиции, визуально объединяя модный стиль маркизы.
, роскошное платье с ее окружением. Это свидетельство выдающихся навыков де Латура в этой области, которые он использовал, чтобы перенести традиционно формальную портретную живопись в более личную, психологическую сферу.
Луис Парет и Алькасар,
Карл III, обед в суде (ок. 1775)Луис Парет и Алькасар, Карл III, обед в суде , ок. 1775. Музей Прадо. Фото с Викисклада.
Луис Парет-и-Алькасар, известный как «испанский Ватто» благодаря умелому подражанию французскому стилю рококо, начал и закончил свою жизнь в Мадриде, где сегодня висит его картина «Карл III, обедающий перед судом» (ок. 1775 г.). Национальный музей Прадо. Картина, написанная маслом на доске, компенсирует свои скромные размеры роскошным, негабаритным интерьером, который он изображает с замечательными деталями. На картине изображен король Испании Карл III, обедающий в Королевском дворце в Мадриде в сопровождении гончих, послов, министров и слуг, включая того, кто подает ему воду и вино, преклонив колени.
В реальном аналоге этой церемонии представители публики наблюдали бы, как королевская семья ест в своих покоях. Художник вставил в картину мифологические сцены, представляющие такие темы, как любовь, патриотизм и охота, что, по сути, усилило зрелищность, окружающую то, что является необычным предметом королевской портретной живописи. Считается, что эти виньетки с юмором намекают на внутренние мысли короля. Добавляет шутливости и загадочности произведению то, что его покровитель неизвестен (скорее всего, это был , а не по заказу Карла III), и художник подписал свое творение греческими буквами: «Сделал это Луис Парет, сын своих отца и матери».
Джамбаттиста Тьеполо,
Бракосочетание императора Фридриха и Беатриче Бургундских (1751–1752)Джамбаттиста Тьеполо
Бракосочетание императора Фредерика и Беатрис Буркогунской , Residenz , 1751-1752
Вюрцбург, Германия
Уроженец Венеции художник Джамбаттиста Тьеполо был приверженцем Великого Манера, стиля, восходящего к Высокому Возрождению.
Таким образом, его использование цвета и его возвышенные сцены на ярких открытых пространствах демонстрируют сходство с мастером венецианского Возрождения Паоло Веронезе. Тем не менее, Тьеполо также хвалят за его вклад в итальянское рококо, которое было основано как на его французском аналоге, так и на более воздушной итерации предыдущего барокко. Его фрески в немецкой Вюрцбургской резиденции, спроектированной Бальтазаром Нейманом, являются одними из самых известных его работ, олицетворяющих использование им точной перспективы и ярких цветов.
В Бракосочетание императора Фридриха и Беатриче Бургундских (1751–1752 гг.) Тьеполо увековечивает фрагмент местной истории 1156 года, добавляя ему причудливости. Действие происходит в богатом архитектурном пространстве, изобилующем арками, колоннами и балконом, с которого играют музыканты. Путти держит золотой занавес по обеим сторонам богато украшенной авансцены, как будто открывая театральную декорацию. Обрамленный внутри, епископ Вюрцбургский председательствует над коленопреклоненной парой, королевской семьей и отцом невесты; в юмористическом ключе придворный шут распластывается по ступеням алтаря, спиной к зрителю.
Среди темно-красных, ржавых и золотых оттенков роскошное платье Беатрис — квинтэссенция рококо в бледно-голубых и кремовых тонах — венчает беззаботную композицию.
Жан-Франсуа де Трой,
Признание в любви (1731)Жан-Франсуа де Трой, Признание в любви , 1931 год. Фото с Wikimedia Commons.
Жан-Франсуа де Трой получил образование художника-историка сначала у своего отца-художника, а затем в Риме, где в 1738 году он стал директором Французской академии этого города. Но его новшеством был жанр tableau de mode : прямые, подробные сцены досуга состоятельных людей. Часто сравнивают с более общей и вневременной 9 картиной Жана-Антуана Ватто.0009 Галантный праздник сцен, картин сознательно документируют определенный период времени и социальный контекст.
Признание в любви (1731) является определяющим образцом жанра. На этой веселой картине маслом группа благовоспитанных дам и джентльменов останавливается возле сада, а один из молодых людей становится на колени и преподносит своей возлюбленной букет цветов.
По обеим сторонам от дам три джентльмена почти сливаются с окружающей обстановкой, поскольку их серо-коричневые наряды сочетаются как с землей, так и с классической садовой стеной. Дамы, однако, появляются в скоординированных причудливых платьях с цветочными точками розового, синего и белого цветов, что, наряду с наружной обстановкой и романтической темой, создает визуальный праздник рококо.
Elisabeth Louise Vigée-Le Brun,
Marie Antoinette в придворном платье (1778)Elisabeth Louise Vigée-le Brun
Marie Antoipet Antoipet Antiolet Antoipet Antoipet Antiolet. Le Brun» в RMN Grand Palais
Элизабет Луиза Виже-Ле Брюн нарушила традиции, и не только своей зубастой улыбкой. Родившись в Париже в то время, когда женщинам отказывали в формальном художественном образовании, она получила образование у своего отца, хотя в основном была самоучкой, и к 15 годам стала успешным профессиональным художником. В 28 лет благодаря заступничеству Людовика XVI и Марии.
Антуанетта, она получила место в Королевской академии живописи и скульптуры, присоединившись к трем другим женщинам.
Будучи официальным портретистом Марии-Антуанетты, 22-летняя Виже-Лебрен впервые нарисовала печально известную королеву в 1778 году по воле матери Марии, императрицы Австрии Марии Терезии. Возвышаясь почти на 9 футов, портрет в полный рост помещает королеву рядом со столом, стулом, большой колонной и скульптурой, но Мария, великолепная в сияющем атласном платье, привлекает внимание даже в загроможденной композиции.
Драпировка, замысловатые узоры и цветочные элементы здесь соответствуют эстетике рококо, но, хотя Виже-Ле Брюн придерживалась колорита и сюжета рококо, ее творчество колеблется между этим стилем и неоклассицизмом, который его вытеснил. Покинув страну, когда началась Французская революция, она продолжила плодотворную карьеру в Италии, Австрии, Германии и России, прежде чем в конце концов вернуться во Францию. Всего Виже-Ле Брен написала более 600 портретов, подавляющее большинство из которых изображают женщин.
Уильям Хогарт,
Поселение (из «Брак a-la-mode») (1742–44).Уильям Хогарт известен своими революционными, морально поучительными работами, в которых карикатура используется для того, чтобы с юмором указать на пороки британского общества 18-го века. Известные серии лондонского гравера и художника, такие как «Прогресс повесы» и «Женитьба по-модному», также демонстрируют явную склонность к рококо, хотя и в британской вариации, поскольку Хогарт высмеивает en-vogue 9.0009 картин моды картин таких художников, как Жан-Франсуа де Труа.
«Женитьба по-модному» (1742–1745 гг.), например, рассказывает историю вымышленного графа Сквандера, который планирует женить своего сына на дочери купца. Первая работа в серии, Поселение (1742–1744 гг.), намекает на моральные недостатки и притязания участников матча: граф величественно сидит рядом со свитком, в котором подробно описывается его генеалогическое древо, а торговец пытается купить социальный статус.
через матч; тем временем молодая пара игнорирует друг друга. Она выглядит удрученной, потому что он вернулся из континентальной Европы не только в своем модном парижском наряде, но и с сифилисом, намекающим на черную метку на шее. Две собаки, прикованные к их ногам, символизируют их злополучную пару. Используя сатирический потенциал рококо в отчетливую, мощную форму, Хогарт обнажил неприглядную изнанку под очаровательной беззаботной поверхностью.
Томас Гейнсборо,
Голубой мальчик (ок. 1770)Томас Гейнсборо, Голубой мальчик , ок. 1770 г. Фото с Викисклада.
Рококо закрепилось в Англии во многом благодаря французскому художнику Юберу Франсуа Гравело, который жил в Лондоне, когда Уильям Хогарт основал Академию Святого Мартина в 1735 году. Школа стала резиденцией английского рококо, как Гравело, сам бывший ученик Франсуа Буше, распространял рисунки и гравюры в стиле рококо в качестве учителя. Одним из самых известных его учеников был Томас Гейнсборо.
Знаменитый портретист, настоящей любовью Гейнсборо был пейзаж, и его портреты уместно исследуют динамику между человеческими фигурами и их окружением, напоминая об интересе рококо к модно одетым людям на открытом воздухе.
«Голубой мальчик » (ок. 1770 г.) — одна из самых узнаваемых работ Гейнсборо — изображает розовощекого мальчика в элегантном, детализированном наряде на более живописном фоне, создавая контраст между изящной фигурой и деревенским окружением. Под влиянием фламандского художника 17-го века Энтони ван Дейка лазурный костюм мальчика был одной из первых попыток Гейнсборо нарисовать наряд в стиле ван Дейка. Возможно, это также было опровержением художника его сопернику Джошуа Рейнольдсу, который утверждал, что холодные цвета, такие как синий и зеленый, не должны занимать видное место в произведении искусства.
Одновременно виртуозный и интимный портрет в натуральную величину, который, скорее всего, изображает Джонатана Баттолла, сына богатого торговца и висит в библиотеке Хантингтона в Сан-Марино, Калифорния, отражает увлечение Гейнсборо стилем рококо.
игра между фантазией и реальностью.
Rachel Lebowitz
Rococó – theartwolf
Не столь сдержанное очарование буржуазии
«Версаль, который присоединился к элегантному классицизму Жирардона, а затем к живому стилю Coysevox, породил новый стиль Roque,co. Точно так же, как барокко было стилем римско-католической церкви в 17 веке, рококо было стилем французского двора в 18 веке».
Маддалена Спаньоло
Рококо во Франции: Салон принцессы в отеле Hôtel de Soubise , Париж. Фотография НонОмниса Мориара ·· Жан-Оноре Фрагонар : «Качели», 1767 год. Коллекция Уоллеса, Лондон.
В начале этого краткого изложения стиля рококо я считаю уместным, что первый пункт, который следует обсудить, касается не определения основных характеристик движения, ни имен его наиболее выдающихся героев, ни даже установления его временных рамок, но поднять вопрос о том, действительно ли было собственного стиля , который мы можем определить как рококо .
Долгое время рококо считалось простым производным (или даже «вырождением») барокко. Например, Фиске Кимбалл, считавший такую идею «аберрантной», указывал, что « рококо обычно интерпретируется как особая последняя, крайняя фаза барокко — примерно так же, как яркое интерпретируется в готике » (Fiske Kimball: «Сотворение рококо», 1943), указывая на Андреаса Линдблома («Происхождение рококо», 1924) и многие другие как пропагандисты такой идеи. Даже некоторые авторы, имеющие более положительное отношение к рококо, похоже, не склонны рассматривать его как движение, независимое от барокко. « Рококо действительно было продолжением в более легком, изящном, русле тенденций, уже заложенных в барокко » (Эдмунд Берк Фельдман: «Размышления об искусстве», 1985). В этом смысле для некоторых авторов рококо заслуживает не большего признания, чем маньеризм , обычно считающийся поздней вариацией стиля Возрождения, хотя природа этих двух совершенно различна, поскольку маньеризм шел вразрез с некоторыми характеристиками эпохи Возрождения.
, рококо переосмысливает, а иногда и преувеличивает основные характеристики барокко.
Одна из проблем в признании рококо как самостоятельного стиля заключается в том, что он возник после двух периодов колоссальной важности в истории искусства, каждый из которых доминировал на европейской художественной сцене более века: Ренессанс и Барокко . Напротив, рококо имел довольно короткую жизнь , обычно установленную между 1730 и 1760 годами, и его присутствие в некоторых странах, например в Испании, мало или даже отсутствует. Тем не менее, во Франции и соседних областях , от Северной Италии до центральной и южной Германии, рококо за свою короткую жизнь обладало собственной индивидуальностью и уникальными характеристиками, которые четко отличают его от барокко. « Рококо считалось поздним вырождением барокко, но это был самостоятельный стиль со своими узнаваемыми характеристиками », заключает Маддалена Спаньоло («Барокко и рококо», 2004).
Эти характеристики включают в себя интенсивное использование декора (иногда с восточными мотивами), изогнутых, а иногда и асимметричных форм, а в случае живописи — склонность к веселым, беззаботным темам, обычно воспевающим счастливую, беззаботную жизнь буржуазия.
Рококо появилось в Франции во время правления Людовика XV . В отличие от обычно внушительного барокко, стиль рококо больше подходил для декоративно-прикладного искусства и мебели, где он также мог лучше отражать влияние восточного искусства, уже известного во Франции в то время. В картина , инициатором рококо во Франции был Антуан Ватто , чей стиль повлиял на работы Франсуа Буше и Жан-Оноре Фрагонар , работа последнего полностью выполнена в стиле рококо. Архитектура в стиле рококо характеризуется интенсивным использованием внутренней отделки и особенно нравилась дворянству и буржуазии.
«Поэтому архитектура рококо светская и утонченная, связанная с аристократами и зарождающейся буржуазией, в то время как церковь продолжала предпочитать классицистическое барокко (хотя в Германии рококо выходит за рамки церковного) ». (Хосе Энрике Гарсия Мелеро: «Historia del Arte Moderno. El arte del siglo XVIII»).
Рококо за пределами Франции: Джованни Баттиста Тьеполо : «Юнона и Луна», c.1735-45. Музей изящных искусств, Бостон · Зеркальный зал по адресу Amalienburg , Мюнхен. Фотография Массимопа.
В Италия стиль рококо в основном присутствовал в северных городах с большим французским влиянием. Джованни Баттиста Тьеполо , художник, которого высоко ценили при жизни и которого Майкл Леви назвал «величайшим художником-декоратором Европы восемнадцатого века», был наиболее заметной фигурой. Венеция разработала особый жанр живописи, veduta , основными представителями которого были Canaletto и Francesco Guardi , и который часто считается частью стиля рококо.