Современные танцы это: СОВРЕМЕННЫЙ ТАНЕЦ • Большая российская энциклопедия

«Современные танцы», о чём идёт речь?

Понятие «современные танцы» прочно укоренилось в повседневном лексиконе всех тех, кто каким-то образом связан с танцевальной тематикой, будь то профессиональный хореограф или человек, который только-только начал осваивать первые па. Чем же являются современные танцы, и какие направления в себя включают?

Самые популярные стили современных танцев: джаз-фанк, хип-хоп, контемпорари, экспериментал, вакинг, вог и дэнсхол. Несмотря на то, что каждое из этих направлений появилось далеко не один и не два года назад, популяризировались на территории России они совсем недавно, поэтому даже новички имеют возможность освоить одно из направлений в совершенстве и уже через несколько лет добиться успехов мирового уровня. Но, чтобы достичь подобных результатов, важно не только определиться с любимым стилем, но и упорно работать, желательно с тренером, которого любезно предоставит школа современного танца.

Всем известный hip-hop — энергия и динамика

Один из наиболее распространенных видов современного танца – хип-хоп – появился более 40 лет назад. Судя по возрасту, можно предположить, что оно вовсе и не современное, однако, именно хип-хоп является эталоном движений современности, которые с каждым годом оттачиваются и дополняются новыми элементами. На базе этого танца возникла целая культура, масштабы которой поражают — это и мода, и стиль, и одежда, даже искусство.

Каждая уважающая себя студия современного танца обучает хип-хопу новичков и продвинутых танцоров. Объяснить такую распространенность культуры американской молодежи 60-х годов довольно сложно, но факт остается фактом: hip-hop покорил миллионы людей и не собирается на этом останавливаться.

Такие виды современных танцев, как хаус, паппинг, локинг и брейк-данс неразрывно связаны с хип-хоп культурой, так как развивались они параллельно с формированием данного направления. Сменяя друг друга, эти современные танцевальные стили переживали периоды пика и спада популярности.

Сейчас данные направления активно развиваются и дополняются новыми движениями, о чем свидетельствует рост мастерства современных танцоров.

Стильный и плавный contemporary dance

Совсем молодой, но уже такой популярный в России контемпорари завораживает своей красотой линий, плавностью переходов и сложностью элементов. Название contemporary dance переводится как современный танец, поэтому без него сложно представить школу или студию, в которой преподают современные танцы в москве. Контемпорари шагает в унисон с современными проблемами: душевные искания и переживания, становление личности, творческие мучения — все это танцоры показывают с помощью своего тела и чувственной подачи.

Танец contemporary не признает большинство установленных классической школой норм и правил, которые лежат в основе джаз-модерна, бальных танцев и балета. Но перед тем, как научиться современным танцам в технике contemporary следует должным образом подготовить свое тело к множеству сложных элементов, которые требуют хорошей растяжки и умения балансировать.

Основой техники контемпорари является использование ресурсов тела, его свободного положения и движения в пространстве, а также слаженного взаимодействия с телом партнера. Подобное представление близко затрагивает видение предназначения человека в современном мире.

О том, как танцевать современные танцы, лучше всего узнавать у профессиональных хореографов. Как их найти?

В школе танца: современного и энергичного, молодежного и сексуального, вдохновляющего и завораживающего.

Записаться на бесплатноезанятие

Просто заполните эти поля
и мы свяжемся с Вами

Хип-Хоп ТанцыDanceHallТверк | Booty DanceТверк | TwerkGo-Go | Гоу-ГоуБрейк-ДансПоппингJazz FunkСтретчингHouse DanceBody WorkHigh HeelsBody MadeКонтемпорариСовременные ТанцыStreet DanceРитмикаDanceHall KidsУличные ТанцыБути Дэнс | Booty DanceСовременная хореографияКрамп | KrumpLady’s StyleWaacking & VogueРагга | RaggaКлубные ТанцыДетские ТанцыCвадебный TанецExperimentalИндивидуальноVIP ГруппыHip Hop ChoreoБалет / ХореографияБути Дэнс | Booty DanceJazz ModernStreet Dance KidsBreak Dance Kids Dancehall FemaleHip-Hop FreestyleСовременные танцыВогVogueРастяжкаT. A.T( творческая)StretchingХореографияJazz-FunkБути-ДэнсКлубные танцыДетские танцыХип-Хоп Танцы Танца нет в спискеЕще не определились

Танцевальные направления

  • Хип-Хоп Танцы
  • Хип-Хоп Танцы
  • DanceHall
  • DanceHall
  • Тверк | Booty Dance

Все направления

Современные эстрадные танцы. Что это?- МАРКС- конкурсы по СЭТ

Как утверждают историки, желание ритмично двигаться возникло у древних людей, как естественная необходимость в выражении чувств с помощью движений. Однако популярность, которой пользуется современный эстрадный танец, доказывает, что хореография давно уже вышла за рамки удовлетворения потребности в творческом самовыражении.

В наши дни танец — это искусство сочетания множества стилевых направлений не только для воплощения художественного замысла, но и создания образов, созвучных с мироощущением современного человека.

Танец как вид искусства

Несмотря на то, что общее понятие танца предусматривает любые движения под музыку, с хореографической точки зрения, танцевальный номер — это нечто большее, чем ритмичная смена положений тела.

В современном представлении, эстрадный танец призван выполнять высокую эстетическую миссию — облагораживать, вызывать сопереживание, пробуждать светлое, доброе и возвышенное.

Неудивительно, что большинство современных танцевальных номеров представляют собой сюжетные миниатюры — небольшие спектакли, в которых, как и в балете, главенствует музыка и язык движений.

Танец, как вид искусства, подчиняется законам, которые определяют его структуру и способы выражения эмоционально-образного содержания. Основные характеристики танца — это:

  • ритм повторения движений;
  • рисунок, композиция — сочетания разных танцевальных па;
  • динамика — нарастание движения и эмоциональности композиции;
  • техника — искусство владения телом и мастерство исполнения танцевальных па.

Но какими бы ни были инструменты выразительности танцевального номера, его главный ориентир — это музыка. Именно музыка определяет не только ритм, темп и динамику движений, но и жанровое направление. А использование костюмов и реквизита помогает усилить смысловой посыл, постепенно стирая грань между танцевальным выступлением и шоу.

Потому что, современный эстрадный танец — это хореографическое представление с четко выстроенным драматургическим построением. И в нем неизменно присутствуют танцевальные техники, эмоциональная наполненность и, конечно же, доля творческой импровизации.

Современные эстрадные танцы — зеркало жизни

Как и любой вид искусства, танцевальное направление развивается в соответствии с требованиями эпохи. В традиционном списке с бальными и классическими танцами, степом и чечеткой появились совершенно новые по стилю исполнения направления — джаз, модерн, брейк-данс, хип-хоп.

Джаз танец — негритянское фольклорное направление, пришедшее к нам из Америки. Развитие джазового жанра достигло пика еще в 30-х годах прошлого века, после чего началось его постепенное слияние со стилем модерн. Сегодня техники элементов джаза воспринимаются как составляющие направления модерн.

Термин «модерн» применяется для всех видов современных эстрадных танцев. Это общее понятие, вобравшее в себя лучшие технические приемы разных хореографических школ.

Но главная особенность направления модерн заключается не столько в техническом совершенстве танцевальных техник, сколько в возможности выражения индивидуальности танцора. Свобода самовыражения — основа философии движений танца-модерн.

Брейк-данс и хип-хоп — это своеобразный танцевальный ответ на появление новых музыкальных направлений — регги и реп.

Овладение новыми техниками требует от танцоров не только профессионального мастерства, но нередко и незаурядного актерского таланта. Особенно, если учесть, что большинство современных эстрадных танцев создаются по авторской хореографии и сочетают в себе элементы нескольких направлений сразу.

Успех приходит к тем, кто не боится идти вперед. Конкурсы и фестивали, организуемые АНО МАРКС — отличная возможность сделать шаг в мир профессиональных танцоров.

Spotlight Biography: Modern Dance

Spotlight Biography: Modern Dance

Современный танец

Традиционно европейский и американский театральный танец был основан на балете. Однако в начале ХХ века в танцах стало модно круги, чтобы восстать против строгости традиции. Первые два известных Американской танцовщицей, оторвавшейся от классического балета, стала Айседора Дункан и Рут Сен-Дени. Хотя их стили различались, Дункан и Сен-Дени нетрадиционные подходы открыли дверь в новую эру в истории танца: Американское современное танцевальное движение 1920 с. Лидеры этого движения, некоторые из которых перечислены ниже, основанные на личном опыте, используя свое тело как инструмент для выражения таких эмоций, как страсть, страх, радость или горе. Вместо того, чтобы придерживаться установленной формы и ограниченного диапазона жесты, как в балете, танцор создавал форму как результат своего или собственные коммуникативные импульсы.

Со временем современный танец примирился с другими традиционными танцами. формы. Возможно, ничто не помогло интегрировать различные стили танца в большей степени. чем американская музыкальная комедия, основанная на балете, модерне, чечетке и этнической народные танцы. Кроме того, с появлением телевидения и усовершенствованием транспорта после Второй мировой войны зрители и танцоры в равной степени выиграли от большего знакомство с танцевальными стилями со всего мира. Сегодня танцоры используют более широкий широкий спектр техник, стилей и исходных материалов, чем когда-либо прежде.

Марта Грэм (1894–1991)

Пол Мельтснер (1905-1966)
Холст, масло, около 1940 г., T/NPG.73.41
Национальная портретная галерея,
Смитсоновский институт, Вашингтон, округ Колумбия

Марта Грэм была одной из ведущих танцовщиц и хореографов Американское современное танцевальное движение. В 1916 году она начала свое обучение в Denishawn. Школа в Лос-Анджелесе под руководством Рут Сен-Дени и Теда Шона. Там Грэм научился отказываться от строгих форм и жестов, традиционно определяемая хореография. Ко времени ее дебюта в Нью-Йорке в 19В 26 лет она разработала революционный и противоречивый стиль. Грэм намеревалась своими танцами дать представление о человеческом состоянии, как и в Letter to the World (1940), вдохновленном жизнью Эмили Дикинсон. и поэзия, или

Appalachian Spring (1944), празднование американского пионерский дух. В то время как в раннем современном танце не использовались персонажи или рассказы рассказов, у Грэм были театральные наклонности, которые все больше проявлялись в ее позже работает. Ее современные танцевальные балеты, начиная с Клитемнестра в 1958 году использовал свободную технику современного танца, чтобы представить классическую литературные произведения. В наследие Грэма входят несколько монументальных танцевальных партитуры, написанные для нее такими композиторами, как Сэмюэл Барбер, Пол Хиндемит, и Аарон Копленд.

Хосе Лимон (1908-1972)

Филип Граусман (род. 1935)
Бронза, 1969 г., NPG.75.31
Национальная портретная галерея,
Смитсоновский институт, Вашингтон, округ Колумбия

Дар анонимного донора

Ко времени Второй мировой войны американский танец развивался в нескольких направлениях. Однако, дух пионеров раннего современного танца жил в творчестве Хосе Лимон, которого многие считают величайшим исполнителем в истории современный танец. Лимон родился в Мексике, в штате Синалоа. Его семья, перемещенная в результате мексиканской революции, переехала в Соединенные Штаты. когда ему было семь лет. В молодости Лимон занимался искусством. школу в Нью-Йорке, но позже бросил учебу, жалуясь, что он не свободен разработать собственный стиль. После посещения танцевального концерта с друзьями, Лимон почувствовал, что наконец нашел свое призвание, и тут же начал заниматься танцами у Чарльза Вайдмана и Дорис Хамфри. с 1930 до 1940 года Лимон танцевал с их труппой в концертных произведениях и на Бродвее. шоу, начиная с

As Thousands Cheer Ирвинга Берлина в 1932 году. В те же годы он также начал ставить собственные произведения. Многие из Лимона танцы, такие как Danzas Mexicanas (1939), имели мексиканскую или испанскую тематику. После службы во Второй мировой войне Лимон создал собственную компанию и наслаждался большой успех как в Соединенных Штатах, так и за рубежом. Сегодня его вспоминают за его командное присутствие на сцене и за, казалось бы, легкое использование его тело для передачи тонких идей и эмоций.

Кэтрин Данэм (1910 г.р.)

Борис Шаляпин (1904-1979)
Сангина и уголь на доске для иллюстраций, 1962 г., T/NPG.89.75
Национальная портретная галерея,
Смитсоновский институт, Вашингтон, округ Колумбия
Дар госпожи Бориса Шаляпина и Ирины Шаляпин Мерфи, 1989 г.

Кэтрин Данхэм стала пионером в использовании народного и этнического танца в качестве основы.

для современных театральных постановок. Свою выдающуюся карьеру она построила как танцором и хореографом, а также ее академическим исследованием роли танца в африканском, карибском и афроамериканском обществах. Данэм преследовал ее интерес к происхождению черного танца в Чикагском университете где она получила докторскую степень. в антропологии. В 1935 она получила свой первый грант на изучение этнических танцев на Ямайке, Мартинике, Тринидаде и Гаити. Особенно она любила Гаити и много раз возвращалась туда. Участие в проекте Федерального театра эпохи депрессии в Чикаго предложил Данхэму бесценную возможность поэкспериментировать со своими собственными народными балетами, такими как L’Ag’Ya (1938), театрализованная версия боевого танца из Мартиника. Дебют ее компании в Нью-Йорке в 1940 году имел безоговорочный успех. и ее композиции были признаны первыми однозначно афроамериканскими концертный танец. После этого Данхэм сделал долгую и разнообразную карьеру, поставив хореографию.
и снялась в многочисленных концертных, театральных и киноработах. В 1965-66 она работал консультантом по технической культуре Первого Всемирного фестиваля музыки. Негритянское искусство в Сенегале. По возвращении она поселилась в Ист-Сент-Луисе, где она основала объединенный культурный центр, антропологический музей и танцевальный студия. Центр предлагал местным жителям учебную программу по танцам, психологии, антропология и языки. Однако наследие Данэма больше, чем любое один район или культура. По ее собственным словам, «я чувствовала бы, что потерпела неудачу ужасно, если бы я танцевал, ограничиваясь расой, цветом кожи или вероисповеданием. Я не думаю, это было бы искусство, имеющее дело с универсальными истинами».0003

ССЫЛКИ


Общий

http://www.worlddancedirectory.com/
Всемирный каталог танцевальных страниц
http://www. dance.net/
Танцевальная сетка
http://www.danceart.com/
Танцевальное Искусство

Марта Грэм

http://womenshistory.about.com/cs/quotes/a/qu_graham_m.htm
Марта Грэм цитирует
http://www.biography.com/articles/Martha-Graham-9317723
Биография, цитаты, фотографии и информация о балетах Грэма
 
http://www.electricscotland.com/history/women/wih6.htm
Грэм и современный американский танец, автор Lijntje Zandee
http://marthagraham.org/resources/aboutgraham#dancer
Ресурсы Марты Грэм из Центра современного танца Марты Грэм

Джос é Лимон

http://www.limon.org/Heritage/Limon.html
Биография Лимона

Кэтрин Данэм

http://www. kennedy-center.org/explorer/artists/?entity_id=3721&source_type=A
Биография Данэма из Центра исполнительских искусств Кеннеди.
http://lcweb2.loc.gov/ammem/fedtp/ftwpa.html
Федеральный театральный проект ВПА, 1935-1939 гг.
http://anthropology.uchicago.edu/
Факультет антропологии Чикагского университета

Начало современного танца

Начало современного танца

 

Современный танец родился, все места, в Сан-Франциско, родине американского танцора Айседора Дункан, пионер нового «свободного» танцевального стиля. Возможно, это подходящее место для современного танца, зародившегося со времен образа жизни Калифорнийская граница в то время была примитивной, простой, свободной и естественный, отличительные черты нового стиля. Это была жизнь среди это самоизобретенное, постоянно развивающееся общество, которое превратило Айседору в искупительница, видевшая себя освобождающей силой от всех видов условности и ограничения, будь то моральные, социальные, сексуальные или художественные, препятствовавшие свободному выражению своих чувств. И так, Айседора решила, что собирается оживить то, что, по ее мнению, было умирающее искусство, притупленное механической мишурой. Интуитивный бунтарь против формального балетной подготовки, Айседора была художественно воспитана на текучести природа, особенно приливы и отливы волн у берега моря. Это было от ритмических импульсов природы и декоративных жилистых форм, которые она формируют ее волнообразные движения.

Целью Айседоры было лишить балета всего лишнего и выразить в движении суть жизни, а не рассказывать историю через персонажей или ситуация. Для этого она восстала против распространенные художественные условности того времени, которые, по ее мнению, танцы искривлены, невыразительны и искусственны. В то время классический балет основывался на том принципе, что все движения исходят из позвоночник и этот танец, необходимый для того, чтобы бросить вызов гравитации. Однако для Айседоры все движение исходило из области солнечного сплетения тела, центра чувства, которое может быть активировано идеей или эмоцией: «Работа так же, как двигатель делает — в прогрессивном развитии — одно движение за первоначальным импульсом постепенно следует восходящая кривая вдоха, вплоть до тех жестов, которые экстериоризируют полноту чувства, распространяя всегда под импульсом, который повлиял на танцовщицу». Кроме того, Айседора чувствовал, что тело должно двигаться естественно, а не сопротивляться закону тяжести, для движений, не соответствующих основной функции и дизайн человеческой формы был неестественным. Для нее настоящий танец возник из волнообразные ритмы тела, соответствующие органическим ритмам универсальных энергий мира. Другими словами, Айседора Дункан хотел выразить ритм духа, который пронизывает всю жизнь.


Айседора Дункан

Но Айседора Дункан сумел произвести революцию в танце и другими способами. Вдохновленный греческим языком искусство, Айседора избавилась от туфель и балетной пачки в пользу босых ног и прозрачные, струящиеся туники. Этот подрывной акт сделал ее еще более печально известным, ибо приличия имели первостепенное значение. На протяжении более чем века, ноги танцоров балета были связаны деревянными блоками для балета. тапочки, которые предполагалось носить на два размера меньше, чем механическое движение классического балета. Кроме того, балет тело танцовщицы было еще больше сжато корсетом с тяжелыми костями костюм, в котором человеческая форма и ее движения казались искусственными и были созданы для изображения сюжетного персонажа. В попытках повысить выразительность человеческого тела, Айседора приняла хитон, Греческая цельная туника, излюбленная скульпторами классической эпохи. Как носила Айседора, хитон можно было мягко застегнуть поясом или шнурком. вокруг талии и крест-накрест между грудью. Несколько щелей расширение снизу бедра позволяло свободно двигаться тазом и ногами. Излишне говорить, что Айседора Дункан была обвинена в нескольких судебных процессах. нападал на нее за непристойное разоблачение, но сумел, в то же время, вдохновить парижский мир высокой моды, и мода никогда не быть таким же.

Айседора Дункан тоже радикально изменил использование музыки и хореографии в современном танце. Традиционно балетные партитуры представляли собой мелодичные фрагментарные композиции, представлены вальсы, польки, пиццикати и польки. В поисках самого чистого выражение души, Дункан сосредоточился на части настроения, от какое движение могло расти органически. Для Айседоры идеальный танец был танцем без сопровождения, самодостаточным выражением, независимым от вся музыкальная поддержка. В таком танце танцор двигался бы в соответствии со своими собственными телесными ритмами, в диалоге только с внутренним голосом — нет музыка, без текста. Это было бы чистым танцем для себя под «ритмы какая-то невидимая музыка», не интерпретирующая, а создающая выражение и происходящее в уединении. Итак, функция музыки состоит в том, вдохновляющий элемент, который приносит сильное волнение и полную реализацию артистическим способностям танцора. Другими словами, музыка дает танцору с эмоциональными и физическими энергиями. Айседора никогда не видела музыки как средство создания танцев, но и как питание души. И таким образом она обратилась к самой прекрасной музыке мастера композиторы — Шопен, Бах, Шуман, Мендельсон, Глюк и др. Бетховена в простом фортепианном сопровождении.

В декабре 1904 г. Айседора Дункан сначала выступила в Санкт-Петербурге, а потом вернулась в 1905, 1907 и 1909 гг. Эти визиты должны были вдохновить двух самых важные игроки, которые изменили современный балет: Сергей Дягилев и Михаил Фокин. Сергей Дягилев был молодым русским аристократом. в то время оказало глубокое влияние на русскую культурную жизнь со стороны издание художественного журнала и организация масштабной выставки исторические портреты в Петербурге. В награду за то, что Дягилев открыла самой себе Россию, царь дал возможность Дягилеву получить дополнительную поддержку для нескольких выставок в Париже, которые будут экспортировать Русское искусство на Запад – сначала с выставкой русской живописи (1906), концерты русской музыки (1907) и первая постановка за пределами России Мусоргского Борис Годунов . Это производство было стремительный успех благодаря своей аутентичности и экстравагантным костюмам и настройки. На следующий парижский сезон Дягилев решил взять танцевальную программу еще и потому, что балет на западе почти умер и поэтому будьте новинкой. К своему удивлению, Дягилев обнаружил, что был балет, который дал ему возможность совместить многие из его любимых художественные дисциплины — хореографию, драму, живопись и музыку — с его вкус, любовь к экспериментам и покровительство художникам. И так, Дягилев основал Ballets Russes, труппа русских танцоров и хореографов, проживающих в Париже, которые изменили мир танца, музыки, искусства, театра и моды.


Сергей Дягилев

Поставить свой первый балет в Париж Дягилев привез с собой молодого блестящего балетмейстера, Михаил Фокин, появление которого совпало с революцией в России. 1905 и артистической суматохе, происходившей в Императорском Балетная школа и театр. Как и в случае с современным искусством во всем западном мира, русский балет тоже отупел, пережив движений, а не исследовать новые художественные территории. Каждый связанные с балетом чувствовали, что Фокин был частью рождения нового форма балета. Он стал известен своим призывом к аутентичности и реализм: искусство должно представлять свою расу, исторический момент и свое культурной среде и что она принадлежит массам. Фокин был приписывают возрождение балета, включив в него национальные и этнические стили движения, опираясь на живые источники и останки потерянных цивилизаций. В основном Фокин работал этнографом и в его задаче ему помогал конструктор Леон Бакст, который помогал ему с особенностями исторической реконструкции времени и места.

Фокин произвел революцию балет еще иным образом: он упразднил балерину как отдельное из кордебалета. Вместо этого он был привлечен к толпе и тиражировал революционный задор в ярости масс, в экстазе раса, триумф страсти и освобождение себя через массу участие. Прежде всего Фокин хотел создать иллюзию того, что его балеты вообще не ставились, а возникали спонтанно от набухания эмоций и веселья. По сути, он дал балету вид импровизации. До Фокина балет был слишком «постановочным» и искусственно воспитанный. Но с вступлением Фокина в Российскую Императорскую Балет, танцоры стали очеловеченными, индивидуализированными проводниками эмоционального и психологические истины. Фокин олицетворял потребность в танцах и жест, чтобы быть драматически мотивированным. Прежде всего, Фокин утверждал, что человек может и должен быть выразительным с головы до ног.

Как солистка из Русских балетов Вацлав Нижинский был воплощением этого нового своего рода танцор, и он должен был стать еще более спорным, когда он был назначен главным балетмейстером Русских балетов имени Фокина. подал в отставку с отвращением к манипулятивным интригам Дягилева. Этот отставка и вознесение произошли не только потому, что Дягилев и Нижинские были любовниками, но потому, что Дягилев инстинктивно знал, что если его балетная труппа должна была оставаться на переднем крае, ей нужны были новые руководство, чтобы осуществить переход. Тогда как художественное творчество Фокина исследовал внешние силы, формирующие человека, искусство Нижинского сосредоточилось на внутренние силы, которые движут им. Другими словами, Нижинский хореография дала выражение запретному бессознательному и примитивному энергии внутри индивидуума, чье изображение до сих пор было табу. Приняв на себя этот огромный художественный риск, наследие Нижинского такие же оригинальные, как у Пикассо, Стравинского и Фрейда.


Нижинский

Первый балет Нижинского был L’Apres Midi d’un Faune , поставленный в 1912 году для томных музыка Клода Дебюсси. В этом балете фавн, получеловек-полузверь, видит семь нимф, и его особенно привлекает одна из них. Когда она раздевается, чтобы искупаться, он пытается ее поймать, но безуспешно. Бег вдали от фавна нимфа роняет шарф, и он его подбирает. Затем фавн возвращается к своей скале, на которой он лежал в начале балет, ложится на шарф, а потом занимается с ним любовью до оргазм. Когда Нижинский буквально мастурбировал во время первого выступления, весь Париж был ошеломлен тем, что он публично совершил такое оскорбительное действовать. Но Нижинский был просто унесен бессознательным силы, которые вскоре высвободятся в реальной жизни, ибо танцор был латентный гетеросексуал, который в конечном итоге женится на Ромале де Пульцски. танец, для Нижинского стали средством, с помощью которого его внутреннее «я», независимо от как двусмысленно и безудержно, мог найти выражение. Аудитория, однако был пока не готов принять такой эксгибиционизм и баловство, представленное так откровенно на сцене. Однако для Нижинского это был вопрос катарсис.

Но Faune нет запомнился только из-за этого скандального инцидента. Эти восемь минут балет открыл новые горизонты, полностью отказавшись от классического балета. техника через освобождение стопы Нижинским. Танцоры шли и поворачивался, наклонялся, вставал на колени и, в единственном случае, прыгал. В других Словом, Нижинский вернул балет к базовым, примитивным шагам. Кроме того, Нижинский моделирует движения в этом балете, чтобы отразить геометрические эксперименты кубистов. Например, Нижинский сосредоточился на тело и его движение как взаимодействие треугольников, дуг и линий. Кроме того, в этом балете Нижинский представляет различные взгляды на человеческое тело одновременно, так же, как кубисты сжимали в одном едином синтетический момент как можно большего количества различных аспектов объекта. Эта техника была заимствована как из египетских иероглифов, так и из греческих. фризы, на которых изображались фронтальные и боковые виды человеческого тела в один застывший момент времени.

Хореография Нижинского за Обряд Весна (1913 г.) породила даже больше ударных волн, чем Faune. На этот раз, однако разногласия касались не сексуальной откровенности, а балетное изображение первобытности и варварства. Модная красавица poque публика просто не была готова к таким танцам, вернее, она не хотела подвергаться человеческой жестокости, которая вот-вот должна была быть развязанной Первой мировой войной. Чего эта публика требовала от балета о весне было видение изящество, гармония и красота, а не турбулентность, свидетелем которой мы только что были. То, что Нижинский представил публике, было балетом, ставившим под сомнение само понятие цивилизации. Инстинктивно Нижинский предвидел не только то, что должно было произойти в реальном мире политически, но также и художественно. У него было уловил в этом балете все черты бунта: неприятие традиционные формы, приверженность примитивизму, акцент на жизненность а не рационализм, и восприятие существования как непрерывного потока.


Игорь Стравинский

            Весна священная занимает место в Древней Руси, во времена, когда досоциальные племена принести в жертву богам молодую девушку весной, чтобы обеспечить плодородие почвы и охотничьих угодий. Другими словами, Обряд фокусируется на доцивилизованный человек в естественном состоянии, движимый жестоким энергия непрерывности жизни. В этом балете нет моральных суждений; скорее, девушка рассматривается не как жертва, а как человек, который хочет пожертвовать собой на благо общества. Это были факты жизни, как их видел Нижинский.

Обряд также спровоцировал его аудитории с точки зрения музыки и хореографии. Игорь Стравинский написал партитуру, нарушающую все священные музыкальные традиции: не хватало мелодии, гармонии и регулярного ритма. Кроме того, мюзикл оценка была очень громкой. Требуемый оркестр был огромен, с высоким процент перкуссии. Звуки, издаваемые деревянными духовыми инструментами были искажены за счет использования немых, а скрипки играли смычком вниз для создания более громкого и диссонирующего звука. Нижинского хореография была такой же резкой, как и музыка. Каждый классический традиционный движение было устранено: нет струи , пируэты или арабески. Движение свелась к прыжкам обеими ногами и хождению топотом. Основная позиция танцоров состояла в том, чтобы согнуться к земли, стопы повернуты внутрь с большим преувеличением, колени согнуты, руки подвернуты, а голова повернута в профиль, а тело обращено вперед.

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *